Paulo Whitaker 

Temos a honra de poder falar que a arte brasileira contemporânea é rica em diversidade, e muitos artistas se destacam pela originalidade que expressam em seus trabalhos. 

E um desses artistas é Paulo Whitaker, um pintor e desenhista que conquistou reconhecimento com uma carreira marcada por experimentações com formas geométricas e abstratas. 

E neste artigo, vamos falar sobre sua história, sua carreira, e as características que fazem sua obra única. 

Então, quer se aprofundar na arte de Paulo Whitaker? Continue lendo este conteúdo da Galeria Livia Doblas!

Quem é Paulo Whitaker?

Paulo Galvão Whitaker de Assumpção nasceu em São Paulo, mas foi em Santa Catarina que ele se estudou Educação Artística, na Universidade para o Desenvolvimento do Estado de Santa Catarina (Udesc/SC). 

Whitaker se consagrou pintor e desenhista com uma obra que dialoga com o abstrato e o geométrico, e que transita entre formas simples e complexas. 

É com muita dedicação, talento e originalidade que ao longo de sua carreira expõe e colabora em importantes espaços de arte ao redor do mundo, incluindo sua participação nas edições de 1989 e 2002 da Bienal Internacional de São Paulo.

Ele participou de diversas mostras internacionais, incluindo sua residência artística entre 1991 e 1992 em três centros culturais: o Plug In, em Winnipeg (Canadá), o E-Werk, em Freiburg (Alemanha), e o The Banff Centre for the Arts, em Banff (Canadá). 

Paulo Whitaker - “Autorretrato de Costas de capa”

Outro destaque foi a sua participação no Dynamic Encounters International Art Workshop, realizado no Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo, onde contribuiu para a discussão sobre as novas linguagens artísticas que se desdobram no século XXI.

Essas experiências refletem uma perspectiva multicultural e ampliam a visão do artista sobre a arte contemporânea, influenciando diretamente sua produção que, por sinal, é muito atrativa, delicada e excêntrica e vamos falar mais detalhes a seguir.

Entre abstrações e figuras Paulo Whitaker expressa a sua Arte

Nos anos finais da década de 1980, os desenhos e pinturas de Paulo Whitaker se caracterizavam por linhas simples e massas coloridas de contornos irregulares. 

Essas formas curvilíneas e geométricas apareciam sobre um fundo monocromático, dando origem a um jogo de contrastes que com certeza chama o olhar do espectador. 

Paulo Whitaker - Serigrafia “Formas”

No entanto, a partir de 1997, o trabalho de Whitaker começa a se transformar.

 As formas curvilíneas, embora ainda presentes, começam a se agrupar e se justapor, dando origem a uma composição mais densa e intrincada. 

Elementos geométricos, como retângulos, passam a integrar as obras, criando um diálogo entre o abstrato e a estrutura geométrica mais rígida. 

E temos ainda mais novidades: as colagens, em que o artista reaproveita desenhos e formas de sua própria autoria em outros períodos de sua carreira, criando um interessante jogo de memória e transformação entre o passado e o presente. Essa fusão entre o anterior e o atual é uma das marcas registradas de sua produção.

Paulo Whitaker - Serigrafia 1

Todas essas características da sua produção também se refletem nas gravuras, que dividem espaço perfeitamente com a arte figurativa, criando uma fusão única de estilos e expressões.

As Gravuras de Whitaker: um Misto de elementos abstratos, natureza e humanos

Nas gravuras de Paulo Whitaker, vemos um interessante e único mix de características e formas. Elementos abstratos clássicos dividem espaço com ilustrações de animais, figuras humanas, e cenas que remetem à natureza. 

Paulo Whitaker - Serigrafia “Figuras”

Uma das particularidades são as sombras de pessoas, que aparecem de maneira enigmática e impactante, criando uma mensagem misteriosa. Além disso, a leveza das linhas finas, que fazem um contraste com a complexidade das formas, permite ao espectador uma interpretação visual profunda.

Paulo Whitaker - Serigrafia “Pássaro”

Quando se trata de cores, podemos ver que Paulo Whitaker opta por uma paleta sóbria, clássica e neutra, o que confere às suas obras uma densidade contemplativa. As cores não se sobrepõem de forma exuberante, mas servem para realçar os detalhes e o jogo de sombras e luzes.

 Além disso, a serigrafia se destaca como uma das técnicas mais utilizadas pelo artista nas gravuras, permitindo uma exploração mais detalhada das camadas visuais.

Com pinturas, gravuras e trabalhos tão incríveis, não é surpresa que suas obras sejam encontradas em acervos importantes, não é?! E estão mesmo! Vamos te contar em quais no próximo capítulo.

A Arte da Paulo Whitaker está em grandes acervos e Museus

A importância de Paulo Whitaker no cenário artístico é atestada pela presença de suas obras em locais como o Museu de Arte de Santa Catarina (MASC), o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP), o Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP), o Museu de Arte Contemporânea do Paraná (MAC/PR) e o Museu de Arte Brasileira da Fundação Armando Álvarez Penteado (MAB/Faap). 

Um reconhecimento merecedor que atesta a relevância de sua obra no contexto da arte contemporânea brasileira e internacional. 

Paulo Whitaker - Serigrafia “FIguras II”

Agora, imagine ter em sua casa uma parte dessa arte reconhecida mundialmente, enriquecendo sua decoração e proporcionando momentos de contemplação únicos.

Entre tantas obras lindas do nosso acervo digital temos diversas gravuras clássicas do artista. Clique aqui e confira!

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Glauco Rodrigues

O artista Glauco Otávio Castilhos Rodrigues, ou apenas Glauco Rodrigues, foi um dos nomes que mais influenciaram o cenário da arte no Brasil. Durante o século 20, transitou entre a pintura e a gravura e foi capaz de trazer a cultura brasileira de forma exemplar em seus trabalhos. Podemos considerar, genericamente, que o Brasil esteve entre suas temáticas desde a figuração até o abstrato, passando por influências da pop-art e através dessas telas, foi se tornando um dos mais expressivos artistas brasileiros.

Além das temáticas e das técnicas e do o estilo de Glauco Rodrigues é extremamente característico e próprio, as cores e os elementos que refletem o Brasil e a tropicalidade de nossas telas são capazes de tornar os trabalhos de Glauco de fácil identificação.

Neste artigo do Blog da Galeria Livia Doblas traremos tudo sobre a carreira do artista gaúcho.

Os primeiros passos de Glauco Rodrigues na Arte

Gaúcho nascido em Bagé, Glauco Rodrigues deu seus primeiros passos no meio artístico de forma autodidata. Os aprendizados iniciam em 1945, como dissemos, sozinho, mas não para por aí, quatro anos mais tarde parte para o Rio de Janeiro, onde na ENBA, a Escola Nacional de Belas Artes, estudou pintura por três meses com o pintor carioca José Moraes, algo que foi permitido por uma bolsa de estudos que recebeu da Prefeitura de Bagé. 

Outro fato que marcou o início de sua carreira foi a fundação do Clube de Gravura de Bagé, logo um ano depois de sua passagem pelas terras cariocas, ao lado de Glênio Bianchetti e Danúbio Gonçalves teve sua primeira participação em um clube para aprimoramento de uma das técnicas que mais trariam frutos para o restante de sua carreira. Isso é comprovado já que logo no ano seguinte, integrou o Clube de Gravura de Porto Alegre, capital de seu estado. Clube este que foi criado por Carlos Scliar e Vasco Prado.

Glauco Rodrigues - Serigrafia

O caminho de Glauco da abstração à figuração

Ao final dos anos de 1950, Glauco Rodrigues se torna, praticamente, um artista da abstração. Esse fato se dá principalmente por sua estadia na Itália, onde aumenta e muito a produção de obras abstratas. Porém a abstração não caminharia sozinha por muito tempo, após sua volta ao Brasil, acaba deixando de lado as abstrações que fazia em Roma, e conduz sua arte de forma figurativa, dando preferência à criticidade de suas obras, e caminhando com a influência da pop art.

Como dissemos nos parágrafos anteriores, Glauco Rodrigues talvez seja um dos artistas que mais soube trabalhar e trazer através de suas telas os elementos da cultura brasileira. Anos mais tarde após sua volta da Itália, outros elementos começaram a ser implantados pelo artista, principalmente com a migração de sua obra para o figurativo, a partir dos anos 1970 então, figuras da bíblia e paisagens brasileiras junto a figuras culturais da região sul do país começaram a ser mais vistos em suas gravuras e suas pinturas.

Glauco Rodrigues - Mate Amargo

Importantes obras e gravuras de Glauco Rodrigues

Uma das técnicas que Glauco Rodrigues mais soube trabalhar, possivelmente por ter começado o aprendizado logo no início da carreira, é a gravura. Podemos analisar que obras nas quais Glauco utilizou a técnica possuem imagens extremamente detalhadas, com traços sutis e cores bem impressas. Aqui vão algumas obras que trazem o Brasil através das telas de Rodrigues, além disso, elas representam bem a qualidade das gravuras de Glauco Rodrigues, tanto em técnica quanto em estética:

• Terra Brasilis de 1970

• Carta de Pero Vaz de Caminha de 1971

• No País do Carnaval de 1982

• Sete Vícios Capitais de 1985

Glauco Rodrigues - Terra Brasilis

Influências e inspirações para a carreira de Glauco Rodrigues

Ao longo de sua carreira, o artista Glauco Rodrigues acabou tendo vivências e experiência em inúmeras vertentes artísticas, por isso, vários nomes inspiraram a sua trajetória, Oswald de Andrade foi um desses nomes, inspirando uma de suas obras mais icônicas “Terra Brasilis”, tudo isso através de sua antropofagia cultural. 

A pop art também influenciou e muito, principalmente do meio para o fim de sua carreira, essa influência pode ser notada principalmente pela maneira que abordou a cor e o contraste entre cores características do movimento.

Glauco Rodrigues - obra com influência da pop art

O Legado deixado por Glauco Rodrigues

Toda a carreira de Glauco Rodrigues acabou deixando um legado artístico único para a arte brasileira, Desde as técnicas até as temáticas populares e reflexivas de seu trabalho acabaram por representar o ambiente do Brasil, e levar a importância do nosso país para o exterior, hoje, podemos ter a comprovação de que seu trabalho elevou a arte brasileira, pois além dos importantes prêmios que recebeu, como Golfinho de Ouro de Artes Plásticas do Governo do Estado do Rio de Janeiro e o Prêmio Ministério da Cultura Cândido Portinari, sua obra continua a ser exposta, admirada e vendida em importantes galerias ao redor do Brasil e do exterior.

Exposição de Glauco Rodrigues no Museu de Arte do Rio Grande do Sul

Se gostou de saber sobre a carreira desse que foi um dos nomes que mais levaram e elevaram o Brasil através de suas telas, clique aqui para ver tudo sobre Glauco Rodrigues na Galeria Livia Doblas.

Além disso, para não perder nenhuma novidade sobre esse e sobre outros importantes nomes da arte brasileira, acompanhe o nosso blog e siga-nos em nossas redes sociais.

Leda Catunda 

Leda Catunda é uma das artistas brasileiras mais importantes da Geração 80, que desafiou as convenções da arte brasileira ao explorar novas linguagens e temas, com destaque para o universo popular e a crítica às representações de imagens no cotidiano.

Sua carreira abrange uma vasta produção, que inclui pinturas, esculturas, instalações e obras gráficas. Ao longo dos anos, Leda tem se mantido uma artista ativa no cenário artístico, com exposições nacionais e internacionais, e continua a expor suas obras até hoje, mantendo sua relevância e atualidade no panorama da arte contemporânea.

E neste artigo da Galeria Livia Doblas vamos falar sobre a vida e obra da artista.

A formação e consolidação de carreira de Leda Catunda 

Nascida em São Paulo em 1961, Leda Catunda estudou Licenciatura em Artes Plásticas na Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP), sendo aluna de grandes mestres como Regina Silveira, Nelson Leirner e Julio Plaza, que influenciaram profundamente a sua produção artística.

Durante seus estudos, ela já buscava seu lugar como artista, se dedicando e buscando oportunidades onde pudesse alcançar seus frutos.

Até que em 1981, Leda expõe pela primeira vez no “IX Salão de Arte Jovem de Santos”. No mesmo ano, participa de duas mostras coletivas: “Festival Internacional da Mulher nas Artes”, São Paulo e “V Salão Jovem de Arte Contemporânea”, Centro Cívico de Santo André, São Paulo.

E a partir desses trabalhos, ao longo dessa década, o trabalho de Leda começou a ganhar destaque no cenário artístico. 

Leda Catunda faz parte da Geração 80 da arte

Em 1983, participou da mostra coletiva Pintura Como Meio no Museu de Arte Contemporânea da USP (MAC/USP), ao lado de outros jovens artistas da época, como Ciro Cozzolino, Sérgio Romagnolo e Ana Maria Tavares. 

Agora, imagine com apenas 23 anos integrar uma histórica exposição, que foi a  “Como Vai Você, Geração 80?”... Foi o que aconteceu com a artista, e esse evento, realizado no Parque Lage, no Rio de Janeiro, foi um marco para a arte brasileira dos anos 80, ou seja, já significava que quem estava ali era de muita relevância para o cenário.

Também participou de importantes bienais internacionais, como a I Bienal de Havana (1985) e as XVII e XVIII Bienais de São Paulo.

A busca por novidades e inovações levou Leda a realizar um mestrado na Escola de Comunicação e Artes da USP, onde defendeu sua tese sobre a "poética da maciez", um estudo sobre o uso de formas amolecidas em produções artísticas.

Foi assim, estudando, expondo e se dedicando incansavelmente à arte, que Leda construiu o nome artístico que conhecemos hoje. Artista visual, pintora, escultora, artista gráfica e professora brasileira, ela desenvolveu uma arte de identidade própria, com um olhar e talento inovadores, que vamos explorar a seguir.

A Arte de Leda Catunda:

Desde o início de sua carreira, Leda se distanciou das convenções tradicionais da arte, fazendo uso de materiais encontrados em mercados populares, como flanelas, toalhas e tecidos.

O uso de tecidos e materiais aparentemente banais para compor suas obras se tornaria uma característica marcante de sua trajetória, trazendo uma abordagem crítica à sociedade saturada de imagens.

Leda Catunda - “Escamosa II” acrílica e esmalte sem tecido e voile

Esses primeiros trabalhos, que ela denomina de pinturas-objetos, antecipam a fusão de pintura e escultura, consolidando sua identidade artística inovadora.

Pode-se dizer que esse trabalho tem raízes na infância da artista, sendo a casa de sua avó portuguesa o ponto de partida para seu interesse por elementos artesanais e populares, como toalhas de crochê e objetos decorativos do comércio popular.

Definitivamente, esses elementos se tornaram um repertório visual essencial para sua obra. Sua arte carrega uma mistura de sofisticação com elementos do cotidiano, com muitas cores e texturas.

 No entanto, Leda não se acomodou com isso e continuou a explorar e a criar novos estilos.

Novos estilos na arte de Leda Catunda

No final dos anos 1980 e início dos anos 1990, Leda começou a explorar formas mais abstratas. As texturas e estampas que marcaram seus primeiros trabalhos continuam presentes, mas a artista passa a adotar formas geométricas em suas produções. 

Durante essa década, ela também cria obras de maior volume e dimensões, que geram maior profundidade e impacto visual.

Ela também possui muitas gravuras em seu portfólio, explorando amplamente a litografia. Mesmo nessas obras, misturava técnicas e combinava elementos clássicos nada clássicos, criando colagens, como por exemplo “Corações e Mentes”.

Leda Catunda - Litografia com colagens  “Corações e Mentes”

Uma face diferente de Leda Catunda 

Você sabia que além de incrível artista, Leda Catunda também se dedica à pesquisa e à educação? 

Como professora e pesquisadora, ela continua a influenciar gerações de artistas, e com certeza promove uma reflexão profunda sobre o papel da arte na sociedade contemporânea e sobre a relação entre arte e cotidiano.

Um exemplo mesmo, não é?! 

Assim, concluímos que a trajetória de Leda Catunda não apenas reflete as transformações da arte brasileira ao longo das últimas décadas, mas também reforça a importância de um olhar mais atento, crítico e criativo para o mundo ao nosso redor.

Pois foi assim, com sua habilidade de transformar o cotidiano em arte, que ela se destacou ao mostrar que, em suas mãos, objetos simples se tornam algo profundamente significativo e reflexivo. 

E sua obra continua a inspirar e provocar, cheia de cores e texturas, consolidando-se como um dos pilares mais importantes da arte contemporânea no Brasil.

Leda Catunda - litografia “Amora”

E, como mencionamos, Leda Catunda também expressa sua arte em gravuras, e no nosso acervo online, você pode conferir várias delas. Clique aqui para conhecer!

E para você que, além de apreciar uma boa arte, também gosta de leitura sobre os diversos temas que ela contempla, confira mais textos em nosso blog. Há muitas histórias interessantes esperando por você!

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Amilcar de Castro e uma de suas esculturas

Hoje, no Blog da Galeria Livia Doblas, entenderemos tudo sobre o Neoconcretismo. Este que foi um dos mais importantes movimentos da história da arte brasileira, capaz de revolucionar a maneira como a arte vinha sendo tratada até então.

O Neoconcretismo veio como uma resposta e como uma ruptura ao movimento do Concretismo. A subjetividade e o uso da sensibilidade como algo primordial para a produção artística são a base do movimento neoconcreto, que foi capaz de influenciar gerações de artistas até os dias de hoje, o que tornou a sua criação como um marco que ainda traz legado e eleva a maneira como tratamos o meio artístico atual dentro e fora do Brasil.

O que é a arte e o movimento neoconcreto?

O Neoconcretismo veio para ser o grande contraponto ao rigor e ao “modo quadrado de ser” do Concretismo. De um lado, os concretistas viam a arte como algo objetivo e baseado em princípios e cálculos matemáticos. Do outro lado, os neoconcretistas enxergavam que a arte funcionava como a natureza, de forma orgânica, através da sensibilidade de quem a vê e principalmente de quem a produz.

Por isso, o Neoconcretismo surge com a ideia de tornar cada vez mais a obra em um organismo vivo, onde o espectador acaba por fazer parte da arte, não apenas a visuliza e admira, o toque e o sentimento, começam então a ser, também, arte.

Como veremos mais profundamente no decorrer do artigo, o marco inicial do movimento é o manifesto neoconcreto, que foi publicado em 1959 e teve a assinatura de renovamos artistas, como: Ferreira Gullar, Lygia Clark, Lygia Pape, Amilcar de Castro, Franz Weissmann, Reynaldo Jardim e Theon Spanudis.

A partir do manifesto, o movimento teve a capacidade de modificar a forma como a arte brasileira e internacional caminhavam até o momento Além disso, abriu as portas para novos tipos de arte, novas técnicas e um caminho com experimentação livre, onde o novo era importante, assim como a interatividade. Desta maneira, a arte neoconcreta se destaca e rompe com a forma estática da arte concreta, tudo isso com o objetivo da criação de novas possibilidades de expressão artística.

Lygia Pape - Experimentações com Arte e Vida

A origem do Neoconcretismo

O Neoconcretismo surgiu precisamente em 1959, tendo como marco inicial o Manifesto Neoconcreto, que foi publicado em 1959 no Jornal do Brasil. Tal manifesto seria um dos maiores documentos, se não o maior, da história da arte brasileira, e, a partir da sua publicação, o cenário artístico nunca mais seria o mesmo.

Assinado por importantes artistas e críticos de arte da época como Ferreira Gullar, Lygia Clark, Lygia Pape, Amilcar de Castro, Franz Weissmann, Reynaldo Jardim e Theon Spanudis, o texto tinha como objetivo romper com os conceitos e com a forma rígida do Concretismo. Para os criadores do manifesto, a arte não poderia ser reduzida a um objeto feito através de cálculos e de forma fria, muitas vezes com um olhar pragmático e comercial.

A Escola Bauhaus era a mãe do movimento Concreto e via a arte como uma forma objetiva de expressão, o geométrico presente nas obras era baseado em regras, cálculos, matemáticas e lógicas. Como contraponto, os artistas do Neoconcretismo viam que essa maneira de pensar acabava tornando a arte e a expressão como algo excessivamente mecânico e impessoal, e por fim, tirava a proximidade das pessoas até a arte.

Importantes artistas Neoconcretos

Lygia Clark

Lygia Clark é uma das figuras mais importantes do movimento e trouxe obras “vivas” e interativas. Sua série "Bichos", talvez seja o melhor exemplo de sua inovação. Nela, a artista trazia esculturas articuláveis com as quais o público poderia mexer e mudar suas formas.

Obra da Série Bichos de Lygia Clark

Lygia Pape

Lygia Pape teve uma carreira completa, explorou diversas facetas da arte, do cinema à gravura. O "Livro da Criação" é uma de suas obras mais reconhecidas e também é um exemplo de obra interativa, trazendo a raíz do neoconcretismo à sua produção.

Lygia Pape - O "Livro da Criação" 

Hélio Oiticica

Hélio Oiticica também criou obras que romperam com a distancia entre espectador e arte. Grandes exemplos são a série “Bilaterais e Relevos Espaciais”.

Hélio Oiticica - Núcleo

Amilcar de Castro

Conhecido pela maneira única pela qual manipulou grandes obras em metal, Amilcar de Castro trouxe obras que desafiaram o espaço e a maneira como o público a admira ao redor do ambiente na qual a obra é situada.

Amilcar de Castro - Litografia 4

Ferreira Gullar

Poeta, artista e crítico de arte, Ferreira Gullar foi um dos teóricos fundamentais do Neoconcretismo. Sem ele, a parte mais marcante do movimento não surgiria, o Manifesto Neoconcreto.

Ferreira Gullar - Serigrafia 8

Características e curiosidades do Neoconcretismo

O Neoconcretismo trouxe novas maneiras de pensar e de criar dentro da produção artística:

• Valorização da subjetividade: ao contrário da forma quadrada do movimento concreto, os neoconcretistas viam a arte como um reflexo da sensibilidade do artista.
• Arte como organismo vivo: inúmeras obras neoconcretas traziam uma integração entre a arte e o espectador tornando a produção como um ser vivo e mutável.
• Exploração de novas técnicas e materiais: os artistas do movimento davam extrema importância para a experimentação, tanto para gravuras, quanto para a criação de esculturas interativas e até mesmo obras interativas.
• Influência para novas gerações: O Neoconcretismo teve a capacidade de influenciar diversos movimentos que vieram após o seu surgimento, como a arte conceitual e a arte interativa.
• Documento histórico: O Manifesto Neoconcreto foi um dos documentos mais importantes da arte brasileira, já que ele mudou o caminho do que se via até então no cenário artístico.
• Reconhecimento e importância para as obras: Hoje, obras neoconcretas estão expostas em diversos museus dentro e fora do Brasil.

Além das curiosidades, o Neoconcretismo representou muito para o que podemos analisar do cenário artístico nacional como um todo, ele veio em um momento crucial para a arte brasileira, trouxe novas formas de arte e fugiu do comum, tudo isso em uma época onde as técnicas ainda vinham crescendo quase que lentamente, e onde havia muito pouca inovação. Tudo isso abriu caminho para muito do que os artistas contemporâneos trazem como inovação, principalmente com as novas formas de interação com a arte.

Os artistas neoconcretos, sem nenhuma dúvida, deixaram um legado ímpar, tornaram da arte uma experiência, e hoje, ainda são espelhos para quem quer fazer arte dentro e fora do Brasil.

Com isso, podemos entender o Neoconcretismo como um dos movimentos mais importantes da história da arte brasileira.

Se gostou de ver um pouco mais sobre este que é um dos movimentos mais marcantes da história da arte brasileira, clique nos links do artigo e veja cada um dos detalhes de artistas que marcaram história dentro desse tema.

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Museu de Arte de São Paulo (MASP)

Você sabia que o Museu de Arte de São Paulo (MASP) abriga o mais importante acervo de arte europeia do Hemisfério Sul?

Com essa grandiosidade, ele atrai milhares de turistas e amantes da arte, sempre inovando e trazendo novidades. Neste mês, por exemplo, está inaugurando uma expansão para ampliar ainda mais suas atrações.

É um orgulho ter aqui um verdadeiro centro cultural que é referência no Brasil e no mundo, não é? E com tanta relevância, há muitas histórias para contar! 

Por isso, neste artigo, vamos compartilhar as principais curiosidades sobre o MASP.

O Surgimento do MASP

O MASP foi fundado em 1947 pelo empresário brasileiro Assis Chateaubriand, com a proposta de criar um espaço dedicado à arte moderna no Brasil. 

Sua primeira sede era localizada no centro de São Paulo, na Rua 7 de Abril, e foi o primeiro museu moderno do país, rompendo com a tradição dos museus clássicos e criando uma nova proposta de se apresentar à sociedade.

 Em suas primeiras décadas de existência, o MASP se consolidou como um espaço de inovação artística e cultural, com uma forte ênfase na arte contemporânea e na valorização de artistas brasileiros.

Início de construção do MASP 

Até que em 1968, o MASP foi transferido para o edifício atual, localizado na Avenida Paulista, projetado pela renomada arquiteta Lina Bo Bardi. 

O novo edifício do MASP tornou-se uma das maiores referências da arquitetura modernista brasileira. O prédio foi concebido com uma estrutura suspensa, permitindo uma grande área livre no térreo, criando um espaço fluido e acessível que conecta o museu à cidade. O design ousado de Lina Bo Bardi relaciona o MASP com o que ele oferece ao público: um símbolo da modernidade e da inovação cultural do Brasil.

Construção do MASP na Avenida Paulista

A relevância cultural do MASP

Como falamos no início o MASP se consolidou como um dos maiores e mais importantes museus de arte do hemisfério Sul. Seu acervo único, composto por mais de 11.000 obras, reúne pinturas, esculturas, fotografias e outros itens, e está entre os mais ricos e diversos do Brasil.

Além disso, é também um ambiente de educação e reflexão cultural, onde são realizados cursos, palestras, encontros educacionais, reunindo pessoas do Brasil e do mundo todo.

Mas, claro, o museu se destaca por sua programação dinâmica, sempre trazendo novidades! Com exposições temporárias de arte contemporânea e histórica, reúne obras icônicas de artistas renomados do Brasil e do mundo. E a seguir, vamos explorar mais sobre esse acervo incrível!

O acervo do MASP: Obras de Artistas Brasileiros

Na coleção do MASP há obras de grandes artistas brasileiros que definiram a arte nacional e influenciaram a história da cultura no país. E dentre os principais artistas representados, destacam-se:

Anita Malfatti, Di Cavalcanti, Cândido Portinari, Tarsila do Amaral, Victor Meirelles e Alfredo Volpi, por exemplo.

Obras de Di Cavalcanti no MASP

Além de abrigar obras de grandes artistas brasileiros, o MASP possui um acervo repleto de peças históricas renomadas e já foi palco de exposições icônicas. 

Que tal conhecer algumas delas?

Obras Importantes no MASP

O MASP possui obras importantes de artistas internacionais, como Van Gogh, Picasso, Renoir, e Rembrandt. Entre as obras brasileiras de destaque, algumas das mais famosas são:

Obras de Van Gogh no MASP

Rembrandt no MASP - "Retrato de jovem com corrente de ouro"

E você sabia que, em 2019, "Abaporu", de Tarsila do Amaral, também esteve no MASP? Após 11 anos, a obra retornou a São Paulo para ser exibida em uma mostra dedicada à artista.

“Abaporu” exposto no MASP, e ao lado Tarsilinha do Amaral, sobrinha-neta de Tarsila do Amaral, que esteve no MASP apreciando a exposição.

E, claro, frequentemente outras obras internacionais são expostas no MASP, criando uma plataforma que conecta a arte brasileira ao resto do mundo.

O MASP e o turismo

Com essa enorme importância histórica e cultural, o MASP atrai turistas nacionais e internacionais que visitam São Paulo. Inclusive, em um conteúdo anterior, que você pode conferir clicando aqui, falamos sobre São Paulo, a maior cidade da América Latina, que abriga diversos espaços para apreciar a arte. E o MASP  é mais um deles, de grande relevância para o país. 

O local não é apenas um espaço para ver arte, mas também para aprender e se envolver com a cultura contemporânea e histórica.

Para quem está visitando a cidade, não há dúvida de que o MASP é uma parada obrigatória, onde a arte brasileira se encontra com a arte mundial em um espaço único e envolvente.

E por lá, as visitas sempre podem ser atualizadas, pois pode ter certeza que novidades nunca faltam. 

Inclusive, neste mês, será inaugurado um novo espaço no segundo edifício do MASP, e vamos falar sobre ele a seguir.

A expansão do MASP

Com 14 andares e 7.821 m², o novo edifício dobra a área de atuação do MASP, e uma conexão subterrânea interliga os dois edifícios, fortalecendo a estrutura do museu.

Projeto mostra os dois edifícios do MASP e a conexão subterrânea 

Para manter viva sua história, o prédio original foi nomeado em homenagem à arquiteta Lina Bo Bardi, enquanto a nova estrutura recebeu o nome de Pietro Maria Bardi, primeiro diretor artístico do museu. Assim, junto ao título oficial, Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, o MASP celebra três figuras essenciais para sua criação.

E para inaugurar as novas galerias do Edifício Pietro, neste mês, o museu apresenta exposições especiais com recortes do acervo MASP e uma mostra sobre suas histórias.

Então, fica a dica: se você é um amante da arte, já vale atualizar a sua visita! E se gostou de conhecer mais sobre o MASP, explore nosso blog: temos conteúdos sobre arte, histórias marcantes, biografias de artistas e muito mais.

Aproveite também para visitar o nosso acervo digital, onde você também encontra obras de grandes nomes como Alfredo Volpi e Tarsila do Amaral.

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Luiz Hermano

Luiz Hermano é um artista brasileiro que atuou em diversas partes da arte, trabalhando com o desenho, a gravura, a pintura e a escultura. Autodidata, se interessou pelo meio artístico principalmente através da sua relação com fatos comuns do dia a dia e dessa forma, teve o interesse de transformar materiais, como o metal, vistos normalmente no dia a dia das pessoas em arte, e de maneira relativamente complexa.

Partindo para a temática, podemos considerar que a obra de Luiz Hermano, em um primeiro momento, caminhou livremente pelo lúdico e pelo geométrico, pairando entre a forma e a representação que ela traria. Além disso, foi capaz de trazer o uso da textura de forma única.

Neste artigo da Galeria Livia Doblas, iremos conhecer um pouco mais da trajetória de Luiz Hermano, abordaremos seu estilo, suas principais obras e técnicas e todo o desenvolvimento de sua carreira.

Luiz Hermano - Serigrafia 13

Os primeiros passos artísticos de Luiz Hermano

Cearense de Preaoca, Luiz Hermano nasceu em 1954 e teve uma infância rica culturalmente. Através desse fato, se aproximou do meio artístico, o que aflorou o seu lado criativo e a tentativa de fazer arte.

Após sua infância, em 1970, Luiz Hermano também se interessou pela área de humanas e iniciou seus estudos em Filosofia na Universidade Federal do Ceará, época na qual iniciava seus primeiros passos na arte também, quando a gravura em metal entra em seu repertório, ainda de forma autodidata. 

Como análise, é simples perceber que essa base cultural, filosófica e autodidata foi crucial para o decorrer de sua carreira, que passaria por diversas outras áreas da arte de forma minuciosa.

Ao final da década de 1970, percebeu que poderia inserir ainda mais conhecimento através do aprendizado com outros artistas, então, buscou mais repertório em técnicas de gravura com Carlos Martins na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro, ainda no final da década, parte para São Paulo e realiza sua primeira grande exposição no Museu de Arte de São Paulo, o MASP. Daí em diante, parte para uma carreira que faria história na arte brasileira.

As gravuras de Luiz Hermano

Como trouxemos nos parágrafos anteriores, a gravura foi uma das técnicas que formaram a base artística de Luiz Hermano.

Como boa parte de suas obras, suas gravuras trazem composições complexas misturando forma, cor e principalmente a textura e o relevo.

Como parte principal de suas gravuras, podemos destacar, principalmente, duas características, são elas:

• Linhas firmes e entrelaçadas: criando composições através da forma e da relação com a cor, de maneira que as linhas se transformam em um elemento lúdico.

• Uma influência clara do surrealismo: as formas abstratas remetem e muito ao movimento, apesar do artista não se fixar em um único estilo.

Dentro da técnica da gravura, além da gravura em metal, Luiz Hermano também experimentou a serigrafia, produzindo inúmeras obras através da técnica.

Luiz Hermano - Serigrafia 7

O reconhecimento internacional de Luiz Hermano

É na década de 1980 que Luiz Hermano começa a ganhar também as suas primeiras formas de reconhecimento internacional, na época, sua produção artística começa a apresentar também mais elementos na técnica da pintura.

Tal reconhecimento é notado por sua participação em exposições como a 5ª Bienal Internacional de Seul, em 1983; a 2ª Bienal Pan-Americana de Havana, em 1986; e uma exposição individual na Galeria Debret, em Paris, que lhe foi concedida por ganhar o Prêmio Chandon de Arte, em 1984.

A partir daí, começa a chamar a atenção de colecionadores e críticos de arte dentro e fora do Brasil.

As esculturas e a tridimensionalidade de Luiz Hermano

É na década seguinte que Luiz Hermano começa a se interessar pelo tridimensional em sua arte. As esculturas então, começam a despontar em suas produções.

AS "Esculturas para Vestir" de 1994, são uma das obras mais reconhecidas nessa técnica e foi exposta no Museu de Arte Moderna de São Paulo, o MAM. Nessa série as esculturas podiam ser vestidas, o que seria o princípio das obras interativas.

Essa fase das esculturas consolidou Luiz Hermano como um artista inovador, e realmente multifacetado.

Luiz Hermano - Serigrafia 14

Luiz Hermano e as obras contemporâneas

Luiz Hermano continua a sua carreira artística em seu ateliê em São Paulo. Como foi todo o decorrer de sua carreira, ele ainda busca explorar novas vertentes em seu trabalho.

Suas obras e seu legado continuam sendo vistos e admirados tanto nas galerias quanto em museus e exposições, o que também torna o seu portfólio referência para novas gerações de artistas que podem, assim como ele, trazer novas maneiras de arte para o cenário artístico atual.

Luiz Hermano - Exposição “Desdobramentos” - 2018

Luiz Hermano é um artista que possui uma trajetória única e que os críticos de arte consideram uma das mais ricas quando pensamos em inovação e diversidade em seu repertório. A experimentação talvez seja o ponto chave de sua obra e de seu legado, que ainda é construído. Seja nas gravuras, nas pinturas, ou nas esculturas, a obra de Luiz Hermano tem a capacidade de trazer outras maneiras de admiração da arte. O lúdico, a riqueza cultural e o seu olhar único sobre o mundo trouxeram outras formas de trazer arte para as pessoas.

Sabendo de todos esses fatores, sabemos que sua influência na arte contemporânea brasileira é extrema para os admiradores de arte, como dissemos, seu vasto repertório continua sendo influência para novos artistas brasileiros.

Se gostou de conhecer ainda mais sobre a carreira e a obra do brasileiro e cearense Luiz Hermano, confira aqui todas as obras disponíveis no acervo da Galeria Livia Doblas.

Além disso, siga acompanhando o nosso blog e nossas redes sociais para não perder nenhuma novidade sobre outros artistas e obras de dentro e fora do Brasil.

Germana Monte-Mór

Pense em uma artista incrível, e então pense nela trabalhando em gravura, no desenho, na escultura e pintura. Essa é Germana Monte-Mór que se destaca como uma das artistas brasileiras da arte contemporânea.

Sua arte é moderna, vibrante, curiosa e seu trabalho impecável, por isso, neste post, vamos conhecer mais sobre as características das obras de Germana, além de sua trajetória e a influência que ela exerce na arte brasileira. 

 A trajetória de Germana Monte-Mór

A carioca Germana Monte-Mór, nascida em 1958, iniciou sua formação acadêmica em Ciências Sociais na Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ). 

No entanto, não se encontrou nessa área e decidiu se dedicar às artes visuais. Mudou-se para São Paulo, onde começou os estudos de Artes Plásticas na Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP), e, como sabemos, a arte era mesmo o seu destino. 

Foi logo nesse período que se apaixonou pela gravura, dando início a sua trajetória artística. 

No entanto, Germana é conhecida por uma jornada marcada por contínuas pesquisas e busca por novas formas de expressão, então, ao longo desse percurso, encontrou-se também no desenho, na pintura e na escultura, ampliando seu campo de atuação e consolidando sua identidade artística.

Germana Monte-Mór em seu ateliê

E o reconhecimento desse trabalho foram os diversos prêmios que Germana vem recebendo ao longo de sua carreira, como o Prêmio Aquisição no 1º Prêmio Canson, logo em 1989, o Prêmio da Bienal Nacional de Santos, e a Bolsa Vitae de Artes, por exemplo. 

E claro, além de premiações, muitos fãs e admiradores no Brasil quanto no exterior, que contemplam a inovação, dedicação que Germana traz para a arte. 

Além disso, não podemos deixar de mencionar que outro fator que proporcionou esse alcance foram as inúmeras exposições que a artista realizou no Brasil e no mundo. E que sorte a nossa que ela ainda segue realizando, criando, trazendo novidades para admirarmos, não é?!

Então, vamos falar mais sobre os detalhes do que vemos nessas obras?! 

A Linguagem da arte de Germana Monte-Mór

O trabalho de Germana Monte-Mór é inconfundível. 

No início de sua carreira o que destacou foi a sua exploração de materiais não convencionais, como asfalto, argila, terra, papel manteiga, de arroz e de seda que utiliza sobre papel ou tecido, como o linho. 

Esses elementos atribuem às suas obras uma textura rica e uma sensação de substância, formando composições orgânicas que, segundo a própria artista, exploram visualmente a "brincadeira da profundidade".

Germana Monte-Mór - Litografia 

Até que Germana passou a explorar novas paletas e técnicas. 

Uma nova expressão foi intensificar o uso de tonalidades mais escuras em suas obras, fazendo com que as formas se estendessem além de suas bordas, o que transmite uma impressão visual de continuidade, quebra de limites.

Germana Monte-Mór - Litografia 2

Com o tempo, a produção de Germana se transformou, e ela passou a trabalhar com óleo damar sobre papel, explorando nuances de transparência e opacidade. 

A artista começou a introduzir pigmentos mais sutis e, dessa forma, suas obras passaram a ter uma leveza maior, contrastando com a densidade de suas criações anteriores.

Com tantos experimentos e inovações ao longo de sua trajetória, o foco atual da artista está na pintura, onde ela traz elementos de seu trabalho anterior em asfalto, por exemplo, explorando as cores, formas e criando profundidades. 

Uma característica marcante de sua produção recente é o uso de duas telas, sendo que Uma delas apresenta formas coloridas em nuances variadas ou até da mesma cor, criando um efeito de gradiente. A outra tela, por sua vez, traz uma cor chapada que é vazada nas áreas onde as formas da primeira tela aparecem, criando uma composição visual única e dinâmica.

E por falar sobre sua criatividade em explorar além do óbvio, no próximo capítulo vamos falar sobre mais uma de suas abordagens artísticas inovadoras.

A arte de Germana em espaços expositivos

Germana Monte-Mór também se destaca pela interação de suas obras com o espaço expositivo. Um exemplo marcante dessa habilidade foi sua exposição na Capela do Morumbi, em São Paulo, no ano 2000. O espaço da capela, com suas paredes que alternam entre argamassa, cal e taipa de pilão original, dialogou diretamente com as obras da artista, criando uma relação de apropriação mútua. 

A presença de suas peças no espaço reforçou o caráter concreto e material das mesmas, sugerindo um vínculo profundo com o ambiente em que estavam inseridas.

Germana Monte-Mór - Litografia 3

Muitas das instalações de Germana possuem essa característica curiosa de interagir com as particularidades arquitetônicas do local, transformando o ambiente em uma verdadeira extensão de sua produção artística. O que enriquece a experiência de admirar a exposição, tornando-a ainda mais envolvente e instigante para o espectador.

A arte moderna de Germana Monte-Mór é uma inspiração

Em uma fusão de talento, criatividade e experimentação, Germana demonstra sua habilidade em transformar a arte. 

Cada uma de suas obras reflete não apenas sua visão única, mas também sua profunda conexão com o universo artístico. 

Por isso, ela é uma artista que oferece valiosas contribuições ao campo da arte, sendo aplaudida por novas gerações, críticos e colecionadores.

Conhecendo toda a sua história podemos comprovar que Germana Monte-Mór é, sem dúvida, uma das artistas mais importantes e instigantes da arte contemporânea brasileira. 

Se você ainda não conhece o trabalho de Germana, vale a pena explorar suas obras e se deixar tocar por sua profunda capacidade de transformar ideias em experiências sensoriais e visuais.

Para conhecer algumas de suas gravuras, confira o nosso acervio digital, onde estão disponíveis diversas obras dessa talentosa artista. 

E se gostou desse conteúdo, aproveite para explorar mais o nosso blog, por lá há muitos artigos sobre arte, curiosidades e biografias de outros artistas.

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León Ferrari

O artista plástico León Ferrari, é uma das figuras do cenário da arte mais importantes da Argentina e do mundo. O argentino marcou sua trajetória principalmente pelo seu legado na obra experimental com uma levada política única.

As técnicas que usou para suas produções são inúmeras, a pintura, a escultura, a gravura e a arte multimídia talvez sejam os pontos principais de sua obra, que não abrem mão de um senso crítico incrustado. Neste artigo do Blog da Galeria Livia Doblas iremos passar por inúmeros fatos de sua carreira, desde suas técnicas, até principais obras e influências de sua obra na arte contemporânea.

León Ferrari - Serigrafia 1

Os primeiros passos de León Ferrari na Arte

Argentino de Buenos Aires, León Ferrari nasceu em 1920 e teve um início tardio no mundo das artes, o que não é algo comum entre os artistas de maior sucesso. Algo que também é incomum é a sua formação acadêmica, o artista se formou como engenheiro químico, e apenas começou a produzir suas primeiras peças em cerâmica durante uma estadia na Itália nos anos 1950. Já sua primeira exposição individual ocorreu em 1955, na Galeria Cairola, em Milão. Ao retornar para a Argentina, ele mergulhou na experimentação com diferentes materiais e formatos.

Na década seguinte, o artista argentino passou a se destacar ao criar esculturas inovadoras, com arames e de aço inoxidável, além disso, também produziu desenhos caligráficos e colagens que uniam a arte em texto e em imagem também de maneira inovadora. Esse período também foi crucial para algo que seria uma de suas marcas da carreira, o gosto por temas políticos, que refletiria fortemente em sua obra a partir dessa época.

A Exploração da Gravura e das Escrituras

Mesmo sendo um artista multifacetado, León Ferrari também explorou, e muito, a técnica da gravura. Os temas mais trabalhados por ele na técnica, sem nenhuma dúvida, foi a utilização da palavra e das letras como forma de arte, trazendo como uma conversa, a relação entre o escrito e a imagem. A série "Escrituras" é um exemplo marcante dessa interseção.

León Ferrari - Serigrafia 2

A arte política de León Ferrari

Foi em meados da década de 1960, quando León Ferrari se aproximou do Instituto di Tella, um centro cultural progressista de Buenos Aires, que sua aproximação da política ocorreu, a partir daí, participou de movimentos políticos como "Tucumán Arde" de 1968, que foi um protesto artístico contra a ditadura militar argentina e foi aproximando suas obras de temáticas subsequentes. Além disso, sua produção passou a abordar críticas fortes e rudes à Igreja Católica, ao imperialismo dos Estados Unidos e à violência dos regimes ditatoriais.

Uma de suas obras mais reconhecidas mundialmente é "La civilización occidental y cristiana" que ilustra de forma única a evolução de sua temática para a crítica. A  escultura de Ferrari é nada mais nada menos que uma representação de Cristo crucificado sobre um avião norte americano que leva mísseis para um bombardeiro. A obra em si, portanto, acaba por denunciar o uso da religião como justificativa para a violência e para a guerra.

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León Ferrari - La civilización occidental y cristiana

Apesar disso trazer uma relevância absurda para sua carreira, nem tudo são flores, a repressão política aos críticos na Argentina durante os anos 1970 acabou por forçar Ferrari a se exilar no Brasil, fixando moradia em São Paulo, daí surge a sua relevância para a arte brasileira, por aqui, ele permaneceu até 1984. Esse período foi crucial para que seu trabalho experimental trouxesse ainda mais recursos ao seu repertório.

León Ferrari e a estadia no Brasil

Durante seu exílio no Brasil, León Ferrari criou laços no local que o acolheu, a inquieta e imparável cidade de São Paulo, ela foi a responsável por sua conexão a artistas, intelectuais e a locais extremamente importantes no cenário da arte e que buscavam e que também demonstravam interesse pelo novo, assim como pela inserção de novos tipos de arte aos seus repertórios e pela crítica política e social, algo que já era uma das partes mais importantes de sua vida como um todo. Então, o único e principal motivo que o trouxe até aqui não seria deixado de lado durante sua estadia. 

Como dissemos, por aqui, León se manteve na ativa quanto aos trabalhos críticos, na verdade, aumentou sua produção quando foi atrás de uma forma que ampliasse e escalasse seu trabalho dentro da temática: produzir em massa e para o povo. Para isso, León ampliou seus conhecimentos dentro da arte postal, que seria um meio acessível e que lhe permitia difundir suas críticas políticas e culturais de forma massiva e amplamente direta para o povo. 

Podemos destacar também como um fator importante durante o seu período no Brasil, a criação de contatos dentro do meio artístico brasileiro, isso permitiu que colaborações mútuas saíssem do papel que ele trouxesse ainda mais a política para perto de sua temática principal. Além do lado crítico, durante o período no Brasil, como artista multifacetado que era, León também inseriu técnicas ao seu conhecimento e produziu arte como instalações interativas.

Anos após sua chegada, a partir da década de 1980, León Ferrari participou de exposições importantes no Brasil, como uma das mais faladas no meio da arte da época e dos dias de hoje, a Bienal de São Paulo. Tais participações tiveram extrema importância e consolidaram seu nome no cenário artístico brasileiro. 

Por fim, podemos considerar que por esses e outros motivos, damos um reconhecimento importante para o seu legado no país. Por isso, é um fato que muitas de suas obras podem ser encontradas em acervos, galerias e museus ao redor do país.

O legado e o reconhecimento de León Ferrari

Foi nos últimos anos da vida de  León Ferrari que houve um amplo reconhecimento internacional pela sua obra, por seu trabalho e pelo legado como um todo deixado por ele. Em 2007 veio um dos momentos mais importantes de sua carreira, quando foi premiado com o Leão de Ouro na Bienal de Veneza, esse prêmio permitiu que ele percebesse sua importância no cenário artístico global da arte.

Hoje, mesmo após 12 anos de seu falecimento, podemos ver que seu trabalho continua a ser exibido, e o mais importante, estudado em diversas instituições de renome. 

O Museu de Arte Moderna de Nova York, o MoMA, o Museu Nacional de Belas Artes da Argentina e o Instituto Moreira Salles no Brasil são locais onde podemos analisar e apreciar as belas obras do artista. Além disso, sua família e fundações ligadas ao seu nome também trabalham ativamente para preservar e divulgar sua obra e seu acervo.

Críticos também consideram que sua obra continua a provocar reflexões sobre a política, a religião, a violência e a liberdade de expressão, mesmo vivendo décadas após a produção de algumas delas.

Leon Ferrari - Exposição em Buenos Aires

Podemos considerar que León Ferrari foi, antes de qualquer qualidade, um artista completo e comprometido com o que viveu em seu tempo, que fez da arte um instrumento de luta e resistência. Seu nome segue vivo, desafiando convenções e expandindo os horizontes da expressão artística.

Além dos museus, sua obra está presente nas mais importantes galerias do mundo, então, se gostou de saber um pouco mais sobre um dos artistas mais importantes da Argentina e que fez história no Brasil, clique aqui e confira o acervo de León Ferrari na Galeria Livia Doblas.

Se quiser saber mais sobre outros importantes artistas, também acompanhe o nosso blog.

Marcos Coelho Benjamim

Se tem um mineiro multifacetado é Marcos Coelho Benjamim, que expressa seus dons artísticos na escultura, a pintura, o cartum, o design gráfico, a ilustração e a cenografia. 

E tudo isso de maneira singular, servindo de exemplo ao incorporar formas orgânicas e materiais reaproveitados, o que lhe confere um estilo único e amplamente reconhecido na arte contemporânea brasileira.

Ou seja, estamos falando de um artista de expressão marcante e inovadora, e neste artigo vamos explorar sua vida e obra em detalhes.

A consolidação de Marcos Coelho Benjamim como artista

Benjamim iniciou sua trajetória artística de forma autodidata, desenhando quadrinhos. Em 1971, suas charges e ilustrações passaram a integrar publicações da imprensa mineira, tornando seu nome cada vez mais conhecido e seu trabalho reconhecido.

E foi assim que ele conheceu grandes nomes do meio artístico, como Manfredo de Souzanetto, Lotus Lobo e Noviello. 

E em 1973 ele fez uma participação muito importante na 12ª Bienal Internacional de São Paulo e, no ano seguinte, foi premiado no 2º Salão Global de Inverno de Belo Horizonte, com uma viagem ao México.

Mas esse reconhecimento não ficou apenas no Brasil, pois em 1977, Benjamim recebeu o grande prêmio da International Cartoon Exhibition, realizada em Atenas, na Grécia. 

Entre tantas experiências, novos contatos e aprendizados, sua carreira foi se transformando, incorporando novas experimentações e estilos, sempre em evolução.

Marcos Coelho Benjamim - Serigrafia “Flores”

Então, vamos entender como foram essas transições na arte de Benjamim?

A Arte de Marcos Coelho Benjamim

A produção artística de Marcos Coelho Benjamim é marcada pelo diálogo entre a materialidade e a memória. 

Seus trabalhos, tanto quanto gravuras e esculturas, por exemplo, exploram a textura, o desgaste e o reaproveitamento de materiais cotidianos, como madeira, metal oxidado e pedras, transformando-os em obras que carregam um forte significado e exemplo.

Marcos Coelho Benjamim  - Escultura de Ferro e pedra

Ao unir elementos geométricos e orgânicos, suas criações vão além da estética, convidando à reflexão sobre a importância da ressignificação de objetos descartados.

A partir de 1976, Benjamim aprofunda sua expressão artística com aquarelas que retratam figuras fantásticas, revelando uma proximidade com a obra de Marcello Grassmann. 

Nessa fase, seu trabalho se caracteriza pelo uso de ritmos repetitivos, gestos gráficos marcantes e uma forte influência geométrica.

Marcos Coelho Benjamim - Serigrafia 1

Em 1979, participou de uma caravana de artistas para o Vale do Jequitinhonha, promovida por Paulo Laender. Essa experiência o coloca em contato direto com artesãos locais e impulsiona sua dedicação à criação de objetos tridimensionais e instalações e assim inicia uma nova fase em sua carreira.

E Benjamim passa a testar diferentes materiais descartados em suas criações, como latas de óleo antigas, madeira de construções demolidas e metais oxidados. 

Sua arte, que começou em um formato mais intimista, foi ganhando novas proporções, conquistando espaços maiores e sendo exposta em diversos ambientes. 

A arte da reaproveitação ganhou expansão

Como mencionamos, Benjamim começou a expandir seu portfólio, iniciando sua atuação na cenografia e criando cenários para peças teatrais. 

Outro marco foi o convite para expor na 20ª Bienal Internacional de São Paulo, onde passou a criar estruturas de grande escala, utilizando chapas finas de zinco moldadas em formas geométricas fixadas sobre madeira.

Marcos Coelho Benjamim  - Escultura de madeira, pigmentos e objetos de metal

E por falar em novidades, outros destaques em sua produção foram as peças em mosaico feitas com pedras retiradas de São Thomé das Letras. Algumas dessas obras são tingidas com pigmentos naturais, como o pó de xadrez azul ultramarino, conferindo ainda mais textura e profundidade às composições, ou seja, mais uma inovação singular mas clássica de Benjamim.

E assim com a alma de um verdadeiro artista, ele nos apresenta um trabalho rico, relevante e extraordinário, transformando o comum em algo fascinante aos nossos olhos.

Sua capacidade de transformar materiais descartados em arte reflete não apenas sua criatividade, mas também seu respeito à tradição artesanal.

Seu trabalho é um convite para enxergar beleza e história nos objetos mais simples, reforçando a ideia de que a arte é capaz de ressignificar elementos do cotidiano e conectá-los à experiência humana de forma profunda e autêntica.

Marcos Coelho Benjamim - Flores 2

Como mencionamos, como um artista multifacetado, entre essas obras marcantes, Marcos Coelho Benjamim também tem em seu portfólio gravuras incríveis, que demonstram sua versatilidade e talento, e sabia que temos algumas maravilhosas no nosso acervo digital? Clique aqui para conferir.

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Artista produzindo uma xilogravura

A relação da madeira com a arte não vem dos dias de hoje, pelo contrário, a gravura em madeira, ou xilogravura, é uma das técnicas mais antigas e mais utilizadas pelos artistas que se destacam com ótimas gravuras. Hoje, neste artigo do Blog da Galeria Livia Doblas, traremos grandes nomes que se destacaram por trazer através da madeira obras únicas, destacando suas carreiras de forma extraordinária no cenário da arte brasileira. Estamos falando de Emanoel Araújo, Gilvan Samico e Odetto Guersoni, cada um deles soube trabalhar as gravuras em madeira de forma bela e com um estilo singular.

A Xilogravura

Como já trouxemos em outro artigo do Blog da Galeria, a xilogravura é uma técnica de impressão através da madeira, através dela, o artista produz imagens que são entalhadas na e posteriormente estampadas em sua tela principal, que pode ser produzida de diversos materiais. 

Se quiser saber tudo sobre a técnica da Xilogravura, clique aqui.

Emanoel Araújo, Gilvan Samico e Odetto Guersoni talvez foram os artistas que mais aperfeiçoaram as suas técnicas de gravura através da madeira. De maneira sensacional e única, criaram obras que têm o poder de trazer aspectos do passado e do presente, cada um da sua maneira e através de suas referências artísticas.

Emanoel Araújo e a Xilogravura

Baiano de Santo Amaro da Purificação, Emanoel Araújo foi um artista que soube trazer diversas técnicas para o seu trabalho artístico, mas é notado que a xilogravura tem um destaque único. Além dela, atuou como escultor, desenhista, ilustrador, figurinista e curador. Ele tem grande destaque nacional pelo fato de sua arte sempre estar conectada ao legado africano da cultura brasileira. Em suas xilogravuras, podemos notar exatamente a mesma relação entre o tema e sua obra.

Emanoel Araújo

A Xilogravura de Emanoel Araújo

Suas gravuras em madeira são marcadas pela forma única de explorar relevos e texturas. A partir da década de 1970, Araújo começou a trazer para o seu repertório um trabalho mais abstrato, nesses trabalhos, é possível notar a apuração das técnicas, onde Emanoel começou a trazer e criar um efeito tridimensional.

O trabalho de Emanoel Araújo se adapta para expressar temas que trazem à tona a realidade brasileira. Seu legado na arte como um todo tem a capacidade de ressaltar a importância da herança africana na formação da cultura nacional.

A arte de Araújo também aborda questões locais e representa figuras femininas, frequentemente associadas à fecundidade.

Se quiser saber tudo sobre a carreira de Emanoel Araújo, clique aqui e veja o artigo completo do artista.

Emanoel Araújo - Bahia - Xilogravura

Emanoel Araújo para a Arte Brasileira

A arte de Emanoel Araújo tem, traz ao espectador um convite à interpretação e ao sentimento. Sua vida e arte estão entrelaçadas e são, por si só, arte, arte brasileira e identidade negra. Assim, é notado que suas obras possuem um forte caráter social e cultural.

Emanoel Araújo - Figura Feminina - Xilogravura

Gilvan Samico e a Xilogravura

O pernambucano Gilvan Samico nasceu no Recife e assim como Emanoel Araújo, encontrou na xilogravura uma forma única de trazer a sua expressão artística. Ele desenvolveu um estilo próprio, caracterizado pela precisão técnica e pelo imaginário nordestino e também pelo retrato de figuras e do místico que podemos ver na bíblia.

Gilvan Samico

As Xilogravuras de Samico

Suas obras possuem uma simetria rigorosa, com elementos gráficos inspirados na literatura de cordel, nos mitos populares e na iconografia do Movimento Armorial, do qual fez parte a convite de Ariano Suassuna.

Os temas das gravuras de Samico frequentemente envolvem figuras míticas, animais fantásticos e cenas simbólicas. O detalhe é algo que podemos notar ser meticulosamente trabalhado por ele, um artista extremamente perfeccionista.

Gilvan Samico - A Fonte - Xilogravura

Se quiser saber ainda mais sobre o legado de Gilvan Samico, clique aqui e veja um artigo onde trouxemos tudo sobre a sua arte e a sua carreira.

Além do que trouxemos neste e no artigo completo sobre seu trabalho, podemos sintetizar suas xilogravuras como algo além do que foi visto até então. A riqueza dos detalhes trazida por ele é algo único, e além disso, seu trabalho pode ser visto como um exemplo da capacidade narrativa, no qual cada obra parece contar uma história atemporal sobre a cultura brasileira.

Odetto Guersoni e a Xilogravura

Odetto Guersoni deu seus primeiros passos na arte quando começou seus estudos no Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo, mas não parou por aí, inquieto expandiu sua formação na França, Suíça, Estados Unidos e Japão. Essa trajetória internacional lhe permitiu explorar diversas técnicas e desenvolver processos inovadores dentro da gravura, uma delas, é claro, a xilogravura.

Odetto Guersoni

A Xilogravura de Odetto Guersoni

Embora tenha trabalhado com diferentes métodos, como metal, litografia e serigrafia, a xilogravura sempre ocupou um papel central em sua obra. Suas gravuras se caracterizam por módulos geométricos que podem ser reorganizados para criar composições variáveis.

Nos anos 1980, Guersoni adotou uma abordagem minimalista, utilizando madeira lisa e evitando a textura natural do material. Ele também inovou ao misturar tintas com massas incolores para criar efeitos de transparência e sobreposição de camadas.

Se quiser saber tudo sobre a carreira de Odetto Guersoni, clique aqui e veja o artigo completo do artista.

Sua pesquisa sobre símbolos arcaicos, ideogramas e pinturas rupestres também adicionou um caráter ancestral e místico a suas composições.

Odetto Guersoni - Emblemática X - Xilogravura

A Madeira como Meio de Expressão

Os três artistas exploraram a xilogravura ou gravura em madeira de maneiras distintas, mas tiveram algo em comum, a maestria na utilização da técnica:

• Emanoel Araújo trouxe a força da cultura afro-brasileira para suas composições geométricas e vibrantes e também através de suas obras figurativas.

• Gilvan Samico traduziu o universo simbólico do Nordeste em narrativas meticulosamente entalhadas.

• Odetto Guersoni inovou tecnicamente, misturando gravura com outros elementos e pesquisando novas formas de expressão visual.

Como trouxemos nesse e em outros artigos da Galeria Livia Doblas, no Brasil, a xilogravura tem uma importância cultural e histórica imensa. Ela foi amplamente utilizada por alguns artistas modernos e contemporâneos que já implementaram técnicas da gravura em seu repertório. Assim foi sendo observada como uma maneira de registrar e preservar a identidade popular brasileira.

Podemos considerar Emanoel Araújo, Gilvan Samico e Odetto Guersoni como verdadeiros mestres da xilogravura no Brasil. Mesmo com o fato de que seus trabalhos transcendem a técnica e serem parte da história da arte, da cultura, da história e da inovação que a arte brasileira trouxe para o cenário mundial, cada um, como dissemos, através de suas referências e história na arte, explorou a madeira e a xilogravura para criar composições únicas, que ainda hoje têm a capacidade de impactar e inspirar novas gerações de artistas.

Além disso, críticos de arte têm a certeza de que suas contribuições não apenas enriqueceram a arte brasileira, mas também enriqueceram a maneira pela qual outros artistas puderam olhar para  a técnica da xilogravura como algo sofisticado e belo.

Se gostou desse artigo da Galeria Livia Doblas, veja abaixo todo o acervo de obras dos artistas citados:

Acervo de Emanoel Araújo na Galeria Livia Doblas.

Acervo de Odetto Guersoni na Galeria Livia Doblas.

Acervo de Givan Samico na Galeria Livia Doblas.

Além disso, acompanhe sempre o nosso blog para ficar por dentro de tudo no meio da arte, e siga-nos em nossas redes sociais para não perder nenhuma novidade que a Galeria irá trazer para você.

José de Souza Oliveira Filho (Macaparana)

Macaparana tem sua trajetória marcada pela busca incessante por novas formas de expressão na arte. 

É uma carreira marcada por dedicação e sensibilidade, que passou por diversas transformações e experimentações até encontrar sua expressão na arte repleta de formas geométricas.

E se você deseja conhecer mais sobre esse artista e suas obras, continue lendo este artigo da Galeria Livia Doblas.

A vida e carreira de Macaparana

José de Souza Oliveira Filho, natural de Macaparana, município de Pernambuco, orgulhosamente levou o nome de sua cidade para sua identidade artística.

Hoje, é um dos mais renomados artistas brasileiros, atuando como pintor, desenhista e escultor. Seu talento e dedicação à arte, desenvolvidos de forma autodidata, consolidaram sua trajetória no cenário artístico.

Ele iniciou sua carreira artística precocemente e, aos 18 anos, já realizava sua primeira mostra individual em Recife, em 1970, na Galeria da Empresa de Turismo de Pernambuco (Empetur).

Macaparana em seu ateliê

A partir daí, seguiram-se inúmeras exposições, tanto individuais quanto coletivas, em locais como São Paulo, Rio de Janeiro, Recife, Brasília, México, Japão, Nova York e Londres.

Seu trabalho abrangeu uma variedade de temas, desde ex-votos até figurativismo e esculturas, refletindo suas transformações e evolução no estilo artístico. E é sobre essas mudanças que vamos detalhar no próximo capítulo.

Características da Arte de Macaparana

Quem conhece a arte clássica de Macaparana hoje talvez não imagine que ele começou sua trajetória na arte figurativa, com pinturas que retratavam a aridez de sua região natal, o sertão pernambucano. 

Além disso, durante a primeira década de sua carreira, suas exposições abordavam o tema do ex-voto.

Macaparana - Rusado

Esse termo se refere a pinturas, estatuetas e objetos diversos oferecidos às divindades como forma de agradecimento por um pedido atendido. Trata-se de uma manifestação artístico-religiosa que está diretamente ligada à arte religiosa e à arte popular, despertando o interesse de historiadores, arqueólogos e antropólogos.

No entanto, em 1983, o contato com Willys de Castro, um dos expoentes do neoconcretismo, influenciou uma grande mudança no seu trabalho. 

E aí gradualmente, o tema do ex-voto foi sendo abandonado, mas Macaparana continuou a explorar as texturas da madeira, em um processo crescente de geometrização. Essa transição se refletiu também nas suas gravuras, sobre as quais vamos aprofundar no próximo capítulo.

As gravuras de Macaparana: técnicas e estilo

A partir das novas experimentações mencionadas anteriormente, na sua nova fase artística, Macaparana passa a explorar a construção de volumes utilizando sobras de tapumes, restos de construção e móveis deteriorados.

 Inovador, ele reúne esses fragmentos e lascas de madeira, criando diversas organizações, mas mantendo as cores e texturas originais. O que sobra de velhas camadas de tinta, as irregularidades e os estragos, são preservados, como se ele buscasse capturar uma dimensão temporal desses resíduos, criando uma verdadeira arqueologia urbana.

Essa brincadeira com formas começa a predominar em suas gravuras, nas quais ele aplica segmentos de retas e formas elementares, como o triângulo, o retângulo e o quadrado. Focando cada vez mais na geometria, Macaparana expande seu repertório de materiais, incorporando poliestireno, acrílico e aço, além de explorar técnicas como a serigrafia.

Macaparana - Serigrafia 8

O legado de Macaparana

A jornada de Macaparana na arte abstrata revelou uma profunda conexão com a geometria, um campo onde ele se encontrou e se permitiu explorar infinitas possibilidades. 

Com uma visão inovadora, Macaparana transcendeu as fronteiras do convencional, desafiando o entendimento tradicional da arte e mostrando que sempre há espaço para surpreender e impactar.

 Macaparana - Serigrafia 6

Assim, com sua habilidade única de representar e criar nos presenteia com as gravuras mais extraordinárias.

E temos certeza de que essa obra conquista muitos fãs e inspira outros artistas, assim como Macaparana foi inspirado.

Macaparana - Serigrafia 2

E você, também é um fã dessa arte? Conta pra gente! Em nosso acervo digital, você encontra diversas gravuras de Macaparana. Clique aqui e confira!

Se você gostou de conhecer a história de Macaparana, sabia que no nosso blog tem muitas outras histórias incríveis sobre artistas e arte? Clique aqui e conheça muito mais.

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Manfredo de Souzanetto

Manfredo de Souzanetto é um dos grandes nomes da arte contemporânea brasileira. Neste artigo da Galeria Livia Doblas falaremos sobre sua obra que se destaca de uma forma única, onde a geometria é influenciada diretamente pela paisagem, causando uma sensação de  diálogo entre os dois elementos. Além de sua obra, neste artigo, exploraremos a sua carreira como um todo, desde os primeiros passos na arte, até suas principais obras e a relevância de seu trabalho no cenário artístico brasileiro.

Primeiros passos de Manfredo de Souzanetto

Mineiro de Jacinto, Manfredo de Souzanetto nasceu em 1947 e começou sua trajetória artística em seu estado em um momento único da cultura artística do Brasil. Em 1967, aos 20 anos de idade, Souzanetto ingressou na Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais, a UFMG, por lá, teve a oportunidade de desenvolver seu olhar crítico para a arte. Anos mais tarde, foi na École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, em Paris, que pôde aprimorar a maneira de olhar para o geométrico, algo que seria crucial para o decorrer de sua carreira.

Além disso, foi em Paris que Manfredo de Souzanetto aflorou o seu “lado artista”, isso se deve ao fato de que a Europa vivia um momento de grande nascimento e fortalecimento cultural, com o surgimento de vários movimentos, alimentados por diferentes olhares artísticos. Tudo isso, além da geometria que traria à sua obra, ampliou seu conhecimento sobre a obra abstrata, e principalmente o seu lado técnico.

Olhe bem as Montanhas I, 1974 - Manfredo de Souzanetto

Características da obra de Manfredo de Souzanetto

Neste tópico, traremos um pouco mais da característica da obra de Manfredo de Souzanetto, porém, podemos identificar que ele é um artista influenciado por diversos movimentos e que inclui diferentes técnicas em suas obras, até mesmo em uma mesma obra. 

Em alguns trabalhos, pode-se identificar uma Influência clara do neoconcretismo, com sua própria identidade ao incorporar elementos e referências de paisagens para a sua abstração geométrica.

Nos anos 90, é possível identificar que seu trabalho começa a criar uma relação direta entre a pintura e a escultura, em algumas telas, vemos obras com as quais podemos identificar claramente as duas técnicas. Materiais como madeira, terra e pigmentos naturais, acabam por trazer a sua conexão ímpar com a paisagem que é a referência principal de seu trabalho, mesmo que sem uma referência tão clara, especialmente se sua terra, o sertão mineiro. Junto a isso, as cores mais pastéis unida ao relevo, podem transmitir uma experência única ao espectador.

Manfredo de Souzanetto - Serigrafia 2

Obra relevante de Souzanetto

Dentre suas obras mais reconhecidas, podemos destacar a série "Forquilhas". Obra pela qual ele demonstra a sua relação com o neoconcreto e com o natural, usando tintas naturais. 

Forquilha - Manfredo Souzanetto

As Gravuras de Manfredo de Souzanetto

Além da pintura e escultura, Manfredo de Souzanetto também foi capaz de ganhar um destaque notório em sua produção de gravuras. As gravuras de Manfredo de Souzanetto, assim como outros de seus trabalhos e as outras técnicas que trouxe em seu repertório, explora texturas, relevos e contrastes, e mantém sua caracterização geométrica. As gravuras que Souzanetto produziu e produz trazem composições com uma paleta de cores reduzida mas contrastante.  As técnicas mais utilizadas por ele são a litografia e a serigrafia.

Manfredo de Souzanetto - Serigrafia 1

Reconhecimento nacional de Souzanetto

Com o decorrer de sua carreira, Manfredo, cada vez mais, foi se tornando um artista relevante tanto no Brasil quanto fora. Isso também pode ser observado pelo fato de suas obras fazerem parte do acervo de importantes museus, como o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, o MAM, do Museu de Arte de São Paulo, o MASP e do Centre Georges Pompidou da França, em Paris. Sua carreira que ainda está em construção e trabalho são  reconhecidos pela unicidade e pela maneira como produz a arte geométrica.

História em Quadrinhos - Manfredo de Souzanetto

Legado e Influência de Manfredo de Souzanetto

Todos os fatos da carreira e da obra de Manfredo de Souzanetto continuam a influenciar novos artistas e aqueles que estão na ativa. Isso é notado principalmente com aqueles que têm interesse na relação do geométrico com o abstrato. Seu trabalho segue sendo exposto, o que mostra o seu papel como um dos grandes nomes da arte contemporânea brasileira.

Podemos considerar o trabalho e a arte de Manfredo de Souzanetto como um convite à ao entendimento da forma e do abstrato como manifestação artística. Críticos consideram que seu legado vai além da estética, e conversa com o cultural brasileiro. Seu trabalho tem a capacidade de tornar a geometria e a sensibilidade abstrata em um “traço” único, trazendo o aspecto sensorial para quem admira seu trabalho, se relacionando com a cultura mineira e brasileira.

Souzanetto continua produzindo seu trabalho único e característico e seu nome se mantém como um dos grandes artistas contemporâneos brasileiros. Tudo isso reflete a importância de sua obra e de sua carreira para o cenário artístico brasileiro e internacional. Além disso, através de seu trabalho e de seu legado, continua a inspirar novas gerações de artistas dentro e fora do país, sendo um dos mais inovadores e originais criadores da arte geométrica contemporânea do Brasil.

Se gostou de saber um pouco mais da obra e da carreira de Manfredo de Souzanetto, confira todo seu trabalho disponível no acervo da Galeria Livia Doblas, clicando aqui.

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Roberto Magalhães

Roberto Magalhães é um nome de força no cenário da arte contemporânea brasileira, principalmente na arte figurativa. E se hoje temos a honra de admirar sua arte, pode-se dizer que isso se deve a um presente que ele recebeu de seu pai aos 10 anos, o qual foi um incentivo para demonstrar seu talento artístico.

 Ele não apenas revelou seu talento, como também o desenvolveu, tornando-se um dos artistas mais influentes da arte brasileira, com suas cores e traços que resultaram em obras únicas.

Se você quer saber qual foi esse presente e mais sobre a carreira de Roberto Magalhães, continue lendo este artigo da Galeria Livia Doblas.

A carreira de Roberto Magalhães

Roberto Magalhães nasceu em 1952, em Salvador, na Bahia, e desde cedo se envolveu com a arte. Isso porque, aos 10 anos de idade, recebeu de presente do pai uma tela e tintas, e ele começou a pintar a paisagens que lhe encantavam

Até que a brincadeira, bem elaborada e produzida, levou Roberto Magalhães a ser convidado pelo tio para atuar como ilustrador em sua gráfica, onde passou a desenhar rótulos e anúncios, e por lá foi promovido, dedicando-se à criação de capas de livros e discos, além de ilustrações publicitárias.

Apesar de ter se desenvolvido em diversas experimentações no campo publicitário, sentiu a necessidade de explorar novos caminhos na arte. 

Assim, em 1962, buscou contato com a direção da Escola Nacional de Belas Artes (ENBA) para expor seus desenhos a nanquim na Galeria Macunaíma, vinculada à instituição e seus trabalhos chamaram atenção pelo traço singular.

E foi nessa escola que passou a frequentar cursos livres, onde teve seu primeiro contato com a xilogravura. Apaixonando-se pela técnica, dedicou-se a praticá-la e investir ainda mais em sua arte.

E então, começou a participar de diversas exposições coletivas no Brasil e no exterior, até que, em 1964, um momento marcante ocorreu: realizou sua primeira exposição individual de xilogravuras na Petite Galerie, no Rio de Janeiro.

Carreira de Roberto Magalhães

A partir daí, podemos dizer que ele começou a colher os frutos de sua busca e dedicação. No ano seguinte, recebeu o prêmio de gravura da 4ª Bienal de Paris. Em 1967, seguiu para a capital francesa após vencer o prêmio de viagem ao exterior no 15º Salão Nacional de Arte Moderna (SNAM), em 1966, com a xilogravura Édipo Decifra o Enigma da Esfinge.

Mas ele queria novos caminhos, o que o levou ao estudo do ocultismo, da teosofia e a um aprofundamento no budismo. A partir de 1969, decidiu residir por quatro anos no Centro de Meditação da Sociedade Budista do Brasil, interrompendo temporariamente sua atividade artística.

Essa pausa, no entanto, durou seis anos, e seu retorno foi marcado por inovação: sua arte ganhou uma ampla gama de símbolos e alegorias em aquarela e pintura a óleo. 

E mais novidades vieram ainda na década de 1970 ao começar a dar aulas no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ). 

Entre mudanças de fases, caminhos, Roberto Magalhães construiu um percurso singular, sem se vincular a grupos ou movimentos específicos, transitando entre pintura, desenho e gravura com uma arte de grande significado. 

E então você sabe quais eram suas principais características? No próximo capítulo, vamos contar tudo!

Características da Arte de Roberto Magalhães

A arte de Roberto Magalhães é abundante em cores, traços, expressões e significados. Ele combina uma técnica refinada com uma forte carga simbólica, explorando formas geométricas, tonalidades vibrantes e contrastantes, além do uso constante de texturas, que conferem à sua obra uma identidade singular.

Seus trabalhos são criados com lápis de cor, bico de pena, aquarela e pintura a óleo. 

Roberto Magalhães - Serigrafia “Perfil I”

Já sobre as técnicas, além de dominar a serigrafia, litografia e xilogravura, você sabia que ele desenvolveu um método próprio de gravação em madeira? Peroba e canela foram os materiais utilizados que permitiram traços extremamente finos, mas não para por aí. Seus desenhos eram esculpidos com uma lâmina de gilete, então, com tanta inovação, imagine quanto suas práticas foram consideradas inusitadas para a sua época?!

Dessa forma, explorando distintas técnicas, Magalhães trata de temas atuais por meio de mitos e alegorias. Sua obra investiga a distorção da figura, a humanização da natureza e transformações inesperadas – montanhas que se convertem em pássaros, criaturas fantásticas, narizes que fazem acrobacias, máquinas e edificações personificadas, casas que se mesclam a veículos, entre outras representações fascinantes.

Roberto Magalhães - Serigrafia “Mão”

E com isso há muitas narrativas que expressam desde o humor,  até um pouco ácido, memórias da infância e um universo onírico a cenas inusitadas, extraídas da observação minuciosa do cotidiano e da paisagem urbana.

Ou seja, um sinônimo de originalidade, típica de um grande artista, que surge para fazer a diferença em seu meio, na arte e para inspirar. E isso, sem dúvida, é o que Roberto Magalhães realizou.

A influência da arte de Roberto Magalhães

Roberto Magalhães é um exemplo de como a arte figurativa pode representar o real de formas distintas, criativas e até com novas expressões e narrativas.

 Brincando com elementos, formas, cores e texturas, ele reflete seu universo íntimo. Por isso, sua obra é moderna, versátil e inspiradora para colecionadores, espectadores e outros artistas. 

Roberto Magalhães - Serigrafia “Máscara”

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Antonio Poteiro, suas cerâmicas a obras vibrantes

Antonio Poteiro ousou em sua arte, que muitos dizem não se prender a estilos, mas sim à experimentação. 

Com pinturas, gravuras e cerâmicas, expressava uma combinação única de estilo, contexto social e sensibilidade estética.

E se estamos falando de um artista autêntico, já imaginamos que há muitas histórias interessantes sobre ele, não é?! Então, neste artigo, vamos explorar sua jornada e sua arte.

A Carreira de Antonio Poteiro

Antônio Batista de Souza nasceu em 1925, em Portugal, e em 1926 mudou-se com sua família para o Brasil, estabelecendo-se no Triângulo Mineiro. 

Vindo de uma linhagem de artesãos, perdeu a mãe aos 8 anos, saiu da casa do pai aos 16 e morou em diversas cidades até fixar residência em Goiânia (GO). 

Antes de se dedicar à arte, exerceu diferentes ofícios, como cisterneiro, padeiro, cozinheiro e faxineiro, até que o barro cruzou seu caminho e revelou sua verdadeira vocação.

Foi nesse momento que seu talento começou a emergir naturalmente, e assim surgiu o apelido “Antônio Poteiro”. 

Autodidata, aprimorou suas habilidades na produção de cerâmica utilitária, aprendendo sobre materiais e técnicas que, mais tarde, incorporaria em suas esculturas.

Antonio Poteiro

Quando conheceu a pesquisadora Regina Lacerda, recebeu um incentivo para assinar suas obras, e ela adquiriu algumas para coleções de museus. 

E aí, foi quando tudo começou e seu trabalho ganhou visibilidade.

Na década de 1970, seu percurso artístico tomou um novo rumo ao conhecer Siron Franco e Cleber Gouvêa, que o encorajaram a explorar a pintura. A partir daí, seu talento ultrapassou fronteiras, conquistando reconhecimento em diversas regiões do Brasil. 

Sua arte passou por transformações, ganhou identidade própria e se consolidou como uma expressão única, e é sobre essa jornada que falaremos a seguir.

A estética da arte de Antonio Poteiro

Como mencionamos anteriormente, as obras de Antônio Poteiro eram consideradas diferentes dos padrões. 

Portanto, autodidata e dono de uma linguagem artística única, ele passou a ser considerado como um dos principais nomes da arte naïf: um estilo marcado pela criatividade espontânea, originalidade retratando temas como a cultura popular, natureza e identidade de forma singular.

Ou seja, tudo o que há na sua arte: tanto em suas cerâmicas, quanto em pinturas, e até mesmo nas gravuras de Antonio Poteiro o imaginário popular, a religiosidade e o dia a dia das pessoas são elementos centrais,sempre permeados por cores vibrantes e formas distorcidas. 

Antonio Poteiro - Serigrafia “Presépio”

Assim, vemos retratos de festas, passagens bíblicas, cirandas, circos, jogos de futebol e animais representados de maneiras diversas. Outra característica marcante de sua produção é o uso de padrões repetitivos, figuras sobrepostas e a presença de personagens multiplicados em uma mesma composição.

Além disso, a sua arte carrega um forte aspecto narrativo, como se contasse histórias repletas de dramaticidade e riqueza de detalhes. 

Com essa abordagem única, Poteiro criou pinturas e cerâmicas autênticas, excêntricas e marcantes.

Antonio Poteiro - Serigrafia “Ciranda”

E por falar em suas cerâmicas, que tal explorarmos mais sobre elas no próximo capítulo?

As cerâmicas de Antonio Poteiro

Como em muitas de suas obras, a cerâmica de Poteiro também expressa o engajamento com questões sociais e políticas. 

Antonio Poteiro - Cerâmica “A mãe”

As suas peças ilustram temas religiosos, como os santos, por exemplo, também a desigualdade social, a opressão e, claro, personagens do imaginário popular, como figuras mitológicas e folclóricas, que carregam consigo um simbolismo de resistência e força, muitas vezes associada à luta do povo brasileiro contra as adversidades, pois sempre há narrativa em suas obras.

As figuras humanas e animais ganham formas estilizadas e, muitas vezes, deformadas, criando um tipo de personagem que desafia as convenções do realismo, ao mesmo tempo em que comunica uma mensagem sobre a identidade e as influências culturais.

Vendo suas cerâmicas em vasos e esculturas, com muitas texturas e detalhes intrincados nas superfícies das peças cerâmicas, vemos um trabalho artesanal minucioso. E nele admiramos essa estética que dialoga com a tradição, mas ao mesmo tempo é inovadora. 

O objetivo de Poteiro era preservar e transmitir as tradições culturais, e ele atingiu plenamente essa meta. Suas cerâmicas são um reflexo dessa preservação, funcionando como uma memória coletiva que se insere de forma única no contexto da arte contemporânea.

Esculturas de Antonio Poteiro no Instituto Antonio Poteiro, em Aparecida de Goiânia

Ou seja, sua arte é também sobre causar reflexão, provocando o espectador a pensar sobre a história e os valores da sociedade brasileira.

E é assim que temos um verdadeiro artista, cuja honra vai além do talento: ele deu voz ao que precisava ser dito, usando sua arte como um poderoso instrumento de expressão. Com isso, deixou uma trajetória inspiradora e um legado que serve de exemplo para todos.

O Legado de Antonio Poteiro

Antonio Poteiro, com sua estética única, é um nome de imensa relevância. Não apenas por ser um dos principais criadores da arte naïf brasileira, mas também pelo seu impacto enquanto artista, refletido nas belíssimas obras que admiramos. 

Sua arte permanece uma das expressões mais autênticas e poderosas da nossa cultura.

Por isso, o legado de Poteiro é indiscutivelmente duradouro, convidando-nos a refletir sobre o papel da arte em um mundo cada vez mais complexo e interconectado. Suas obras nos conectam com o cotidiano, com a história e com a essência da arte em sua forma mais genuína.

Antonio Poteiro - Serigrafia “Papagaios”

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Aldemir Martins foi um dos artistas mais influentes do Brasil, cujo trabalho sempre se destacou pela sensibilidade e capacidade de traduzir a realidade brasileira de uma forma única e profunda. Sua obra, que abrange pintura, escultura e gravura, é uma homenagem à riqueza cultural e à diversidade do país, refletindo sua beleza natural, seu folclore e as complexas relações sociais que formam o Brasil. A gravura, um dos pilares de sua produção artística, merece destaque por seu papel na criação de uma linguagem visual inovadora, que dialoga diretamente com a história e as tradições brasileiras.

Aldemir Martins nasceu em 1927, no estado do Ceará, e se formou no meio de um contexto cultural e artístico rico, que mesclava influências modernas com a cultura popular brasileira. Sua formação artística passou por várias etapas, desde a Escola de Belas Artes do Rio de Janeiro até um aprofundamento nas técnicas de gravura. Foi em sua fase mais madura que o artista se dedicou intensamente às gravuras, um campo em que ele se destacou tanto no Brasil quanto internacionalmente.

Aldemir Martins - Por do Sol 

O Estilo de Aldemir Martins nas Gravuras

A gravura, para Aldemir Martins, não era apenas uma técnica, mas uma forma de expressão criativa que lhe permitia transmitir seus sentimentos e sua visão de mundo. Ele utilizava a xilogravura e a litografia, criando imagens intensas e vívidas, que misturavam o realismo com elementos da cultura popular. A força das suas gravuras está na maneira como ele captura a energia da vida cotidiana, a natureza exuberante do Brasil e o imaginário folclórico de maneira estilizada, porém visceral.

Uma das características mais marcantes de sua obra gráfica é a maneira como ele usava cores vibrantes e contrastantes, muitas vezes em combinações inusitadas, para conferir uma sensação de movimento e intensidade. Em suas gravuras, figuras como animais, seres mitológicos, caboclos, e elementos da flora brasileira aparecem com grande expressividade, como uma tradução do Brasil profundo, com suas cores e formas simbólicas.

Além disso, Aldemir Martins tinha uma capacidade única de experimentar e reinterpretrar a técnica da gravura. Ele não se limitava às formas tradicionais, mas usava elementos de sua própria invenção para criar composições dinâmicas e inovadoras. Seu estilo combinava formas geométricas e orgânicas, elementos do surrealismo e do expressionismo, o que resultava em uma produção gráfica ousada e com uma marca inconfundível.

Aldemir Martins - Galo Renda 1

Temáticas e Influências nas Gravuras

A obra de Aldemir Martins nas gravuras reflete sua profunda conexão com o Brasil, suas origens nordestinas e as questões sociais e culturais que o país vivencia. Seus trabalhos frequentemente abordam temas como a fauna brasileira, especialmente a figura do gado e dos animais silvestres, a presença de figuras folclóricas, e até mesmo os conflitos urbanos e rurais. É possível perceber em sua obra uma celebração do Brasil como um território marcado pela diversidade, seja no que diz respeito à natureza ou às relações humanas.

Ele também foi influenciado pela estética popular brasileira e pelos trabalhos de outros artistas que procuraram ressaltar a riqueza da cultura nacional. Sua obra foi uma contribuição significativa para o movimento modernista brasileiro, que procurava construir uma identidade própria para a arte do país, fugindo das influências europeias. Em suas gravuras, o artista mostrava uma simbiose entre a arte erudita e as manifestações populares, dando vida a um Brasil diverso e multifacetado.

Aldemir Martins - Time de Futebol

Aldemir Martins e a Gravura como Forma de Conexão Cultural

As gravuras de Aldemir Martins também têm um papel importante na conexão entre a arte brasileira e o público. Sua produção gráfica foi apresentada em diversas exposições e é amplamente reconhecida por colecionadores e críticos. Além disso, as gravuras também têm um papel significativo na preservação e na promoção da arte popular brasileira, trazendo para as galerias um olhar único sobre a vida no Brasil.

Ao longo de sua carreira, Aldemir Martins deixou um legado imenso no campo da gravura, com trabalhos que revelam a sua habilidade em transformar o simples em algo extraordinário. A técnica da xilogravura, que muitas vezes é associada à arte popular, ganha em suas mãos um tratamento sofisticado, onde a técnica se mistura com sua visão poética, dando vida a imagens que são, ao mesmo tempo, reais e imaginárias.

Aldemir Martins - Cangaceiro PB

O Impacto das Gravuras de Aldemir Martins

A arte de Aldemir Martins continua a encantar e a inspirar. Suas gravuras, com sua rica paleta de cores e temas que falam diretamente do Brasil, ainda hoje possuem um poder imenso de comunicação. Elas não apenas documentam o Brasil de sua época, mas também capturam a essência da cultura e da natureza que são, até hoje, elementos centrais da identidade nacional. Sua habilidade em unir técnica e sensibilidade faz com que suas gravuras permaneçam como uma expressão atemporal da arte brasileira.

Se você se interessou pelo trabalho de Aldemir Martins e deseja ver mais das suas gravuras, uma ótima opção é a Galeria Lívia Doblas, que exibe algumas de suas mais marcantes produções. A galeria oferece uma plataforma para apreciar o legado de um dos maiores artistas gráficos do Brasil e entender mais profundamente a importância de sua obra para a arte nacional.

Rodrigo de Castro

O artista Rodrigo de Castro é um interessante personagem da arte contemporânea brasileira, Rodrigo desperta interesse dentro e fora do Brasil por dois principais motivos: ser um nome consolidado na arte brasileira, principalmente por suas abstrações geométricas e também por ser filho de um dos maiores nomes da história da arte no Brasil, Amilcar de Castro. 

Neste artigo do Blog da Galeria Livia Doblas iremos ver um pouco mais sobre a carreira de Rodrigo de Castro, ela pode ser enxergada de maneira única e com técnicas muito bem delimitadas entre as gravuras, as pinturas e as esculturas em aço e madeira. Esses são os elementos principais que tornaram a sua jornada artística relevante e com talento reconhecido, sem depender dos benefícios que seu pai poderia trazer.

Rodrigo de Castro 8 - Serigrafia

Os primeiros passos de Rodrigo de Castro na Arte

Mineiro de Belo Horizonte, Rodrigo de Castro nasceu em 1962 e, por motivos óbvios, teve forte influência artística desde muito pequeno. Filho de Amílcar de Castro, um dos maiores nomes da arte brasileira, Rodrigo de Castro pôde imergir precocemente no universo da arte. Rodrigo de Castro é formado em Engenharia e apesar de não ter seguido a profissão, acabou trazendo para suas obras, um pouco das formas e da relação da composição. Mas, não podemos entender isso de forma simplista, apesar de suas obras contarem com um pouco da matemática, Rodrigo se considera um artista essencialmente sensível. Junto a isso, vemos que seu interesse pelo estudo das cores e formas geométricas é algo que enriqueceu sua carreira.

Podemos entender o início de sua jornada como artista profissional com as aulas de de Sérgio Fingermann, em seu ateliê, onde, em 1977, aprendeu algumas técnicas de gravura. Logo no ano seguinte, continuou a aprimorar seus conhecimentos e foi para os estudos no Studio of Graphics Arts, na Escócia. Três anos mais tarde, é com Carlos Fajardo que parte para os estudos de desenho. A partir daí, Rodrigo de Castro não para de inserir novos conhecimentos e repertórios e, dentre outras experiências, frequenta a Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, em Paris, onde inseriu em seus conhecimentos ainda mais sobre as técnicas de gravura e pintura. É notório que todos esses conhecimentos obtidos, junto ao exemplo de seu pai, tiveram um grande impacto positivo no decorrer de sua carreira artística.

Rodrigo de Castro 6 - Serigrafia

A Consolidação de Rodrigo de Castro na Arte

Entre 1982 e 1985, Rodrigo de Castro foi um dos integrantes do grupo Casa 7, onde jovens artistas se reuniam e acabaram por marcar a cena paulistana nos anos 1980. Nessa fase, o grupo era conhecido por sua pintura gestual característica. Durante esse período, Rodrigo de Castro começou a pintar em formatos maiores, algo que também foi muito abordado por seu pai, e assim como ele, marcou as obras com pinceladas amplas, fortes e com o uso de cores contrastantes.

Em pouco tempo já seria visto como um artista extremamente talentoso e em 1984, já conquistaria o Prêmio Revelação do 2° Salão Paulista de Arte Contemporânea. Apenas um ano mais tarde já participaria da renomada Bienal Internacional de São Paulo e do Salão Nacional de Artes Plásticas, no Rio de Janeiro, neste recebeu o Prêmio Aquisição. Mais um ano depois, realizou sua primeira exposição individual no Subdistrito Comercial de Arte, em São Paulo, a partir daí foi se consolidou como artista, dissociou seu nome e estilo do legado de seu pai e se tornou relevante no cenário.

Rodrigo de Castro - Big - Serigrafia

A Geometria sensível de Rodrigo de Castro

Ao final da década de 1990, Rodrigo de Castro decidiu que partiria para uma fase com mais simplicidade em suas obras, suas formas geométricas se tornaram mais simples, como retângulos e círculos monocromáticos sobre fundos neutros. Essa transição evidenciou uma busca por novas formas de expressão dentro de sua abstração geométrica.

Suas composições que foram se tornando mais simples também trouxeram, mesmo que de forma não tão perceptível, um jogo entre cores e formas, daí o visual começou a interagir junto ao observador, isso porque a disposição das figuras na tela, muitas vezes próximas às margens ou sobrepostas, acabam trazendo uma pegada de instabilidade na tela.

Rodrigo de Castro 4 - Serigrafia

As gravuras e as técnicas de Rodrigo de Castro

Além da pintura, Rodrigo de Castro sempre teve forte ligação com a gravura, assim como seu pai, técnica que foi ponto de partida para sua jornada na arte e que estudou desde os primeiros anos de sua formação. Suas gravuras apresentam um apuro técnico notável, com linhas precisas e um rigor geométrico característico. Trabalhando principalmente com xilogravura e serigrafia, o artista explora contrastes entre cores vibrantes e fundos opacos, criando composições que dialogam com sua produção pictórica.

Podemos notar que suas gravuras acabam se transformando em peças únicas, desde o uso de papéis de diferentes gramaturas até os acabamentos adiciona camadas de complexidade ao trabalho, tornando a gravura uma das partes mais interessantes de sua obra.

Rodrigo de Castro 1 - Serigrafia

Além da Arte de Rodrigo de Castro

Inquieto e interessado pelo diferente, foi além da produção artística, Castro também atuou profissionalmente como designer e produziu capas Revista Veja. Além disso, sua relevância também pode ser notada com prêmios, como o Prêmio Brasília de Artes Plásticas, concedido pelo Museu de Arte de Brasília.

Seu envolvimento com a educação artística também é algo muito interessante de sua carreira, já que podemos ver algo a mais além da produção de telas e obras. Rodrigo de Castro levou cursos sobre arte contemporânea ao Museu de Arte Moderna de São Paulo, o MAM e participou de projetos culturais, como "A Produção Refletida", na Oficina Cultural Oswald de Andrade.

O Legado que Rodrigo de Castro vem deixando

Interessado pelo meio artístico como sempre, Rodrigo de Castro ainda explora novas técnicas e traz novidades dentro de sua principal característica, a abstração geométrica. Por ser contemporâneo, é notório que ele se dá muito bem com o novo, sua obra e seu estilo também trazem aspectos de diferentes movimentos e incorpora elementos contemporâneos que o tornam único dentro do cenário artístico brasileiro.

Sua relação com a cor, é incontestavelmente brilhante e muito característica de seu trabalho, a estruturação espacial e o equilíbrio entre formas fazem de sua produção uma referência para novas gerações de artistas. Ao longo de sua carreira, Rodrigo de Castro provou ser um artista em constante reinvenção, mantendo-se fiel à sua pesquisa estética e contribuindo significativamente para a arte brasileira.

Rodrigo de Castro 2 - Serigrafia

Com um olhar sensível, como considera seu trabalho, e atento para a geometria da cor e uma trajetória marcada por inovações, Rodrigo de Castro se firma como um dos grandes nomes da arte contemporânea brasileira. Sua obra, que transita entre pintura, gravura e escultura, é um convite para uma experiência sensorial e conceitual, onde cada cor e forma ressoa em perfeita harmonia.

Se gostou de saber mais sobre a carreira e a obra de Rodrigo de Castro, confira o acervo disponível do artista na Galeria Livia Doblas.

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Rubens Ianelli

Rubens Ianelli é um dos grandes nomes da arte contemporânea brasileira, seu destaque foi ampliado principalmente por ser um artista multifacetado, ganhando relevância em diferentes partes da arte, através de diferentes técnicas que incorporou em sua carreira. A pintura, a escultura e a gravura estão entre as partes mais relevantes de sua carreira.

Rubens Ianelli é filho do renomado artista plástico Arcangelo Ianelli, mas construiu uma identidade e uma característica própria dentro do meio artístico, Uma de suas principais características é a utilização da abstração geométrica, unido ao uso da cor de forma intensa, com e sem contrastes, e uma maneira única de compor com as forma visualmente.

Neste artigo da Galeria Livia Doblas você verá um pouco mais da trajetória de Rubens Ianelli, seus primeiros passos na arte, suas obras mais famosas e o estilo e técnicas utilizadas em suas gravuras, que são um dos pontos altos de sua carreira. Além disso, iremos passar pelos artistas com os quais desenvolveu seu estilo e que o influenciaram. Também traremos um pouco de sua contribuição para a arte brasileira.

Rubens Ianelli 2 - Serigrafia

Os Primeiros Passos de Rubens Ianelli na arte

Nascido em 1953, Rubens Ianelli cresceu em um ambiente artístico, cercado pelo trabalho e pelas referências de seu pai, Arcangelo Ianelli, um dos grandes nomes do modernismo no Brasil. Desde cedo, teve contato com o universo da arte, absorvendo influências tanto do meio familiar quanto da produção artística nacional e internacional.

Seu primeiro trabalho como artista foi uma série de desenhos a nanquim, que fez quando residia na Europa, continente no qual morou por 2 anos. Nos anos 1970, começou a se dedicar profundamente à carreira e a sua própria identidade artística, ao desenho e principalmente à pintura. Além disso, trabalhava produzindo molduras e clichês para outros artistas. Anos mais tarde já seria premiado por suas obras essencialmente geométricas.

Rubens Ianelli 7 - Serigrafia

As Gravuras e o estilo de Rubens Ianelli

As gravuras

Críticos entendem que as gravuras de Rubens Ianelli se comportam como uma extensão de sua obra, como uma coisa só, a abstração geométrica se mantém como sua principal temática, principalmente se compararmos a relação entre forma e cor. Entre as técnicas de gravura que mais foram utilizadas por ele estão a litografia e a serigrafia, nelas, podemos perceber sempre seus traços precisos e suas formas que trazem movimento, que possuem uma característica única.

Rubens Ianelli PB2 - Serigrafia

As litografias de Rubens Ianelli exploravam, de forma característica, sobreposições sutis de cor, logo passou a incorporar elementos da abstração geométrica, uma característica marcante de sua produção. Seu interesse pela forma, pela cor e pela organização espacial o levou a desenvolver um estilo único, que se desdobrou em diferentes suportes ao longo de sua carreira.

Rubens Ianelli 16 - Litografia

Resumindo, a gravura foi uma das formas de expressão pelas quais Rubens Ianelli tornou ainda mais visível a grande maestria de seu trabalho.

O Estilo

Rubens Ianelli é amplamente reconhecido por sua abordagem geométrica da arte. Suas obras apresentam uma composição precisa, na qual formas, cores e texturas dialogam em perfeita harmonia. A influência do concretismo e do neoconcretismo pode ser percebida em seu trabalho, embora ele tenha conseguido imprimir uma assinatura própria, diferenciando-se dos artistas de sua geração.

O uso de planos de cor chapada, contrastes sutis e a exploração da tridimensionalidade são elementos que caracterizam sua produção. Em suas pinturas e gravuras, Ianelli cria jogos ópticos e sensoriais que convidam o espectador a uma contemplação minuciosa da obra.

Além da pintura e da gravura, ele também se dedicou à escultura, levando sua investigação geométrica para o espaço tridimensional. Suas esculturas, muitas vezes feitas em metal ou madeira, seguem os mesmos princípios de equilíbrio e harmonia visual que marcam seu trabalho bidimensional.

Rubens Ianelli 11 - Litografia

Da arte à medicina

Rubens Ianelli, talvez por sua ligação com a arte, cursou por três anos a Faculdade de Arquitetura e Urbanismo. Na época, principalmente pelas relações criadas no meio acadêmico e por sua trajetória, o artista acabou muito ligado ao movimento contra o regime militar e dessa maneira, decidiu por migrar para a faculdade de Medicina. Se formou médico e é Mestre em Saúde Pública pela Fundação Oswaldo Cruz, a Fiocruz do Rio de Janeiro. 

Na medicina Rubens Ianelli pode trabalhar com a finalidade de ajudar a causa indígena, nessa causa trabalhou por sete anos de sua vida. Críticos entendem que essa experiência como médico trouxe ainda mais frutos ao seu legado artístico.

Rubens Ianelli para a Arte Brasileira

Rubens Ianelli vem deixando uma marca importante na arte contemporânea brasileira. Sua produção equilibrada entre rigor geométrico e sensibilidade estética demonstra um compromisso com a pesquisa visual e a inovação dentro da abstração.

Além de seu extremo reconhecimento comercial, seus trabalhos também foram expostos em diversas galerias dentro e fora do Brasil, influenciando novas gerações de criadores a se interessarem pela abstração.

Rubens Ianelli pode ser visto como um dos artistas que nos faz entender um pouco mais sobre os princípios e as características da arte abstrata, principalmente se pensando no cenário brasileiro. Sua carreira reflete, sem nenhuma dúvida, a maneira pela qual ele conseguiu inserir pouco a pouco diferentes linguagens e formas de arte, construindo seu legado e sua importância como artista.

Através das diversas técnicas e formas de arte que trabalhou, Rubens pode ser visto principalmente como um dos grandes artistas geométricos do país, suas obras são muito valiosas para colecionadores e admiradores da arte. A forma, a cor e o equilíbrio são o ponto alto de sua obra, e permitem ao amante de arte o entendimento de que a abstração pode ter diferentes “pegadas”.

Rubens Ianelli 13 - Litografia

Se gostou de saber um pouco mais sobre a trajetória e as obras de Rubens Ianelli, confira tudo que trouxemos sobre outros artistas no Blog da Galeria Livia Doblas. E não deixe de dar uma olhada em todas as obras dele disponíveis na Galeria Livia Doblas clicando aqui!

Além disso, trazemos todas as nossas novidades em nossas redes sociais, siga-nos para acompanhar todas as obras e artistas que são destaque na Galeria.

Maria Helena Andrés

Podemos dizer que temos uma artista centenária, e ela é a mineira Maria Helena Andrés, que se destacou principalmente pela sua técnica única de tapeçaria.

Inovadora, autêntica, que consolidou sua reputação como uma das grandes mestras da tapeçaria no país. Não à toa, pois o seu trabalho não se limita ao uso tradicional do tecido, mas sim transforma esses materiais em peças que parecem pinturas.

Por isso, sua longevidade no cenário artístico é um reflexo da dedicação e da paixão pela arte que sempre a guiou. Então, que tal conhecer mais sobre essa ilustre artista e história? Continue lendo este artigo da Galeria Livia Doblas. 

A Carreira longeva e admirável de Maria Helena Andrés

Autorretrato Maria Helena Andrés - 1944

Maria Helena Andrés é uma verdadeira multiartista. Ao longo de sua carreira, ela se aventurou em diversas linguagens e formas de expressão, destacando-se também como pintora, desenhista, gravadora, ilustradora, escritora e professora. 

Tudo começou quando Maria Helena estudou pintura com Carlos Chambelland no Rio de Janeiro, entre 1940 e 1944. Ela, uma aluna muito dedicada, terminou seus estudos e logo iniciou outro curso com Guignard e Edith Behring na Escola do Parque, em Belo Horizonte, entre 1944 e 1947.

Com tanto empenho e conhecimento adquirido, em 1950, começou a lecionar pintura e desenho na Escola de Belas Artes de Belo Horizonte, onde, mais tarde, integrou o corpo diretivo por alguns anos.

Sempre em busca de mais aprendizado, em 1961, voltou aos estudos, desta vez na Arts Students League of New York, onde foi aluna de Theodorus Stamos.

E nos anos 60, uma novidade surgiu em sua carreira: Maria Helena começou a colaborar com os jornais Diário de Minas e Estado de Minas, escrevendo sobre arte.

E podemos concluir que ela se encontrou nessa atividade, pois passou dedicou à escrita, publicando dois livros logo no início: Vivência e Arte (1965) e Os Caminhos da Arte (1977). Com uma visão profunda e sensível sobre arte e vida, Maria Helena traduziu suas emoções e reflexões em palavras, tornando-se uma escritora notável.

Mas a escrita não a afastou da pintura e tapeçaria. Pelo contrário, continuou a se dedicar, expor e participar de eventos artísticos, sempre evoluindo e consolidando a carreira de artista que conhecemos hoje. Além disso, as gravuras de Maria Helena Andrés também ganharam muito destaque em sua carreira.

E por falar em sua arte, que tal falarmos sobre as características dela?

Características das obras de Maria Helena Andrés

Maria Helena Andrés - Serigrafia

O trabalho de Maria Helena Andrés evoluiu ao longo de seus estudos, convivências, pesquisas e desenvolvimento. Nos anos 1950, ela rompe com a figuração lírica, direcionando-se à arte concreta, um movimento do qual foi precursora em Minas Gerais.

Com o tempo, a artista entra em contato com o expressionismo abstrato, uma experiência que provoca uma transformação significativa em sua produção.

Já nos projetos para tapeçaria, Maria Helena explora aspectos da linguagem pictórica na modalidade têxtil, combinando cores e texturas nos pontos, criando um novo universo visual.

Ou seja, a sua arte mostra uma fusão entre o clássico e o contemporâneo, preservando a tradição enquanto reinventa formas e conceitos.

Maria Helena Andrés - Serigrafia 4

Mas o que mais podemos notar é a arte abstrata em suas gravuras, caracterizada por uma combinação de técnica refinada, cores vibrantes e formas geométricas. 

Suas obras em geral e as gravuras de Maria Helena Andrés apresentam texturas que criam um jogo de luzes e sombras, permitindo que o espectador se perca na complexidade visual.

Assim, a artista domina com maestria esses estilos, criando uma impressão poderosa e encantadora, com uma arte que tem o poder de envolver e encantar o público.

E falando em maestria, não podemos deixar de destacar a tapeçaria de Maria Helena Andrés, então, vamos explorar mais sobre ela? 

A Tapeçaria de Maria Helena Andrés

Tapeçaria de Maria Helena Andrés - “Barqueiros do rio São Francisco”

Como mencionamos anteriormente, uma das características mais fascinantes de Maria Helena Andrés é sua capacidade de transformar a tapeçaria em uma forma de pintura. 

Suas obras rompem com a concepção tradicional de tapeçaria, e são vistas como decoração.

Cada peça é criada com um cuidado técnico impecável, onde cada trançado e linha se torna parte de uma composição refinada, quase como quadros feitos de fios.

 Sua tapeçaria não é apenas um trabalho manual, mas uma verdadeira exploração de formas e cores, em que linhas e pontos se transformam em uma narrativa visual envolvente.

A riqueza de detalhes e a precisão técnica fazem dessa tapeçaria um verdadeiro prazer para os olhos, e é impossível não se admirar pela perfeição de seus traços. 

Criar algo assim só mesmo uma artista realmente excepcional, não é?! Por isso, Maria Helena Andrés tem esse legado inigualável.

O legado de Maria Helena Andrés

Maria Helena Andrés - Serigrafia 2

Ao longo de sua carreira, Maria Helena Andrés demonstrou uma admirável capacidade de reinvenção e uma constante busca por inovação. 

Sua longevidade no cenário artístico é uma inspiração para artistas e apreciadores de arte, uma verdadeira lição de perseverança, criatividade e excelência técnica. 

Especialmente com sua arte abstrata e tapeçaria, vemos a transformação de traços e bordados em perfeição, o que explica sua carreira tão brilhante e duradoura. Por aqui, admiramos sua arte e sua história, e se você quiser conhecer algumas obras da artista, o nosso acervo digital tem delas. Clique aqui e confira!

Além disso, se você gosta de leituras sobre arte e artistas, o nosso blog tem muitos conteúdos. Dê uma olhadinha para muito conhecimento e ótimo entretenimento. E fique ligado nas nossas redes sociais, as novidades aparecem lá!

Arnaldo Antunes

Talvez você conheça Arnaldo Antunes pelos seus passos na música, mas ele não parou sua trajetória na arte apenas nela. Arnaldo Antunes é um dos artistas mais versáteis do Brasil e que em um primeiro momento, ganhou fama através de sua carreira musical, principalmente pela sua passagem pela banda Titãs, mas também por sua carreira solo. 

Mas, como dissemos, ele não parou seus passos artísticos somente na música, Arnaldo Antunes também se interessou pela ideia de ser artista plástico, além de também ter obras como poeta. Neste artigo do Blog da Galeria Livia Doblas traremos um pouco mais sobre sua trajetória nas artes plásticas, que explora a união entre palavra e imagem, criando elementos estéticos únicos. Mas claro, também traremos fatos interessantes de sua trajetória como um todo. Além disso, traremos seus primeiros passos da carreira, suas influências e principais obras, abordando suas técnicas e a evolução de seus trabalhos.

Arnaldo Antunes 3 - Serigrafia

A Arte e os primeiros passos de Arnaldo Antunes

O interesse de Arnaldo Antunes pelas artes plásticas se deu antes mesmo de se destacar como músico e poeta.

Seu interesse pela tela e por trazer trabalhos através dela já era algo intrínseco em sua vida, a relação entre linguagem e imagem se já vinha se criando através de colagens em seus cadernos de anotações, onde misturava poesias com desenhos e palavras.

Ao longo de sua carreira, como vamos trazer mais profundamente ao londo do artigo, Arnaldo Antunes acabou por desenvolver um estilo próprio que dialoga com a op e a pop art, a arte conceitual. Seu primeiro grande passo na arte plástica veio na década de 1990, quando começou a expor trabalhos que misturavam caligrafia, tipografia e formas geométricas.

A Palavra e a Imagem nas obras de Arnaldo Antunes

Arnaldo Antunes tem como uma das principais características de seus trabalhos a união entre a palavra e a arte em si, como uma espécie de fusão.

Seu interesse pelas inúmeras formas de arte levou-o a criar obras extremamente características que unem as fronteiras entre literatura e artes visuais. As letras, em grande parte, se fragmentam e as palavras se tornam formas, mais ainda que palavras, e a própria materialidade do texto ganha protagonismo em suas obras.

Essa abordagem reflete a influência de artistas da Op Art e do concretismo, além de outros artistas que também exploraram a linguagem visual em suas produções. Além disso, sua experiência na música também se reflete no ritmo de suas composições gráficas, criando peças que possuem “movimento” e umma musicalidade visual.

Arnaldo Antunes - Poema - Serigrafia

Obras Famosas de Arnaldo Antunes

Dentre as obras mais emblemáticas de Arnaldo Antunes, destacam-se séries de telas e instalações visuais que incorporam letras e palavras criando formas. Alguns de seus trabalhos mais relevantes são:

• "Palavra em Movimento"

Uma série de obras onde as palavras se tornam elementos gráficos, jogando com a disposição das letras para criar novas leituras visuais e poéticas.

Arnaldo Antunes - Exposição Palavra em Movimento

• "Caligrafias"

Trabalhos com a característica principal de Arnaldo Antunes que misturam palavras criando formas, em obras únicas.

Arnaldo Antunes - Caligrafias

As Gravuras de Arnaldo Antunes

As gravuras de Arnaldo Antunes são no mínimo exóticas e com uma característica única, sempre marcadas pela utilização de palavras, mas com diferentes técnicas. Porém, podemos destacar que ele utiliza principalmente a técnica da serigrafia para suas telas, as colagens também estão presentes a fim de criar composições com a união entre as palavras e as imagens e impressões. 

Quanto às cores, as tonalidades próximas às do preto em conjunto com o branco são sempre muito utilizadas por ele, principalmente com o objetivo de criar contraste e de criar obras mais objetivas e simplificadas.

A Música, a poesia e as telas de Arnaldo Antunes

Apesar de seu amplo repertório artístico, suas fases como artistas nunca foram divididas em uma linha do tempo, pelo contrário, a carreira de Arnaldo Antunes sempre foi marcada pelas relações entrelaçadas entre as diferentes expressões artísticas produzidas por ele. Desde a música, até as suas telas, críticos de arte consideram que suas manifestações acabam por vir de um mesmo “start” criativo. 

Um grande exemplo desse fato pode ser visto em capas de seus álbuns que foram produzidas por ele, que transformou muitos de seus os encartes em verdadeiros objetos de arte.

Podemos entender a carreira de Arnaldo Antunes na arte plástica de forma parecida como vemos a sua trajetória na música e na poesia, ou seja, como uma trajetória brilhante. Seu trabalho visual, como trouxemos neste artigo, é extremamente marcado pela palavra e pela imagem e representa apenas uma parte de sua construção como artista, da música à gravura, da palavra à forma. Além disso, ele teve grandes influências do concretismo e da pop art, Arnaldo Antunes criou um estilo único que foi capaz de unir as fronteiras entre as linguagens artísticas.

Colagem de Arnaldo Antunes

Seja nas suas gravuras, nos seus livros-objetos ou nas suas instalações, Arnaldo Antunes segue expandindo os limites da arte contemporânea, consolidando-se como um dos mais importantes artistas multimídia do Brasil. Seu trabalho continua a inspirar novas gerações de criadores que buscam explorar a interseção entre som, imagem e palavra.

Se gostou de conhecer o trabalho de Arnaldo Antunes além da música, confira todos os trabalhos do artista que estão disponíveis na Galeria Livia Doblas.

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Lothar Charoux

Lothar Charoux dedicou 40 anos à arte, vivendo o salto industrial no Brasil, o que se refletiu em sua obra. E foi assim que seu trabalho, expresso na pintura e no desenho, deixou uma contribuição significativa para os movimentos construtivista e cinético.

E o que encontramos em suas obras? A fusão de formas geométricas, a exploração do movimento e o reflexo de sua busca constante por inovação na arte contemporânea.

É um artista de grande relevância e com um trabalho excepcional, por isso, vamos conhecer mais sobre ele? Neste artigo da Galeria Livia Doblas, vamos explorar a sua trajetória, marcos importantes e as influências do construtivismo e do cinetismo em sua arte.

Quem foi Lothar Charoux?

Lothar Charoux veio para o Brasil e por aqui encontrou a sua arte

Lothar Charoux nasceu em Viena, Áustria, em 1912, e imigrou para o Brasil em 1939, fugindo da Segunda Guerra Mundial. Sua chegada ao país marcou um ponto de virada em sua carreira artística, levando-o a se envolver rapidamente com o cenário artístico brasileiro e a contribuir para o movimento modernista.

Sua obra foi fortemente influenciada pelas vanguardas europeias, mas, ao mesmo tempo, Charoux desenvolveu um estilo único e seu trabalho tornou-se uma verdadeira ponte entre as tradições da arte europeia e a inovação moderna que ganhava força no país.

Assim, ele construiu a trajetória de sucesso única que conhecemos hoje, e é sobre ela que vamos falar a seguir.

A trajetória artística de Lothar Charoux

Autorretrato de Lothar Charoux

Tudo começou quando Lothar Charoux iniciou seus estudos artísticos com seu tio, o escultor austríaco Siegfried Charoux.

Seu aprendizado se aprofundou já no Brasil, na década de 1930, quando se matriculou no Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo (LAOSP). E quem vê sua arte hoje talvez não imagine que, nessa época, ele pintava retratos com um forte caráter expressionista, ou seja, uma prova de sua grande evolução e mudança de estilo ao longo dos anos.

Falando em desenvolvimento, em 1947, Charoux realizou sua primeira exposição individual na Galeria Itapetininga. 

E com dedicação e constante evolução, ele atuou em três funções ao longo da carreira: pintor, desenhista e professor. 

E foi nessa trajetória que Charoux se encontrou artisticamente no construtivismo.Essa identificação o levou, em 1952, a participar da fundação do Grupo Ruptura, que marcou o início oficial da arte concreta no Brasil com uma exposição no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP). 

O grupo, que reunia artistas renomados, teve um papel fundamental na consolidação do concretismo no país, e historiadores apontam que a participação de Charoux foi essencial para a maturidade do movimento.

Mais do que um participante, Charoux moldou o construtivismo e deixou um legado inegável para a arte moderna brasileira. Então, nos cabe falar sobre as características marcantes de sua obra. Vamos explorar mais sobre isso?

 O Construtivismo na Arte de Lothar Charoux

Lothar Charoux - Serigrafia

O Construtivismo foi um movimento artístico que emergiu no início do século XX, defendendo a arte como uma forma de expressão racional, com foco na geometria e nas formas abstratas. 

Charoux se identificou com esse estilo artístico e fez dele o modo de expressar a sua arte.  Vemos linhas retas, formas geométricas e diversos tipos de organização dos elementos visuais compondo suas pinturas

As obras de Charoux revelam uma exploração do espaço e da relação entre as formas geométricas, com repetição e variação delas para criar composições equilibradas. 

Mas o que é fascinante, é que podemos notar em várias de suas obras uma composição estruturada, que frequentemente transmite uma sensação de harmonia visual.

E como sabemos a perfeição da arte construtivista está nos detalhes, não é?! Por isso, a sua técnica refinada se alinha com a estética e com a funcionalidade defendida pelos construtivistas.

Lothar Charoux trabalhou o Cinetismo?

Lothar Charoux 5 - Serigrafia

O nome Lothar Charoux é automaticamente associado ao Construtivismo, mas suas obras também incorporam elementos do Cinetismo, movimento que busca representar o dinamismo na arte.

Vemos que ao manipular formas e linhas, Lothar Charoux transmite a sensação de movimento. A repetição de elementos, o uso estratégico de luz, sombra e cores criam efeitos ópticos que parecem se transformar diante de olhares.

Então, assim como o próprio conceito do Cinetismo, podemos dizer que a arte de Lothar Charoux esteve em constante mudança e evolução.

Lothar Charoux 2 - Serigrafia

A Influência e reconhecimento de Lothar Choux

Lothar Charoux 4 - Serigrafia

Lothar Charoux, sem dúvida, é um artista que deixou um legado marcante na história da arte brasileira e mundial.

Seu trabalho único e moderno teve uma contribuição significativa, especialmente para o movimento construtivista. 

Com certeza, artistas estudam e se inspiram em sua arte, que continua a transcender gerações, impactando e encantando espectadores até os dias de hoje.

Para os amantes do concretismo, a arte de Lothar Charoux é uma verdadeira preciosidade. Se você se identifica com esse estilo e deseja conhecer suas gravuras, confira nosso acervo digital!

E por falar em amantes da arte, você curte conteúdos de biografias como essa? Então, dê uma olhada no nosso blog, onde temos muito mais histórias sobre a arte e seus grandes nomes.

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Antonio Peticov

Antonio Peticov é um dos artistas de maior nome quando pensamos na arte contemporânea do Brasil. Paulista da cidade de Assis, Peticov ficou conhecido principalmente pela diversificação de suas obras, que exploram o simbolismo, a geometria e principalmente as cores vibrantes. Com tudo isso, o artista construiu um legado marcante no cenário artístico nacional e internacional.

Neste artigo, do Blog da Galeria Livia Doblas iremos falar sobre sua carreira, trazer um pouco mais sobre suas obras mais marcantes, além de trazer informações sobre suas técnicas e artistas que influenciaram sua carreira e que o ajudaram a se desenvolver como artista plástico.

Antonio Peticov e os primeiros passos na Arte

Paulista de Assis, interior de São Paulo, Antonio Peticov nasceu em 1946 e desde cedo demonstrou interesse pela arte. Autodidata e ainda jovem, Peticov mergulhou sozinho nos estudos de movimentos artísticos como o Surrealismo, a Op Art e o Construtivismo. Com o passar do anos, acabou por se mudar para a capital, São Paulo, por lá, conseguiu ter contato com muitas inspirações artísticas, já que naquela época, na década de 1960, a cidade vinha em um momento cultural de extrema intensidade. 

Mas, uma característica que nunca se instaurou em Antonio Peticov foi a busca por uma zona de conforto. Com isso, buscou experiências e influências artísticas através de lugares e outros artistas, o que o levou a morar em inúmeros outros países, como os Estados Unidos e a Itália. Durante essa jornada “nômade” pôde aprimorar suas técnicas artísticas e absorver novas ideias e técnicas ao seu repertório.

As Obras de Antonio Peticov

As telas e as obras de Antonio Peticov como um todo são extremamente diversificadas. Ele produziu através de inúmeras técnicas, indo da pintura à escultura, passando por suas interessantíssimas gravuras e até mesmo instalações interativas.

As obras que mais marcaram e se tornaram características de seu trabalho e de seu estilo são  as que trazem formas geométricas e “brincam” através de uma espécie de jogo de ilusão ótica. Hoje, existem muitas gravuras de Antonio Peticov com essas características. 

Antonio Peticov - Construção 2 - Serigrafia

Podemos analisar que as obras produzidas por Antonio Peticov acabam por trazer a sua perspectiva de um interesse enraizado pelas formas.

Antonio ​​Peticov também criou muito reconhecimento através de suas instalações artísticas como o "Balli Ballet" que foi realizada em Cloudwalk Farm, Connecticut, e o "The Big Ladder - Scala Cromatica", um dos maiores destaques da New York Art Expo.

Recentemente, Antonio Peticov também expôs uma série de gravuras que traziam obras inspiradas na proporção Áurea, uma das exposições mais relevantes da história da arte recente no Brasil. 

Serigrafias de Antonio Peticov inspiradas na proporção áurea

As Gravuras de Antonio Peticov

As gravuras de Peticov são, sem dúvida, uma das partes de sua ampla produção que mais despertam interesse e fascínio. Ele, através de seu estilo próprio e de seu conhecimento autodidata, teve uma produção técnica da gravura única, combinando cores fortes e vivas e de formas organizadas com cores extremamente vivas.

Entre as técnicas da gravura que Antonio Peticov mais utilizou está a serigrafia, através desse método, ele pôde explorar a sobreposição de cores e criar efeitos como uma espécie de “ilusão de ótica”. As gravuras de Antonio Peticov são reconhecidas por trazer um diálogo entre a cor e a forma, com um ar matemático, como se as formas estivessem calculadamente posicionadas, em uma forma com tamanho praticamente exato, como ciência. 

Antonio Peticov - Quadro Mágico Negro - Serigrafia

O estilo único do trabalho de Antonio Peticov

Quando analisadas, as obras e todo o universo criativo de Antonio Peticov não se limita apenas às artes plásticas e o visual pelo visual. O artista também transita por elementos que trazem consigo a matemática e a ciência. Alguns desses elementos são: 

A relação entre arte e matemática

Segundo ele mesmo, seus trabalhos são muitos inspirados em proporções matemáticas e pelo uso de padrões geométricos, remetendo à proporção áurea e até outras leis matemáticas.

As ilusões ópticas

As ilusões de ótica são muito exploradas em várias de suas obras. Isso permite que o público seja instigado e interaja de forma inconsciente com o trabalho.

Antonio Peticov - Quadro Mágico - Serigrafia

A simbologia das cores

Antonio Peticov tem como uma marca a utilização de cores vibrantes. Isso cria composições que se comunicam de forma única através da abstração, trazendo sentimento e emoção segundo sua utilização.

A arte com interatividade

Muitas de suas obras convidam o espectador a participar ativamente do trabalho, o que traz ao público novas formas de experiência artística.

O Legado que Antonio Peticov vem deixando

Críticos consideram que a relevância de Antonio Peticov no cenário artístico brasileiro é gigantesca. Além disso, seu trabalho continua servindo como uma grande referência para as novas gerações de artistas nos dias de hoje. Seu trabalho também continua sendo frequentemente exposto e suas obras são de grande valor. As gravuras de Antonio Peticov são comercializadas nas principais galerias de arte.

A trajetória de Antonio Peticov demonstra como a arte pode ser um campo vasto de experimentação e da criação de experiências, levando conhecimento e rompendo barreiras entre diferentes disciplinas.

Antonio Peticov - Gratitude - Serigrafia

Antonio Peticov é um artista único e exótico, sua obra é capaz de refletir um intenso diálogo entre a arte, a matemática e a ciência. Sua trajetória, marcada pela busca por experiências em diferentes países e influências diversas, resultou em um trabalho que ultrapassa fronteiras e desafia a percepção do espectador. Suas gravuras, pinturas e instalações continuam a inspirar novas gerações de artistas e admiradores da arte contemporânea brasileira.

Neste artigo, pudemos conhecer mais sobre a carreira de Antonio Peticov, trazendo um pouco mais sobre suas técnicas, as influências e o modo pelo qual ele iniciou sua jornada na arte, e o estilo principal pelo qual suas obras mais foram reconhecidas. Seu trabalho segue muito relevante no cenário artístico brasileiro e mundial.

Se gostou desse artigo do Blog da Galeria Livia Doblas e de conhecer um pouco mais da história de Antonio Peticov, clique aqui e confira todos os trabalhos do artista que estão disponíveis no acervo digital da galeria.

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Alfredo Volpi - Composição Concreta - Litografia

Toda arte é uma forma de expressão, mas a arte abstrata se destaca por abrir espaço para a liberdade de ideias, sentimentos e criatividade do artista. 

Muitos a veem como composições inusitadas – e, de fato, podem ser. Porém, é justamente nessa singularidade que ela se torna sempre única. Cada artista, cada momento, cada abordagem traz algo mais autêntico do que tudo… Mas afinal, o que é arte abstrata? 

Vamos explorar essa expressão artística neste artigo da Galeria Livia Doblas.

O que é Arte Abstrata?

Tomie Othake - Lito ver - Litografia

A arte abstrata, também conhecida como arte não figurativa, é um movimento artístico que foge do comum, ou seja, nada de representação literal do mundo.

Ao contrário da arte clássica, que busca retratar figuras realistas, a arte abstrata utiliza formas, cores e texturas para evocar emoções, ideias e conceitos, sem representar um objeto ou cena de maneira identificável. E essa é a sua grande beleza: permite que cada espectador tenha sua própria leitura, refletindo e admirando a obra de diferentes formas.

Por isso, além de simbolizar liberdade criativa e romper com as convenções artísticas tradicionais, a arte abstrata também é conhecida como a arte da interpretação.

Mas você já se perguntou como ela surgiu, evoluiu e conquistou admiradores ao longo do tempo? Essa é uma curiosidade fascinante, e vamos explorá-la a seguir.

A história da Arte Abstrata

Kenji Fukuda - Serigrafia 6 Abstrata

O conceito de arte abstrata nasceu com uma ligação das vanguardas européias das décadas de 1910 e 1920, que se opuseram à tentativa de reproduzir tudo de maneira realista. 

Além disso, era como um reflexo das transformações da sociedade moderna, incluindo as inovações científicas e tecnológicas, além das mudanças sociopolíticas.

Nesse movimento, a decomposição das figuras, a simplificação das formas, o uso ousado das cores, a eliminação da perspectiva tradicional e a renúncia às técnicas convencionais de luz e sombra se destacaram. 

E então, passaram a entender que a arte não precisava imitar a natureza, ilustrar pessoas, mas sim transmitir as sensações e interpretações do artista. Tudo podia ser expressado: ideias, protestos, sentimentos…E, assim, a arte abstrata foi ganhando seu espaço e transformando o mundo da arte.

Passou a ser incorporada na obra de diversos artistas e movimentos, consolidando-se, a partir da década de 1930, como um dos principais pilares da arte no século XX.

Entre os pioneiros desse estilo, destacam-se nomes como Wassily Kandinsky, Piet Mondrian e Kazimir Malevich. 

No Brasil, a arte abstrata também encontrou seu espaço e se tornou parte importante da história da arte moderna, com artistas que traduziram sua visão única do mundo por meio da abstração, cores e formas.Então, vamos falar sobre alguns deles?

Artistas Brasileiros Famosos na Arte Abstrata

Tomie Ohtake

Tomie Othake - Lito pin

É nascida no Japão, mas Tomie Ohtake veio cedo para o Brasil, onde sua carreira nasceu e se consolidou, sendo por isso considerada uma artista brasileira. 

Então, não poderíamos deixar de mencioná-la, afinal, ela está entre as principais representantes do abstracionismo. Suas obras, que exploram formas geométricas e cores vibrantes, combinam a inspiração oriental com o modernismo ocidental, expressando-se em gravuras, pinturas e esculturas que influenciaram profundamente o cenário da arte abstrata no Brasil.

Hércules Barsotti

Hércules Barsotti - PB6

Hércules Barsotti foi um importante artista do movimento concretista e um dos grandes nomes da arte abstrata no Brasil. Em sua arte, vemos muitas formas geométricas minimalistas e uma estética impressionante. Assim, observamos composições que brincam com a percepção visual, como uma boa arte abstrata. 

Alfredo Volpi

Alfredo Volpi - Velas e Mastro II

O mestre das cores usou as formas para criar composições de grande força visual e beleza. Na década de 1950, sua arte passou a incorporar o abstracionismo geométrico, refletindo uma evolução marcante em seu trabalho.

Por que a Arte Abstrata ganhou o seu espaço?

Carlos Furtado - Azulejos Portugueses 8

A arte abstrata é uma experimentação e a expressão de ideias e emoções de maneiras únicas, sendo uma experiência tanto para o artista quanto para o espectador.

Ela rompe barreiras e convida o observador a interpretar a obra de forma pessoal e subjetiva. Através das cores, formas e texturas, cada peça se torna uma experiência sensorial e emocional.

Além disso, a arte abstrata é sinônimo de destaque—capaz de transformar ambientes e encantar em qualquer contexto.

Portanto, é sim representativa, mas de forma singular e expressiva, capturando o que vai além dos nossos olhos. É um estímulo à interpretação, mais do que um estilo artístico.

Por aqui, amamos essa forma de arte, admiramos seus artistas e tudo o que pode nos surpreender. 

E você, é fã do abstracionismo? Na Galeria Livia Doblas, você encontra gravuras abstratas incríveis de grandes nomes. Clique aqui para conferir nosso acervo digital!

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Milton Dacosta

Milton Rodrigues da Costa, ou como ficou conhecido, Milton Dacosta é, sem dúvida, um dos maiores nomes da arte moderna no Brasil. Seu legado vai além das telas que criou, estendendo-se também à sua trajetória, admirada por ter começado sua carreira ainda muito jovem.

A jornada de Dacosta foi marcada por um talento em constante evolução, já que ao longo dos anos, ele transitou por diferentes estilos, sempre em busca de algo único e moderno. Inicialmente, se dedicou ao impressionismo, depois abraçou o cubismo e, por fim, parece que se encontrou na geometria abstrata.  

E podemos dizer que o movimento e aprimoramento constantes foi o que o consolidou como um dos artistas mais importantes do Brasil no século XX. 

Sua carreira é repleta de fases curiosas, e é justamente sobre essa trajetória que vamos falar mais neste artigo. Vamos explorar sua vida, sua arte e os passos que o levaram a se tornar um ícone da arte brasileira. 

Como foram os Primeiros Passos de Milton Dacosta na Arte? 

Milton Dacosta despertou sua curiosidade pela arte ainda muito jovem, e então logo aos 14 anos, começou seus estudos de desenho e pintura no ateliê do professor alemão August Hantv, em Niterói, cidade onde nasceu.  

Sua sede por conhecimento e por novas conexões com outros artistas logo o levou a conhecer o pintor Antônio Parreiras. Eles mantiveram uma relação próxima, e Dacosta visitava regularmente o ateliê de Parreiras, e foi assim que uma das primeiras influências da arte de Milton Dacosta surgiu. Sob a orientação de Parreiras, ele passou a se interessar pela pintura pós-impressionista.

E quando dizemos que Milton Dacosta foi um artista precoce, não estamos exagerando. Se aos 14 anos, já estava se dedicando aos estudos de arte, aos 16, ele ajudou a fundar o Núcleo Bernardelli, um grupo independente de artistas no porão da Escola Nacional de Belas Artes (ENBA), coordenado por Edson Motta.  

O empenho de Dacosta e sua dedicação logo lhe garantiram uma consolidação igualmente precoce. Prova disso foi o prêmio de viagem ao exterior, que recebeu na Divisão Moderna do Salão Nacional de Belas Artes, em 1944. 

No ano seguinte, em busca de novas experiências e evolução constante, Dacosta se mudou para Nova York, mas não ficou por lá, ele foi morar definitivamente em Paris. Lá, se matriculou na Académie de La Grande Chaumière, para aprender e absorver de perto a obra de mestres como os franceses Paul Cézanne e Henri Matisse, o italiano Amedeo Modigliani e o holandês Piet Mondrian. Nesse período, também frequentou o ateliê do pintor francês Georges Braque e teve o privilégio de conhecer o espanhol Pablo Picasso. 

Durante essa vivência, Dacosta participou de uma exposição importante no Salon d'Automne, evento que simbolizou o início de uma carreira internacional que logo se destacaria no cenário artístico. 

Agora, a grande questão que surge é: como foi a evolução do estilo da arte de Milton Dacosta ao longo dessas fases? É isso que você pode descobrir a seguir. 

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Milton Dacosta - Paisagem com Flamboyant

Estilo e Influências de Milton Dacosta

Críticos consideram que a trajetória de Milton Dacosta na arte não tomou o mesmo padrão que a de outros artistas, isso porque, no início, suas obras eram caracterizadas pela qualidade que ele trazia aos detalhes, com extrema preocupação em trazer à tela o que via. Os temas eram inúmeros, e talvez o menos importante. O principal seria a maneira como ele iria retratar aquilo que pintava, tentando tornar a tela uma reprodução mais fiel possível.

Com o passar dos anos, sua carreira evoluiu e houve uma grande transformação, sua produção se aproximou das formas, do construtivismo e até mesmo do cubismo. Dessa maneira, Milton Dacosta explora formas geométricas, algo que se pode ver em sua série de obras “Composições” e até mesmo em “Figuras”, momento pelo qual o artista começou a inserir mais elementos geométricos em suas telas e trabalhos. Nesses trabalhos, Dacosta trabalha com uma paleta de cores não tão vivas. 

A série “Composições” talvez sirva para que possamos entender a transformação de seu trabalho, que foi do impressionismo à uma abstração geométrica, que talvez tenha sido a fase mais conhecida e celebrada de sua carreira.

Podemos entender que essa evolução e transformação na trajetória de Milton Dacosta tenha grande influência do concretismo e do neoconcretismo. Através desses movimentos, Milton foi capaz de desenvolver um trabalho caracterizado por formas simplificadas e cores pastéis. Ao mesmo tempo, podemos analisar que as linhas precisas e as formas geométricas também transmitiam um forte senso de harmonia e equilíbrio para seu trabalho.

Milton Dacosta - Vênus 5 - Gravura em Metal

As Obras de Milton Dacosta

Milton Dacosta deixou um legado único e suas obras, assim como a evolução da característica de seus trabalho pode ser visto com o os seguintes exemplos:

• Série "Figuras" (década de 1940)
  

Esta série de obras ainda apresenta um caráter figurativo, mas, nesses trabalhos, já podemos ver algumas influências cubistas que o artista começava a inserir em seus trabalhos. Nas telas, Milton traz figuras femininas formadas por traços geométricos em composição.

Milton Dacosta - Figuras

• Série "Vênus" (década de 1950-1960):

Na série Vênus, Dacosta traz figuras femininas arredondadas. Esta talvez seja a série de obras mais conhecida de Milton Dacosta.

Milton Dacosta - Vênus 4 - Gravura em Metal

• "Composição":

Esta obra é uma abstração que marca muito a trajetória de Milton Dacosta. A partir dessa produção, o artista começa a explorar ao máximo a geometria e a abstração em seus trabalhos.

Milton Dacosta - Composição

As Gravuras de Milton Dacosta 

Você sabia que entre tantos talentos, Milton Dacosta também se destacou nas gravuras?

Nelas, ele trazia as características clássicas de sua arte: o preto e branco, traços finos e elaborados, contrastes e formas reduzidas à essência.

E, claro, seu estilo também estava presente: o geométrico, mas sem deixar de lado a arte figurativa. Assim, suas gravuras retratam paisagens, nus, marinhas, cenas urbanas e retratos.

E como sabemos, as gravuras têm várias técnicas, e a litografia e a xilogravura, foram as favoritas de Milton Dacosta.

Em resumo, com certeza, as gravuras de Milton Dacosta também retratam o legado de um artista singular e excêntrico, que sempre buscou novas formas de explorar a arte e suas influências.

Milton Dacosta - Vênus 3 - Gravura em Metal

O Legado de Milton Dacosta 

Artista precoce, curioso, dedicado e em constante evolução, Milton Dacosta foi fundamental para consolidar a transição do modernismo para a arte concreta no Brasil. 

Assim, sua obra segue como uma referência na história da arte brasileira, e seu nome permanece um dos maiores ícones do modernismo no país. Um legado que, para nós, é uma verdadeira honra conhecer, não é?!

Se gostou desse artigo do Blog da Galeria Livia Doblas e se interessou pelos trabalhos de Milton Dacosta, clique aqui e confira todas as obras do artista que temos em nosso acervo digital.

Além disso, fique por dentro do nosso blog para saber muito mais sobre a carreira e sobre curiosidades de inúmeros outros artistas que fizeram história no Brasil e no mundo.

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Ferreira Gullar

José Ribamar Ferreira, ou como ficou conhecido, Ferreira Gullar foi um dos nomes mais que mais se destacaram na arte brasileira, além disso, também teve grande importância como poeta, ensaísta e crítico de arte e artista visual. Através dessas vertentes que ele deixou um legado único e muito difícil de ser comparado com outros artistas, principalmente por sua versatilidade, o que fez com que ele marcasse e se enraizasse na cultura do país. 

Ferreira Gullar também ficou conhecido por sua participação no movimento do neoconcretismo e teve a gravura como uma das técnicas que mais explorou. Suas telas, assim como seus trabalhos literários, faziam questão de trazer a sua visão do mundo de forma inteligente e reflexiva. Neste artigo da Galeria Livia Doblas, falaremos um pouco mais sobre sua carreira e sua relação com as artes plásticas.

Ferreira Gullar e um resumo de sua carreira

Nascido na cidade de São Luís do Maranhão em 1930, Ferreira Gullar teve uma trajetória intensa e o que mais marcou o decorrer de sua carreira, foi sua capacidade de se encontrar em diferentes vertentes da arte. Diferente de outros artistas, no início de sua carreira, se destacou na poesia, publicando obras como "A Luta Corporal", com uma composição com referências musicais, que já mostrava seu pioneirismo.

Ferreira Gullar 5 - Serigrafia

Com o passar dos anos, acabou conhecendo os também poetas Haroldo de Campos, Augusto de Campos e Décio Pignatari e com eles participou dos primeiros momentos do concretismo. Ferreira Gullar também participa da Primeira Exposição Nacional de Arte Concreta no Museu de Arte Moderna de São Paulo, o MAM.

Depois disso, Gullar se tornou um dos fundadores do movimento neoconcreto, que buscava dar mais expressividade e subjetividade para suas expressões artísticas.

Ferreira Gullar 1 - Serigrafia

Seu trabalho como escritor também foi de extrema importância para sua vida já que durante o período da ditadura militar no Brasil, quando Ferreira Gullar foi obrigado a se exilar. Na época viveu na Argentina, França, Peru, Chile e até mesmo na Rússia. Durante o exílio trabalhou escrevendo artigos para um jornal, mas também foi impactado diretamente como escritor literário e criou o "Poema Sujo”, um de seus trabalhos mais icônicos e conhecidos, analisado pelos críticos como uma obra crítica e consistente.

Primeiros Passos de Ferreira Gullar como Artista Plástico

Os primeiros passos de Ferreira Gullar nas artes plásticas se deram de forma paralela ao seu trabalho na literatura, ao mesmo tempo em que produzia poemas, caminhava com suas telas enquanto se aproximava de seus parceiros com os quais formaria o movimento neoconcreto no Brasil.

Tais parceiros eram Lygia Clark, Hélio Oiticica e Amilcar de Castro e através deles, Ferreira Gullar começou a se interessar pela forma e pelas cores, com algo único e que dali para frente seria característico do movimento neoconcreto. Críticos consideram que a parte das artes plásticas de seu trabalho começou a se desenvolver por sua vontade de expandir seus horizontes que se limitavam à escrita.

Ferreira Gullar 2 - Serigrafia

Ao mesmo tempo, com seu rompimento com o movimento concreto, a experimentação de Gullar pelas formas e pelas cores aconteceu de forma natural, já que a união entre os artistas e a criação do novo movimento tinha o objetivo de ampliar a subjetividade dos seus trabalhos e romper com a rigidez e objetividade do concretismo, o que na visão deles tornaria a arte mais sensível e acessível para a população. 

As Gravuras de Ferreira Gullar

Como dissemos nos parágrafos anteriores, como artista plástico, Ferreira Gullar trouxe trabalhos exemplares, principalmente nas gravuras. Como característica, as formas e as cores são o ponto alto de seu trabalho, mas também inovou trazendo a união de palavras e imagens em suas obras.

Ferreira Gullar à frente de uma de suas obras

As gravuras de Ferreira Gullar eram essencialmente neoconcretas e ele fazia trabalhos principalmente pela técnica da serigrafia, onde “brincava” com as formas e cores de forma única.

As técnicas e as características de Ferreira Gullar

Assim como seus poemas, as gravuras de Ferreira Gullar e seus trabalhos plásticos em sua totalidade estava fortemente influenciado pelo seu movimento, o neoconcretismo, que tinha o objetivo de se livrar de um trabalho “quadrado” e muito formal, trazendo a subjetividade, a interpretação e a abstração como protagonistas. As obras de Ferreira Gullar eram caracterizadas pelas formas geométricas que traziam movimento à tela. Da mesma forma, Ferreira Gullar valorizava uma participação ativa de quem observava a obra.

Uns de seus trabalhos mais criativos e característicos se deram a partir da interação entre a palavra e a imagem, com eles, Ferreira Gullar permitia uma experimentação sensorial de sua obra e em muitas delas trazia uma crítica social. Por isso, críticos consideram que seu trabalho não apenas foi capaz de questionar a estética tradicional da arte brasileira, principalmente do concretismo, mas também tinha a capacidade de elevar o nível de uma reflexão sobre a realidade do país e o papel da arte na sociedade.

Ferreira Gullar 9 - Serigrafia

O Legado deixado por Ferreira Gullar

Mesmo falecendo em 2016, Ferreira Gullar foi capaz de manter vivo seu impacto ativo na arte e literatura brasileira. Seu trabalho também continua a ser base de estudos para estudantes e amantes da arte nacional e internacional, principalmente por suas bases e influências neoconcretas.

Ferreira Gullar 6 - Serigrafia

Podemos destacar que o reconhecimento de Ferreira Gullar foi além dos brasileiros, suas poesias foram levadas para diversos países e traduzidas para diversas línguas. Além disso, suas obras também deixaram um legado não apenas como artista plástico, mas pela importância cultural que elas carregavam, além de seu lado pensador e ativista.

Se gostou de conhecer um pouco mais sobre a carreira de Ferreira Gullar, confira um pouco mais de suas obras disponíveis na Galeria Livia Doblas.

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Roberto Burle Marx

Os fãs de paisagismo certamente conhecem o nome Burle Marx e suas icônicas obras de arte que embelezam diferentes tipos de ambientes.

Mas, o que devemos destacar é que, muito mais do que paisagista, ele foi um artista completo, que uniu arte, botânica e urbanismo, e também demonstrou seu talento em belíssimas gravuras e exposições.

E ele deixou um legado, que não se limita a ser reconhecido pelas obras que transformaram cidades, mas também por sua influência na valorização da natureza e da brasilidade no cenário mundial.

Já é claro que é um nome de peso. Então, que tal falarmos sobre a vida e a obra inspiradoras desse grande artista?

Como foi o começo da carreira de Roberto Burle Marx?

Paisagista Burle Marx

Durante sua infância, Roberto Burle Marx viveu no Rio de Janeiro, mas se mudou com a família para Berlim, na Alemanha. 

E foi lá onde teve contato com as obras de artistas consagrados, como Van Gogh, Pablo Picasso e Paul Klee. E também começou a estudar pintura no ateliê de Degner Klemn.

Essa mudança foi breve, mas o início artístico de Burle Marx ficou marcado por ele. Ao retornar ao Brasil, estudou pintura e arquitetura na Escola Nacional de Belas Artes (ENBA), sendo aluno de Leo Putz, Augusto Bracet e Celso Antônio.

Seu primeiro projeto não demorou muito para ser proposto: ao lado de Gregori Warchavchik, desenvolveu um jardim a convite de Lúcio Costa, o arquiteto responsável pelo projeto da residência da família Schwartz, no Rio de Janeiro.

E então, podemos dizer que sua ascensão foi rápida e bem-sucedida: entre 1934 e 1937, Burle Marx ocupou o cargo de diretor de parques e jardins de Recife, Pernambuco, onde passou a residir. 

Mas mesmo Recifense, frequentava o Rio de Janeiro para estudar, sendo aluno de Cândido Portinari e Mário de Andrade, no Instituto de Arte da UDFl.

Até que em 1937, retornou ao Rio de Janeiro novamente, para trabalhar como assistente de Portinari.

Seu destino estava claramente traçado: o Rio de Janeiro se tornou o centro de sua vida profissional. 

Em 1938 tudo começou, quando teve uma importante oportunidade ao trabalhar com Lúcio Costa no projeto dos jardins do Ministério da Educação e Saúde do RJ.

Logo, Burle Marx começava a se tornar um nome renomado, envolvido em projetos de obras famosas e importantes no Rio de Janeiro e em todo o Brasil. Suas criações refletiam sua arte única, cheia de verde, natureza e a ideia de contemplação. 

E, por falar nessas características tão presentes em seu trabalho, vamos explorar essa relação de Burle Marx com o verde.

Burle Marx e a sua conexão com a natureza

Roberto Burle Marx o artista apaixonado pela natureza

É fato que o paisagismo no Brasil teve duas fases: antes e depois de Marx. Ele inovou ao utilizar plantas nativas, criando um conceito sustentável que respeitava e exaltava a biodiversidade brasileira.

Esse foco na flora nativa se tornou ainda mais presente quando o artista adquiriu o Sítio Santo Antônio da Bica, com 800 mil metros quadrados, no bairro carioca de Campo Grande. Lá, ele reuniu e estudou exemplares, muitas vezes raros, da flora brasileira. 

Era uma verdadeira paixão e dedicação, inclusive, junto de botânicos, ele viajava a diversas regiões do país para coletar e catalogar plantas, reproduzindo em sua obra a diversidade fitogeográfica brasileira.

Foi assim que seu trabalho ajudou a popularizar espécies tropicais, como bromélias, helicônias e palmeiras, tornando-as protagonistas em suas composições. 

Além disso, na década de 1970, Burle Marx passou a atuar como ecologista, defendendo a importância de criar uma consciência crítica sobre a destruição do meio ambiente.

Com tanta dedicação ao verde, o legado de Burle Marx vai além de suas obras de paisagismo. Ele também desempenhou um papel crucial na conscientização e valorização da natureza,

Seu sítio é um verdadeiro símbolo de sua visão, tem grande relevância não só para o paisagismo, mas também para a educação ambiental, e em 1985 ele foi doado ao governo federal, passando a se chamar Sítio Roberto Burle Marx.

Hoje, continua sendo considerado um valioso patrimônio paisagístico, arquitetônico e botânico, preservando o legado de Burle Marx e sua visão revolucionária sobre o uso da flora brasileira.

Qual o estilo da Arte de Burle Marx?

Apesar dessa forte conexão, como mencionamos no início, a arte de Burle Marx não se limita ao paisagismo. 

Ele também foi pintor, desenhista, designer e escultor, destacando-se em diversas formas de expressão artística. Suas gravuras expressivas revelam sua autenticidade e sua capacidade única de traduzir sua visão criativa de maneira inovadora.

Roberto Burle Marx - Litografia “Itambé”

Nas pinturas e gravuras, o estilo de Burle Marx é marcado por formas orgânicas, curvas sinuosas e um jogo vibrante de cores e texturas, características que as tornam facilmente reconhecíveis. 

Já no paisagismo, sua influência do movimento modernista é clara. Burle Marx rejeitava a rigidez das formas simétricas e criava espaços fluidos, que se integravam de maneira harmônica com a paisagem natural. 

Outro aspecto marcante de sua obra era a visão em que ele tratava os jardins como verdadeiras "pinturas vivas", causando sempre com aquela impressão visual de movimento e evolução.

Abaixo, vamos falar sobre alguns de seus projetos que exemplificam essas características e que, sem dúvida, falam por si mesmas, evidenciam ser de Burle Marx, sem a necessidade de uma assinatura.

Roberto Burle Marx - Litografia “Mãe e Filha”

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Calçada de Copacabana

A Calçada de Copacabana foi idealizada por Burle Marx

Um dos maiores símbolos do Rio de Janeiro, é um dos clássicos de Burle Marx. 

Com seu desenho em ondas pretas e brancas que uma marca registrada da cidade e um exemplo de como o paisagismo pode dialogar com a identidade cultural de um lugar.

Parque do Flamengo (RJ)

Parque do Flamengo idealizado por Burle Marx

Um dos maiores parques urbanos do Brasil, projetado para revitalizar a orla carioca.

Jardins do Palácio da Alvorada (DF)

Parque da Alvorada idealizado por Burle Marx em parceria com Oscar Niemeyer

Criado em colaboração com Oscar Niemeyer para a residência oficial da Presidência.

Amigos Famosos e trabalhos conjuntos

Roberto Burle Marx não apenas se destacou por seu talento único, mas também pelas amizades com artistas renomados, como mencionamos brevemente alguns anteriormente. 

Você sabia que com Oscar Niemeyer ele trabalhou no Palácio do Itamaraty e no Museu de Arte da Pampulha?

Roberto Burle Marx e Lucio Costa

Inclusive, em um conteúdo anterior do nosso blog sobre Oscar Niemeyer, falamos sobre o projeto de Brasília, desenvolvido por Oscar Niemeyer e Lúcio Costa, mas outro nome que trabalhou por lá foi Roberto Burle Marx. Sua visão de paisagismo foi essencial para complementar a arquitetura modernista da cidade, criando um ambiente harmonioso e inovador, onde os jardins e espaços verdes se integraram perfeitamente aos elementos arquitetônicos, reforçando a proposta de modernidade e funcionalidade.

Outra amizade famosa foi com Cândido Portinari, que como mencionamos começou com Marx sendo aluno de Portinari, passou para seu assistente, mas se tornaram parceiros e amigos trocando experiências na arte.  

Burle Marx: um legado de exemplo e inspiração

Roberto Burle Marx - Litografia “Itambirá”

Todo o conhecimento, trabalho e dedicação de Roberto Burle Marx resultaram em um legado multifacetado, no qual a pintura, o design, o urbanismo e o paisagismo são suas marcas registradas

Além disso, sua profunda conexão com a natureza brasileira é um exemplo admirado, que não só reforça a importância de sua contribuição para a arte, mas também para a preservação e valorização do meio ambiente.

Que artista incrível, não é?! Burle Marx é um verdadeiro ícone da cultura brasileira e se você quer contemplar esse artista, clique aqui e confira as belíssimas obras dele que temos em nosso acervo digital.

E se você gostou dessa história, aqui no nosso blog, você encontra muitos outros artigos. Que tal explorar mais e acessar nossas redes sociais para ficar por dentro de tudo? 

Montar uma Gallery Wall é uma maneira criativa e pessoal de incorporar arte em sua casa, refletindo seus gostos e memórias através de uma composição harmoniosa de quadros, pinturas, fotos e gravuras. Para criar sua própria galeria de arte pessoal, siga estas etapas:

1. Planejamento e Curadoria

Comece definindo um conceito que represente sua personalidade e interesses. Selecione peças significativas que tenham valor emocional ou estético para você. Escolha uma ou duas obras principais para serem o foco da composição e distribua as demais de forma complementar.

2. Estética e Significados

Considere tanto a estética quanto o significado das peças escolhidas. Intercale imagens com frases inspiradoras que reflitam seus valores, adicionando profundidade sem comprometer a harmonia visual.

3. Criação de uma Paleta de Cores

Estabeleça uma paleta de cores coerente para garantir a harmonia da composição. Por exemplo, tons dourados podem conferir um aspecto vintage, enquanto cores neutras proporcionam um visual clássico.

4. Disposição no Espaço

Antes de fixar os quadros na parede, organize-os no chão para visualizar a composição. Experimente diferentes arranjos, considerando formas geométricas e simetria. Alinhar peças de tamanhos variados pode criar um efeito visual coeso e interessante.

5. Formas e Texturas Diversificadas

Para adicionar dinamismo, inclua elementos com diferentes formas e texturas, como peças têxteis, objetos arredondados ou itens com formatos únicos que se complementem.

6. Escolha das Molduras

A seleção das molduras é crucial para a unidade da Gallery Wall. Molduras de mesma cor proporcionam coesão; pretas transmitem uma atmosfera contemporânea, brancas sugerem um estilo clássico, metálicas adicionam um toque de luxo, e douradas evocam um sentimento vintage. Se preferir um estilo mais eclético, misture diferentes molduras que dialoguem entre si dentro do tema escolhido.

Seguindo essas orientações, você poderá criar uma Gallery Wall que não apenas enriquece a decoração do seu espaço, mas também serve como uma expressão autêntica de sua identidade e experiências pessoais.

Se você gostou do conteúdo, o nosso blog tem mais artigos sobre histórias e tudo sobre o universo da arte. E não deixe de nos acompanhar nas redes sociais, onde sempre trazemos novidades. Nos siga por lá!

Anna Maria Maiolino

Anna Maria Maiolino é uma das artistas mais influentes do Brasil, reconhecida por suas obras de características provocadoras, com temas políticos e repletas de significados. 

Sua carreira, marcada por ousadia e sensibilidade, retrata várias décadas, atravessando transformações na arte contemporânea e na sociedade brasileira.

 Ela aproveita contextos históricos para expressá-los por meio de sua arte, que é produzida em diversos meios, afinal, estamos falando de uma artista multimídia.

Então, já sabemos que há muito a ser contado sobre essa grande artista, certo? Por isso, neste artigo da Galeria Livia Doblas, vamos explorar a vida e a arte de Anna Maria.

Como foi o desenvolvimento artístico de Anna Maria Maiolino?

Anna Maria Maiolino jovem

Anna Maria Maiolino nasceu em Scalea, na Itália, em 1942. Aos 12 anos, mudou-se para a Venezuela, e podemos associar que suas vivências desde essa época influenciaram o tom político e expressivo de sua arte, uma vez que essa mudança foi motivada pela escassez provocada pelo pós-guerra.

E então, foi na Venezuela que ela começou a se envolver com a arte, estudando por dois anos na Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas. 

Até que em 1960, ela se mudou para o Brasil, onde começou a aprofundar seus estudos artísticos.Em 1961, iniciou o curso de gravura em madeira na Escola Nacional de Belas Artes (ENBA), no Rio de Janeiro, e se integrou à Nova Figuração, um movimento de reação à abstração e de posicionamento político frente ao contexto brasileiro da época. 

Frequentou o ateliê de Ivan Serpa no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ) e estudou gravura com Adir Botelho, em 1963.

Essas fases de aprendizado a prepararam para sua primeira exposição individual, que aconteceu em Caracas, em 1964.

Mal sabia ela que essa seria a primeira de muitas exposições, de tantas relevantes, inclusive premiadas, como o prêmio de Melhor Mostra do Ano, concedido pela Associação Brasileira de Críticos de Arte (ABCA), pela exposição individual realizada em 1989.

Assim foi o começo de Anna Maria Maiolino que se consolidou como uma artista influente, de grande renome, inclusive na arte brasileira. E é sobre esse tópico que vamos falar a seguir. 

Anna Maria Maiolino na arte Brasileira:

Anna Maria Molino - Fotopoemação “Entrevidas” exposta nas ruas do Rio de Janeiro

Maiolino fez parte da geração de artistas da década de 1960 que queria romper com as normas da arte brasileira, ao mesmo tempo em que refletia sobre os contextos sociais e políticos da sua época. Sempre desafiando convenções, ela usava elementos da cultura brasileira, suas raízes italianas e a experiência de vida no Brasil como bases para sua criação.

Influenciada pelo movimento concretista e pela arte de vanguarda, Anna Maria foi uma daquelas figuras ativas na resistência contra a ditadura militar no Brasil, sabe? E, para isso, usou a arte como uma ferramenta de subversão e crítica social. E foi assim que ela participou de exposições importantes e ganhou notoriedade na cena cultural brasileira.

Uma de suas primeiras participações de destaque foi na exposição Opinião 65, no Rio de Janeiro, onde começou a ser reconhecida como parte do novo movimento de artistas que questionavam a arte tradicional.

E, convenhamos, a sua arte realmente foge do tradicional, é especial! Cheia de identidade, significado, expressão visual e um forte contexto histórico. E, com essas características tão poderosas, não podemos deixar de falar mais sobre ela, certo? Então, vamos explorar ainda mais a arte de Anna Maria Maiolino no próximo tópico.

Características da arte de Anna Maria Maiolino:

Anna Maria Miolino - Exposição “Arroz e Feijão”

Anna Maria Maiolino é uma artista multimídia, pois, embora tenha começado sua trajetória com a pintura, logo se aventurou em outras formas de expressão. Foi uma das pioneiras no uso de técnicas não convencionais, misturando materiais, influências e formatos.

Reconhecida internacionalmente, sua produção visual abrange desde o desenho até a escultura, a instalação, e também inclui performance e vídeo.

Ao longo de sua carreira, Maiolino estabeleceu uma forte conexão entre suas obras e suas experiências pessoais, unindo a arte à memória e ao cotidiano.

Anna Maria Miolino - Serigrafia

Por isso, suas gravuras e outras obras são marcadas por grande sensibilidade, uso de diversas linguagens e uma carga emocional intensa.

O que Anna Maria Maiolino inspira:

Anna Maria Miolino - Serigrafia

Anna Maria Maiolino continua a ser uma referência no mundo da arte. Inclusive, no ano passado, recebeu o Leão de Ouro pelo conjunto da obra na 60ª edição da Bienal de Arte de Veneza. O que prova que a sua trajetória segue sendo admirada, e que ela é uma referência para artistas contemporâneos e para aqueles que buscam uma maneira de se expressar na arte de maneira autêntica.

Maiolino demonstrou como o artista tem o poder de questionar, provocar e, ao mesmo tempo, acolher o espectador em uma jornada introspectiva. Ao olhar suas obras, podemos sentir como um convite para refletir sobre o mundo e sobre nós mesmos.

Um conselho é quem busca compreender mais sobre a arte contemporânea e a evolução da arte no Brasil, não pode deixar de conhecer o legado de Anna Maria Maiolino. 

Anna Maria Maiolino - Gravura

Então, se você quiser contemplar algumas das gravuras feitas pela artista, temos em nosso acervo digital, clique aqui e confira!

E, se gostou deste conteúdo que preparamos, nosso blog está cheio de outros temas sobre o mundo da arte, modos de fazer arte e muito mais, é um espaço completo para uma boa leitura inspiradora.

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Aldemir Martins - Gatos ao Fundo

O artista Aldemir Martins, nascido em 1922, foi um dos brasileiros mais relevantes do cenário artístico do século XX. Dentre vários fatores, podemos destacar que seu talento se tornou palpável através de várias formas de arte, desde a pintura, até a gravura e a escultura, mas para todos que conhecem um pouco mais de seu trabalho, é muito fácil de identificar que um de seus temas mais característicos foram os gatos. Os gatos de Aldemir Martins são, sem sombra de dúvidas, um ícone de seu trabalho, e que serviu para marcar seus trabalhos como um dos mais importantes da história da arte brasileira, cativando colecionadores e amantes da arte até hoje, mesmo após sua partida.

Mas partindo para o tema do artigo de hoje do Blog da Galeria Livia Doblas, porque Aldemir Martins pintava gatos? Quais são seus gatos mais famosos? Como seus marcantes traços trouxeram os gatos para a história da arte brasileira? Vamos trazer um pouco mais dessas e de outras questões e entender a importância dos gatos em sua produção artística.

Aldemir Martins - Gato com Bola - Serigrafia

Os primeiros Gatos na Obra de Aldemir Martins

Os gatos e Aldemir Martins começaram a se interessar um pelo outro de forma natural, até porque, Aldemir gosta de trazer elementos do dia a dia para suas telas. Desde jogadores de futebol, até elementos da cultura nordestina, sempre trazendo cores vivas através de seus traços.

Porém, o primeiro gato foi pintado por Aldemir Martins a partir de um pedido de uma cliente especial, que queria que ele retirasse seu gato para ela. O pedido ocorreu após a senhora olhar com cuidado para todas as obras que ele tinha em seu acervo, mas a cliente teria preferido a pintura de seu gato por ser algo diferente do que ele tinha ali, no momento.

Aldemir pediu 15 dias para produzir o gato da senhora, mas finalizou em 2 e o vendeu no mesmo dia, mas para outra senhora. A partir daí, viu que os gatos poderiam ser uma de suas grandes marcas na pintura. Durante o prazo pintou e vendeu inúmeros gatos para outras senhoras, e claro, entregou a encomenda para sua cliente especial, que pediu pela primeira vez.

Aldemir Martins - Gato Big - Serigrafia

As técnicas de Aldemir Martins para produzir os gatos

Apesar de serem um tema primordial para a carreira e para a relevancia de Aldemir Martins, seus gatos, tecnicamente, fazem parte de seu trabalho como um todo, seus traços são implementados de forma fluida, e seus cores são, como o restate de seu trabalho, extremamente vivas e alegres.

Aqui vão algumas das características dos gatos e das obras de Aldemir Martins como um todo:

Linhas marcadas e livres: o contorno dos gatos e das figuras é geralmente delineado por traços em preto, o que delimita os gatos e retira-os do fundo da tela.

Olhos marcantes: como uma caricatura, seus gatos tem olhos e detalhes expressivos, muitas vezes trazendo um ar reflexivo.

Cores alegres e vibrantes: Aldemir Martins trazia cores com tons muito vivos, o vermelho, o azul, o amarelo e o laranja aparecem muitas vezes e dão contraste para seus gatos.

Formas simples: apesar dos traços marcantes e das cores, Aldemir trouxe os gatos de forma simples, remetendo ao modernismo.

Aldemir Martins - Gato Alone - Serigrafia

A Relação Entre Gatos e a Arte Brasileira

Aldemir Martins não foi o único artista brasileiro a representar gatos em suas obras, mas ele certamente elevou essa temática a um novo patamar. Os felinos, frequentemente associados ao mistério, independência e elegância, sempre exerceram um fascínio sobre artistas de diferentes épocas e estilos.

Na arte popular, gatos são representados de forma lúdica e estilizada, enquanto na arte acadêmica podem surgir em retratos mais realistas. No caso de Aldemir Martins, seu estilo único conseguiu unir essas abordagens, tornando seus gatos ao mesmo tempo sofisticados e acessíveis ao grande público.

Aldemir Martins - Gato Laranja - Serigrafia

O Legado dos Gatos de Aldemir Martins

Hoje, as pinturas de gatos de Aldemir Martins são altamente valorizadas no mercado de arte. Seu estilo marcante e sua paleta vibrante continuam a encantar colecionadores e entusiastas da arte. Além disso, sua abordagem inovadora influenciou novas gerações de artistas brasileiros que passaram a explorar temáticas do cotidiano com um olhar mais expressivo e colorido.

Os gatos de Aldemir Martins se tornaram um símbolo de sua obra, se tornaram um reflexo de sua visão artística sensível e apaixonada pela cultura brasileira. Seu legado permanece vivo, inspirando aqueles que encontram nos traços soltos e nas cores vibrantes dos felinos uma fonte inesgotável de beleza e emoção.

Mesmo que após o primeiro pedido de uma cliente, Aldemir Martins continuou a pintar gatos repletos de cor e emoção, Seu trabalho foi capaz de transformar os felinos em protagonistas de um universo artístico singular e inconfundível. Seja pela técnica, pela escolha cromática ou pelo traço marcante, seus gatos seguem cativando olhares e reforçando seu status como um dos grandes nomes da arte brasileira.

Aldemir Martins - Gato Preto - Serigrafia

Se você deseja conhecer mais sobre a obra de Aldemir Martins ou adquirir uma peça inspirada em seus gatos, clique aqui e veja Os Gatos de Aldemir Martins que estão disponíveis na Galeria Livia Doblas.

Se quiser saber mais curiosidades como essa, fique ligado no Blog da Galeria Livia Doblas, aqui trazemos muitas novidades e temas relevantes sobre o cenário artistico brasileiro e mundial.

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Oscar Niemeyer - Museu Oscar Niemeyer

Hoje vamos falar de Oscar Niemeyer, um nome que dispensa apresentações, apenas valorização e reverência pelo seu trabalho. 

Oscar Niemeyer é um nome da arquitetura mundial, afinal, em diversos lugares no mundo vemos formas ousadas, curvas clássicas e uso inovador do concreto de Niemeyer.

Foi assim que ele se tornou um dos principais responsáveis por redefinir o estilo arquitetônico moderno no Brasil e no mundo. 

E, por isso, como mencionamos, é um nome de peso, que sempre tem que ser falado, então neste post, vamos explorar sua carreira, os marcos de sua trajetória e algumas das obras que tornaram seu nome eternamente ligado à história da arquitetura.

A carreira de Oscar Niemeyer: como começou e como se consolidou?

Oscar Niemeyer nasceu em 1907, no Rio de Janeiro. Aos 22 anos, ingressou na Escola Nacional de Belas Artes do Rio e se formou em Engenharia e Arquitetura em 1934. No ano seguinte, iniciou sua carreira profissional no escritório de Lúcio Costa, onde recebeu uma importante missão: integrar a equipe responsável pelo projeto do Ministério da Educação e Saúde (MES), ao lado de Carlos Leão, Affonso Eduardo Reidy, Jorge M. Moreira e Ernani Vasconcelos.

Oscar Niemeyer no começo da carreira

Com apenas três anos de carreira, Niemeyer já assinava seu primeiro grande projeto, a obra do Berço, no Rio de Janeiro. E esse era apenas o começo mesmo. 

Em 1940, teve mais um passo importante ao conhecer o então prefeito de Belo Horizonte, Juscelino Kubitschek, que o convidou para projetar o Conjunto da Pampulha.

Com trabalhos realizados, círculo de amigos renomados da arte, política e arquitetura, sua fama começou a se espalhar mundialmente, e em 1950, foi convidado a integrar o Comitê Internacional de Arquitetos para desenvolver o projeto da sede da ONU, em Nova Iorque. 

Oscar Niemeyer com Comitê Internacional de Arquitetos projetando a sede da ONU

E podemos dizer que a década de 1950 foi um marco na sua carreira. Nesse período, também recebeu outro convite muito importante de Ciccillo Matarazzo para projetar o Parque do Ibirapuera, em São Paulo.

E, lembrando do seu primeiro contato com Juscelino Kubitschek,Niemeyer foi novamente chamado por ele, que desta vez já era presidente, para participar do projeto da nova capital do Brasil.

Ao aceitar, Niemeyer foi nomeado diretor do Departamento de Urbanismo e Arquitetura da Novacap, e se tornou responsável por diversos projetos fundamentais de Brasília, como o Palácio da Alvorada, o Congresso Nacional, o Palácio do Planalto e o Supremo Tribunal Federal.

A partir daí, Niemeyer se tornava o arquiteto que conhecemos hoje, que na época estava à frente de trabalhos que hoje são legados no mundo todo. 

Embora seja impossível listar cada um deles, é claro que vamos destacar alguns que marcaram sua carreira.

Projetos importantes de Oscar Niemeyer

Como mencionamos, falar da carreira de Niemeyer é falar da maestria de arquitetura e arte andando juntas, então vamos exaltar algumas e suas características aqui:

1 . Brasília(1960)

Brasília vista de cima como um desenho de um avião

Em 21 de abril de 1960, Brasília foi inaugurada, apresentando-se ao mundo e à sua população como um marco da modernidade urbana. Com o projeto urbanístico de Lúcio Costa e o projeto arquitetônico de Oscar Niemeyer, a nova capital surgia com formas inovadoras, rompendo com todos os modelos de cidades até então conhecidos.

Afinal, quem poderia imaginar uma cidade “desenhada” em formato de cruz, com seu eixo norte-sul suavemente arqueado, sugerindo o formato de um avião? Lúcio Costa fundamentou sua proposta em dois princípios essenciais: a setorização das atividades e o uso de uma técnica rodoviária que praticamente eliminava cruzamentos.E assim, surgiu uma cidade que, hoje, é reconhecida como uma das mais organizadas estruturalmente no mundo.

2. Palácio do Planalto (1960)

Palácio do Planalto 

O Palácio do Planalto, sede do Poder Executivo brasileiro, também faz parte do complexo de Brasília. Com linhas simples, mas impactantes, o edifício reflete a filosofia de Niemeyer de utilizar a modernidade para destacar a beleza funcional.

3. Sede da ONU (1962)

Sede da ONU, em New York

Em sua carreira internacional, Niemeyer também projetou a sede da ONU em Nova York. Embora o projeto tenha sido resultado de um trabalho colaborativo, a contribuição de Niemeyer foi essencial, principalmente no desenho das icônicas formas curvas do edifício.

 4. Edifício Copan (1966)

Edifício Copan

O Edifício Copan, ou simplesmente Copan, é um dos mais icônicos e significativos marcos arquitetônicos da cidade de São Paulo. Foi inaugurado em 1966 e rapidamente se tornou um símbolo da arquitetura moderna brasileira. O edifício foi idealizado como parte das celebrações do Quarto Centenário de São Paulo, destacando-se por suas linhas sinuosas e inovadoras que rompem com os padrões tradicionais da época, ou seja, clássicos de Niemeyer. 

5. Museu de Arte Contemporânea de Niterói (1996)

Museu da Arte Contemporânea de Niterói

O Museu de Arte Contemporânea (MAC), localizado em Niterói, é outro exemplo das incríveis formas futuristas de Niemeyer. O edifício tem um design de uma única peça, com uma base circular e uma estrutura que se eleva sobre um pedestal, como se fosse uma nave espacial pousando na cidade.

Muito além de um arquiteto, Oscar Niemeyer foi também artista

Igreja da Pumpulha

Oscar Niemeyer trabalhava a arquitetura como uma ferramenta para transformar a vida das pessoas, sempre priorizando a funcionalidade, mas sabemos: sem jamais abrir mão da beleza estética. 

Seu olhar atento para o urbanismo também se refletia em muitos de seus projetos, integrando harmoniosamente espaços arquitetônicos e áreas públicas. O Parque Ibirapuera, em São Paulo, é um exemplo vivo dessa integração, combinando formas inovadoras com a convivência urbana.

Sua abordagem se distanciava da rigidez das linhas retas, explorando as possibilidades criativas das formas orgânicas. Ao contrário de outros arquitetos modernistas, Niemeyer não se limitava a estruturas geométricas puras. Para ele, a curva era a expressão máxima da liberdade, da leveza, características que tornaram suas obras únicas e inconfundíveis.

Assim, Niemeyer não apenas projetou edifícios, mas criou verdadeiras obras de arte para serem admiradas e vivenciadas. Brasília é um exemplo emblemático dessa visão: uma cidade onde cada detalhe encanta os olhos e, ao mesmo tempo, serve de forma prática e funcional à sua população.

Oscar Niemeyer - Mulher deitada - Serigrafia

Além dos projetos arquitetonicos, o artista também produziu gravuras e obras de arte que hoje tem muito valor no meio artístico. As gravuras de Oscar Niemeyer trazem muito de seu olhar arquitetonico, além de claro, seu estilo. As curvas são o grande ponto das obras, com seus traços característicos e linhas que trazem perspectiva e movimento às suas obras.

Oscar Niemeyer - Figura Feminina II - Serigrafia

O Legado de Oscar Niemeyer

Sede da editora italiana Mondadori

Oscar Niemeyer é, sem dúvida, um gênio da arquitetura, que transformou, principalmente, o design moderno brasileiro, o elevando à categoria de arte reconhecida mundialmente. 

Seu legado vai além de suas obras, pois sua visão inovadora e ousada é também um ensinamento e inspiração. Com sua abordagem única e intransigente, Niemeyer deixou um marco, que reflete não apenas sua genialidade, mas também sua profunda paixão pela arte e pelo Brasil.

Que pessoa extraordinária e trabalho admirável, não é verdade? Para nós, apreciadores da arte, é um grande privilégio poder destacar esse renomado talento brasileiro por aqui.

E assim como a história de Oscar Niemeyer, aqui no nosso blog contamos muitas outras histórias de artistas, com curiosidades e fatos interessantes. Dê uma conferida, é um ótimo passatempo!

Se você aprecia boa arte, nosso acervo de gravuras está esperando por você. São obras de artistas que fizeram e continuam a fazer história.

 E, claro, para ficar por dentro de tudo, não deixe de acompanhar nossas redes sociais.

Graffitis no MAAU, o Museu Aberto de Arte Urbana de São Paulo

O grafite é uma das expressões artísticas mais marcantes, reflexivas e, consequentemente, expressivas e significativas da arte urbana dos dias atuais. No Brasil, o grafite chega através do movimento hip-hop, e ganha respeito a partir do momento em que começa a ser visto internacionalmente, e com o reconhecimento de dois importantes nomes da arte urbana brasileira, “Os Gêmeos”. 

Além da arte pela arte, das cores, das pinturas, dos desenhos e do belo, o grafite traz e se mostra como um símbolo de resistência, como uma identidade cultural que traz capacidade de transformação social. 

Neste artigo do Blog da Galeria Livia Doblas, traremos tudo que você que deseja conhecer mais do grafite precisa saber para entender do tema. Dos principais artistas e obras icônicas, até a sua influência no cenário artístico brasileiro como um todo, e como um mercado dentro de galerias de arte.

Como o Grafite surgiu

As raízes do grafite nascem, como você já deve imaginar, das ruas, surgindo no final da década de 1960, em Nova Iorque, no bairro do Bronx. Primeiramente, o grafite tinha o objetivo de protesto e como forma de se expressar, algo que nunca foi perdido, mesmo com o decorrer de décadas. Na época, principalmente jovens, marcavam seus nomes em espaços públicos, algo que hoje é conhecido apenas como pichação. Porém, podemos dizer que hoje, a pichação e o grafite tomaram meios opostos, o que um vai da expressão ao vandalismo, o outro já visto como a essência da arte. Junto a isso, é notório que o movimento do grafite ganhou, e muito, em estética e elementos técnicos quando analisados artisticamente.

Os Gêmeos - Obra no MAM de São Paulo

No Brasil, o surgimento do grafite ocorre ao final dos anos 1970, em São Paulo, também em conjunto com o movimento Hip-Hop, já que é uma das formas de arte do movimento. Por aqui, também há a curiosidade de que o grafite serviu muitas vezes como forma de marketing e de chamar atenção para muitos pequenos comércios da cidade de São Paulo, que não tinham condições de trazer seus nomes ou suas marcas em outdoors e propagandas mais específicas.

Hoje, o Beco do Batman é um dos locais mais visitados da cidade, e traz grafites de inúmeros artistas.

Beco do Batman em São Paulo

Os Primeiros Grafites no Brasil

Como dissemos no parágrafo anterior, as primeiras expressoes do grafite no Brasil se deram na cidade de São Paulo, também foi pela cidade que o grafite tomou forma e ganhou reconhecimento nacional. Um dos responsáveis pela inserção do movimento e pelo ganho de reconhecimento do grafite foi Alex Vallauri, que inseriu seus famosos trabalhos pela cidade a partir dos anos 1980. Um de seus trabalhos mais reconhecidos é a personagem “A Rainha do Frango Assado”, que tinha o objetivo de protesto, ironizando o consumismo e a cultura de massa.

​​

Alex Vallauri - Rainha do Frango Assado

Artistas Brasileiros que Fizeram História no Grafite

Através dessa história, o Brasil foi se transformando em um grande celeiro de talentos do grafite, alguns dos grandes nomes ganharam reconhecimento global. Podemos destacar alguns deles:

Os Gêmeos

A dupla de irmãos Gustavo e Otávio Pandolfo, conhecidos como Os Gêmeos, é referência mundial no grafite. Suas obras são marcadas por personagens oníricos, com tons vibrantes e traços marcantes. Já expuseram em galerias de arte renomadas, como a Tate Modern, em Londres, e realizaram murais em diversas partes do mundo.

Grafite de Os Gêmeos em São Paulo

Eduardo Kobra

Com sua técnica hiper-realista e o uso de cores vibrantes, Eduardo Kobra é um dos grafiteiros mais prestigiados do Brasil. Seu mural "Etnias", criado para os Jogos Olímpicos do Rio 2016, é um dos maiores do mundo e carrega uma forte mensagem sobre diversidade cultural.

Grafite de Eduardo Kobra em frente a ONU

Speto

Um dos precursores do grafite no Brasil, Speto mescla referências do cordel nordestino com técnicas do grafite tradicional, criando uma identidade única e muito valorizada no mercado de arte.

Grafite de Speto

Obras de Grafite Brasileiras Reconhecidas Mundialmente

O Brasil abriga algumas das mais impressionantes obras de grafite do mundo. Entre as mais icônicas, destacam-se:

• Mural “Etnias” (Eduardo Kobra, Rio de Janeiro): O maior mural de grafite do mundo, criado para os Jogos Olímpicos de 2016.

• Murais dos Gêmeos (Vários locais no Brasil e no exterior): A dupla possui trabalhos em cidades como São Paulo, Rio de Janeiro, Nova York e Lisboa.

• Painel da 23 de Maio (São Paulo): Um dos maiores projetos de arte urbana do Brasil, com murais assinados por diferentes artistas, incluindo Kobra, Nunca e Speto.

• "Gigantes do Oceano" (São Paulo, por Eduardo Kobra): Homenagem à preservação dos oceanos, com uma estética impressionante e cores vibrantes.

A Relação do Grafite com Galerias de Arte

Nos últimos anos, o grafite deixou de ser visto apenas como uma manifestação de rua e passou a ocupar espaços em galerias e museus. Grandes instituições como o Museu de Arte de São Paulo, o MASP, o Museu de Arte do Rio, o MAR e o Instituto Tomie Ohtake já receberam exposições de grafiteiros renomados.

Esse reconhecimento também impulsionou o mercado de arte urbana, com obras sendo vendidas por valores expressivos. Os Gêmeos, por exemplo, possuem trabalhos em coleções particulares e leilões internacionais, consolidando a valorização do grafite no cenário artístico global.

Sabendo um pouco mais sobre o grafite e sua história, podemos ter o entendimento que ele é muito mais do que apenas uma manifestação artística, ele ultrapassa a arte e, cada vez mais, se transforma em uma ferramenta social, de resistência e de inserção cultural.

Além disso, o mercado de arte no grafite também ultrapassou a barreira da arte pela arte. Hoje grafiteiros no mundo inteiro recebem patrocínios e são tratados algumas vezes como celebridades e suas obras podem chegar a valores extremamente significativos.

Voltando à sua capacidade de transformação, o grafite continua a modificar o dia a dia da cidade e trazer reflexão ao dia a dia das pessoas, inspirando novas gerações e se tornando cada vez mais importante para a arte brasileira dentro e fora do país.

Se você gostou deste artigo do Blog da Galeria Livia Doblas, acesse aqui tudo que trazemos sobre o mundo da arte. Se preferir, siga-nos através de nossas redes sociais e veja tudo que a galeria está trazendo de novidade para você.

“Os Gêmeos - artistas Gustavo e Otávio

Falar sobre Os Gêmeos é falar sobre fenômenos. Isso porque estamos falando dos irmãos Otávio e Gustavo Pandolfo, dois dos artistas mais renomados do Brasil, com uma trajetória famosa mundialmente.

A arte deles é excêntrica, marcante, com uma identidade visual única, que mistura street art com elementos da cultura brasileira, que podemos dizer que é uma combinação de sucesso. 

Mas como surgiu essa arte? Essa é uma das coisas que você vai descobrir ao continuar lendo esse artigo da Galeria Livia Doblas, em que vamos explorar as origens e a relevância deles no cenário global da arte. 

Como os gêmeos começaram na arte? 

Nascidos em São Paulo, em 1974, Os Gêmeos se interessaram pelo mundo da arte desde muito cedo. 

Incentivados pelos pais, os irmãos cresceram desenhando e acompanhando de perto os movimentos artísticos que surgiam no centro de São Paulo, essenciais para o desenvolvimento de seu trabalho.

Os gêmeos com seus pais na infância

Além disso, como todos os jovens dessa época, eles viviam a influência do hip hop, dos dançarinos de break e da cultura de rua foi fundamental, já que esses estilos marcaram quem cresceu no cenário paulistano do final dos anos 1980 até os anos 1990, e essas vivências serviram de estímulo criativo e inspiração para eles. 

Assim, crescendo em um ambiente onde a cultura urbana era muito presente, logo se uniram para explorar sua criatividade.  

E então, pode-se dizer que a cena de rua paulistana foi crucial para o desenvolvimento do estilo único que os tornaria mundialmente conhecidos.   

Dessa forma, nasceu uma arte única, capaz de expressar criatividade e imaginação de forma questionadora, mostrando muita cultura, o Brasil e, claro, evidenciando um enorme talento artístico. E é sobre esse estilo dos Gêmeos que vamos falar mais a seguir. 

Como são as obras dos Gêmeos?

Como mencionamos no início, é uma mistura de Street Art e Cultura Brasileira que é um grande sucesso. 

Por isso, a arte dos Gêmeos é inconfundível, com uma estética que remete ao grafite tradicional, mas com um toque de surrealismo e elementos oníricos que fazem suas obras se destacarem. 

E claro, há uma forte conexão com a música, especialmente o hip-hop, o que aparece em muitos de seus trabalhos. 

Além disso, as obras dos Gêmeos representam o Brasil de diversas formas. Através do grafite, transmitem o amor por São Paulo e pelo Brasil, ao mesmo tempo que abordam as indignações relacionadas à realidade social e política que vivenciam. 

Grafite de Os Gêmeos como manifestação

Tudo isso é feito com autenticidade. É impossível olhar para uma arte dos Gêmeos e não reconhecer a assinatura deles, devido aos elementos únicos que sempre marcam suas criações. 

O uso de cores vibrantes, figuras humanas e traços marcantes nos personagens são algumas das características que tornam suas obras tão especiais. 

Os Gêmeos - Ópera da Lua

Inclusive, uma das características mais clássicas são os personagens de cor amarela. Se você conhece a obra desses irmãos, já se perguntou o significado dessa marca? Vamos explicar a seguir.  

Qual o significado da cor amarela dos personagens dos gêmeos?  

Personagem amarelo na obra The Other Side

Em uma entrevista para o UOL, Gustavo revelou que o amarelo é uma cor considerada universal e muito espiritual. 

A intenção era exatamente marcar uma característica no trabalho deles, algo que quem observa facilmente reconhece. No começo, essa preocupação era constante: buscar um estilo único, uma autenticidade na arte. 

Assim, para criar algo que remetesse facilmente aos artistas, não apenas pelo traço, mas também pela cor, os personagens amarelos nasceram.  

A Conexão dos Gêmeos na criação da Arte 

Autorretrato de Os Gêmeos

Muito mais do que falar sobre as características da arte dos Gêmeos, precisamos refletir sobre como é criar algo em conjunto, por duas pessoas, e como isso dá tão certo. 

E a resposta é mostrada por eles: muita conexão. 

Isso pode até ser algo que muitos irmãos gêmeos têm, inclusive há uma linguagem própria chamada de criptofasia, que é uma conexão inexplicável entre eles. 

E essa conexão parece ser o segredo por trás da parceria artística dos dois. Inclusive, os Gêmeos contam uma história da infância que exemplifica isso.  

Quando crianças, estudavam separados, e eles participaram de um concurso de desenho e, mesmo sem combinar, fizeram o mesmo desenho nas duas salas. 

Ou seja, desde cedo, as mentes deles já mostravam que podiam trabalhar juntas, como uma verdadeira ligação e parceria. 

Os Gêmeos em uma criação de grafite

Os dois juntos parecem se complementar, inclusive relatam que um já sabe o que o outro vai desenhar.  

E que sorte a nossa essa parceria, talento e conexão, não é?! Aliás, é uma verdadeira sorte para o mundo, pois eles conquistaram o mundo. 

A arte dos Gêmeos: referência da art street 

Apesar de toda a história, dos laços, da representação de suas raízes e do orgulho que carregam, não demorou para que se expandissem rapidamente pelo mundo. 

Telas com obras de Os Gêmeos na famosa Times Squares, em New York

Os inúmeros muros de São Paulo que exibem seus grafites são apenas o início. Suas obras podem ser vistas também em New York, Londres, Canadá, Tóquio e Buenos Aires. O reconhecimento internacional veio não apenas pelo talento, mas pela originalidade e profundidade cultural que imprimem em suas criações. 

Com tantas exposições em museus renomados e intercâmbios com artistas de destaque, tornaram-se referência no universo da street art. 

Mural em Tóneis de Os Gêmeos na Bienal de Vancouver, no Canadá.

Dessa forma, observamos artistas brasileiros que, ao expressar a beleza urbana e as diversas culturas, conquistam espaço nos museus mais prestigiados do mundo e nas coleções mais criteriosas. 

Assim, contemplamos uma arte brasileira cheia de significado: união, parceria e representatividade refletidas em um verdadeiro fenômeno. 

Os Gêmeos transformaram a forma como vemos o grafite e a street art no cenário contemporâneo.  

Se você ainda não conhecia todos esses capítulos dessa história, temos certeza de que, ao ver suas obras, você dará ainda mais significado a elas. 

E se gosta de conteúdos sobre a história dos artistas e da arte, aproveite para explorar o nosso blog, temos muitas histórias incríveis por aqui. 

Além disso, nosso acervo digital conta com gravuras de artistas renomados. Se você é apaixonado por arte, vale a pena conferir. Quem sabe a obra que você tanto procura esteja esperando por você? Clique aqui e descubra! 

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Aldemir Martins, um dos grandes nomes da arte figurativa no Brasil

Podemos considerar a arte figurativa como um dos estilos mais antigos e clássicos da história da arte brasileira e mundial. Esse estilo de arte busca trazer uma representação real, caricata, ou até mesmo distinta de figuras conhecidas, tanto de pessoas, de animais ou até mesmo de paisagens e cidades e objetos. Como um contraponto da arte abstrata, a arte figurativa possui e tem o objetivo de criar uma conexão visual estreita com o mundo real. Isso torna a arte capaz de causar interpretações distintas e reflexivas ao espectador sobre o que é visto, através da visão que cada um tem com o mundo exterior.

Neste artigo da Galeria Livia Doblas iremos trazer um pouco do que a arte figurativa contribuiu para o cenário artístico do Brasil e do mundo. Além disso, também abordaremos a importância da arte figurativa na evolução do mercado e nas das galerias de arte, e como técnicas da gravura, como a serigrafia, a gravura em metal e a xilogravura também foram capazes de aquecer esse mercado.

O Que é Arte Figurativa?

A arte figurativa pode ser entendida como qualquer forma de arte que retrata figuras conhecidas popularmente.

Seus estilos variam do realismo, que busca uma representação fiel da realidade, ao expressionismo figurativo, onde a subjetividade do artista influencia a maneira como as figuras são retratadas. Outros estilos incluem o impressionismo figurativo e o modernismo figurativo, que trazem novas perspectivas ao movimento tradicional.

Aldemir Martins - Elefante - Serigrafia

História da Arte Figurativa

A arte figurativa remonta às pinturas rupestres pré-históricas, onde os primeiros artistas desenhavam cenas de caça e figuras humanas. Durante a Antiguidade, egípcios, gregos e romanos desenvolveram a arte figurativa em formas mais sofisticadas, como esculturas, murais e gravuras primitivas.

Na Idade Média, o estilo tornou-se mais simbólico e religioso, com figuras estilizadas presentes em afrescos, manuscritos iluminados e gravuras em madeira. No Renascimento, a arte figurativa atingiu seu auge com artistas como Leonardo da Vinci, Michelangelo e Rafael, que buscaram a perfeição anatômica e a perspectiva tridimensional, muitas vezes utilizando a gravura para a reprodução de suas obras.

Com a chegada do impressionismo figurativo, no século XIX, e o expressionismo figurativo, no século XX, os artistas começaram a se afastar do realismo extremo e passaram a explorar emoções e novas técnicas, incluindo a serigrafia e a gravura em metal.

Diferença Entre Arte Figurativa e Arte Abstrata

Enquanto a arte figurativa se baseia na representação reconhecível do mundo real, a arte abstrata rompe com essa tradição, focando em formas, cores e composições sem referência direta a figuras concretas. Artistas como Pablo Picasso, que começou com a arte figurativa e migrou para o cubismo, exemplificam essa transição.

Técnicas e Características da Arte Figurativa

A arte figurativa abrange uma variedade de técnicas, incluindo:

• Pintura Figurativa: Óleo, acrílica e aquarela são frequentemente utilizadas para criar cenas realistas ou estilizadas.

• Escultura Figurativa: Trabalhos tridimensionais em mármore, bronze e argila retratam formas humanas e animais com precisão.

• Desenho e Anatomia: O estudo da anatomia humana e animal é essencial para a construção de figuras proporcionais.

• Gravura: A gravura é uma técnica amplamente utilizada na arte figurativa, permitindo a reprodução e disseminação de imagens. As principais técnicas incluem a serigrafia, a gravura em metal e a xilogravura.

Características marcantes da arte figurativa incluem:

• Presença de figuras reconhecíveis

• Uso de perspectiva e profundidade

• Exploração da anatomia e expressões humanas

• Fidelidade ao mundo real ou estilização subjetiva

Anna Bella Geiger - Burocracia

Grandes nomes da Arte Figurativa

Podemos citar Leonardo da Vinci que foi um dos maiores nomes do realismo e, claro, criador da icônica Mona Lisa e Michelangelo que foi escultor e pintor, e teve como uma de suas principais obras a Capela Sistina como alguns dos maiores nomes da arte clássica que de destacaram mundialmente por suas obras figurativas.

Claudio Tozzi - O Beijo

Outros artistas que se destacaram na obra figurativa e que trabalharam de forma perfeita através da técnica da gravura, são Claudio Tozzi, que utiliza a serigrafia para criar cenas urbanas vibrantes, e Marcelo Grassmann, também muito conhecido pela maneira com que teve capacidade de trabalhar através das gravuras em metal, criando muitas obras figurativas impressionantes.

Marcelo Grassmann - O Guerreiro e a Donzela

Gravuras de Aldemir Martins também trazem representações ímpares da cultura brasileira em obras figurativas, Anna Bella Geiger também explorou através da gravura e trouxe para o cenário da arte brasileira, alguns temas reflexivos e extremamente importantes. 

Aldemir Martins - Figura Feminina

Arte Figurativa contemporânea

A arte figurativa se mantém muito relevante tanto em exposições quanto em galerias de arte e museus ao redor do mundo, com artistas de grande exposições, Por isso, podemos considerá-la como uma forma artística atemporal e que com o passar dos anos, se mantém em evolução. Seja por meio do realismo clássico ou das inovações que interpretações modernas permitem, essa vertente artística continua a encantar e inspirar tanto apreciadores quanto colecionadores de arte.

Se você deseja ver mais obras de arte figurativas, acesse nosso acervo completo. A Galeria Livia Doblas possui o maior acervo de obras de artistas como Aldemir Martins que é muito reconhecido por suas obras figurativas.

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Tarsila do Amaral em sua primeira mostra individual em Paris

Se tem uma paulista que o mundo todo ouviu falar é Tarsila do Amaral, artista que uniu seu talento a um grande estudo sobre técnicas, e criou uma história para a arte de Brasil.

Poderíamos falar resumidamente que foi ela a responsável pelo Modernismo no Brasil, mas é muito pouco, pois a sua trajetória e sua obra trouxeram a definição de uma estética própria, que atravessa gerações e o que se tornou um legado para a artista.

Com isso, seu nome é uma inspiração para novos talentos. E cada grande trajetória começa em algum lugar, e é esse início que pode a tornar ainda mais inspiradora. Por isso, no próximo capítulo, vamos falar como foi o início da carreira de Tarsila do Amaral.

A trajetória de Tarsila do Amaral: da formação à novas descobertas

Autorretrato de Tarsila do Amaral

Tarsila do Amaral nasceu em 1886, em Capivari, São Paulo, e cresceu nas fazendas, mas a vida rural não a prendeu por muito tempo. Em 1902, ela foi estudar na Espanha, por lá despertou o seu interesse pela arte e ela se lançou em sua jornada artística.

Após mais de uma década, Tarsila retornou a São Paulo, realizou alguns cursos de arte, passou por diversos ateliês e conheceu artistas como Anita Malfatti. 

Em 1920, a artista seguiu para Paris, em busca de contato com a produção europeia, para se aperfeiçoar. E foi na Académie Julian, com a pintora francesa Émilie Renard, que ela teve seus primeiros contatos com a arte moderna, os dadaístas e futuristas.

Mas sua vivência em Paris foi interrompida em 1922, quando o Brasil recebeu a primeira Semana de Arte Moderna, evento do qual ela, é claro, voltou para participar. Essa participação foi crucial para o seu desenvolvimento no modernismo. Em São Paulo, Tarsila estreitou laços com nomes como Mário de Andrade, Oswald de Andrade e Menotti del Picchia.

Com esses novos amigos e Anita Malfatti, fundou o Grupo dos Cinco, onde pintaram juntos, trocaram experiências e ampliaram os horizontes da arte. 

Tarsila do Amaral - Estudo 

E então, influenciada por essas trocas, Tarsila passou a adotar cores mais ousadas e pinceladas mais marcadas, fazia retratos bem expressivos de Mário e Oswald, com cores vibrantes e gestualidade intensa, ou seja, ali já apresentava a novidade e muita autenticidade.

Em 1923, ela retorna a Paris, mas com um novo foco no aprendizado: as técnicas modernas. E é aqui que sua trajetória no modernismo realmente decola, e é sobre isso que vamos explorar no próximo capítulo.

A Arte de Tarsila do Amaral que definiu o modernismo Brasileiro

Como falamos anteriormente, Tarsila iniciou uma nova fase de estudos, focada nas técnicas modernistas. E nessa nova fase conheceu grandes nomes do modernismo e essa convivência a influencia profundamente. Durante esse período, ela teve aulas com o pintor francês Albert Gleizes, autor do primeiro grande tratado sobre o cubismo, De Cubisme (1912).

Essa convivência com intelectuais e artistas inspirou ainda mais a nova visão de Tarsila: inovadora que desafiava as convenções artísticas da época.

O que relacionava com o conceito de "Antropofagia", defendido por Oswald de Andrade, que era absorver influências externas e transformá-las com sua própria visão, para criar uma arte autêntica e original.

E então, com técnicas, estudos e trocas de experiências, Tarsila lançou sua arte modernista, caracterizada por cores vibrantes, formas geométricas e uma abstração que remetia às paisagens e culturas brasileiras.

Tarsila do Amaral - Morro da favela

Foi assim que Tarsila do Amaral se tornou uma das principais responsáveis por introduzir o Modernismo no Brasil. Sua obra fundiu influências do Cubismo e do Surrealismo com elementos da cultura popular brasileira, criando uma identidade única.

O que a obra de Tarsila do Amaral representa? 

A arte de Tarsila do Amaral é a verdadeira definição de expressão artística: estética, história e contexto. 

Tarsila do Amaral - Escada

Suas obras ilustram as paisagens, as realidades, as tradições e os mitos brasileiros, utilizando uma paleta de cores vibrante que traduz a exuberância do país. 

Destaca o uso de formas simplificadas, porém extremamente simbólicas, refletindo a identidade nacional e as transformações sociais e culturais de várias épocas.

Tarsila do Amaral - Abaporu

E não podemos falar de sua arte sem mencionar Abaporu, aquela figura humana distorcida e exagerada, com membros alongados e uma expressão que remete ao primitivismo, provocou uma nova reflexão sobre a arte brasileira. Então, não foi só uma pintura, a obra foi responsável pela definição de um novo caminho para a estética nacional.

Outro exemplo marcante é a gravura Operários, na qual Tarsila retrata o processo de industrialização em São Paulo, ilustrando a diversidade dos trabalhadores vindos de todas as partes do Brasil, para trabalhar nas fábricas.

Tarsila do Amaral - Operários

E com tanta relevância, representatividade, além de beleza, evidencia o motivo de sua arte permanecer como referência para todos que buscam criar algo inovador e, ao mesmo tempo, profundamente enraizado na cultura brasileira.

O impacto de Tarsila do Amaral: uma arte relevante para todas as gerações 

Tarsila do Amaral não só se tornou um dos nomes principais do modernismo, como um ícone internacional. 

Sua arte, que fundiu influências externas com a cultura brasileira, abriu caminho para uma nova visão e representação da identidade nacional. 

Tarsila do Amaral - Religião Brasileira

Então, não poderia ser diferente: Tarsila é um legado, que inspira gerações, e é celebrada ao redor do mundo, reafirmando a atemporalidade de sua contribuição para a arte.

Você já conhecia esses fatos marcantes da carreira de Tarsila? Admirável, não é? Para nós, é uma honra compartilhar histórias como essa!

Se você gosta de descobrir mais sobre artistas, suas obras e curiosidades do mundo da arte, nosso blog está repleto de conteúdos.

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Angelo de Aquino

Angelo de Aquino é, sem dúvida, um dos artistas mais lembrados quando se pensa em arte brasileira contemporânea e em temáticas urbanas e cultura de massa. Com uma carreira extremamente inquieta, trouxe diferentes linguagens ao seu trabalho e caminhou da figuração à abstração. Além disso, trouxe a capacidade de reflexão através de seus trabalhos, transformando o dia a dia e os fatos cotidianos em arte. Neste artigo da Galeria Livia Doblas, passaremos pela carreira de Angelo de Aquino e vamos ver um pouco mais de seus trabalhos e de sua relevância no cenário artístico.

Os Primeiros Passos na Arte

Mineiro de Belo Horizonte, Angelo de Aquino passou grande parte de sua vida no Rio de Janeiro, e foi por lá que deu os seus primeiros passos na arte. Esse início, que se deu em meados dos anos 1960, foi de extrema importância para o decorrer de sua carreira, já que houve um convívio intenso com importantes nomes da arte nacional como Rubens Gerchman, Roberto Magalhães e Antonio Dias.

A partir daí, começa a produzir obras ligadas ao urbano e à cultura popular, até meados da década de 1980. Nessa época, estava em pleno crescimento o  movimento da arte pop no Brasil, assim como o país vinha sendo transformado como sociedade e cultura, o que teve grande reflexo em seus trabalhos.

Angelo de Aquino - Pátria Amada Brasil - Serigrafia

Técnicas e Influências

Analisando a obra de Angelo de Aquino, podemos identificar uma evolução constante e uma inquietude pela inserção de técnicas e pela sucessão de temáticas e movimentos, mesmo que a essência de seu trabalho esteja diretamente relacionada ao popular. 

Através dessa personalidade, foi inserido o personagem “Rex”, um cachorrinho que se abrigou em suas telas durante boa parte de sua carreira, e que para muitos críticos tem tudo a ver com algumas ligações e referências ao mundo das histórias em quadrinhos.

Angelo de Aquino - Rex Dirigindo

Tecnicamente, “Rex” também pode servir para analisarmos a evolução técnica de Angelo de Aquino. Isso acontece porque em suas primeiras telas, podemos ver obras mais simples, com trabalhos mais estreitos ao gráfico, mas que mudou e evoluiu com o passar dos anos, com o tempo, as cores ganharam papel importante em suas obras, assim como a inserção de diferentes técnicas para a conclusão dos trabalhos.

Outra curiosidade muito relevante para a análise de seu trabalho é a utilização de frases em suas telas, gerando reflexão e de certa forma, saindo do padrão do que era visto até o momento no cenário artístico brasileiro. O uso de texto em conjunto com o desenho, com a pintura ou com as gravuras de Angelo de Aquino pôde trazer outra forma de dimensão quase editorial ao seu trabalho e o trazendo para perto da arte conceitual.

Então, podemos analisar que Angelo de Aquino experimentou de forma constante o diferente, e excêntrico, assim como diferentes técnicas e materiais. Suas gravuras também podem ser vistas da mesma forma.

Angelo de Aquino - Tela com Frase

O Rex de Angelo de Aquino

Tema de inúmeras obras do artista, o cachorrinho Rex, personagem criado por Angelo de Aquino em 84, como dissemos nos parágrafos anteriores, é uma de suas grandes marcas. Talvez, possamos considerar “Rex” como o personagem principal, de uma fase figurativa do artista.

Angelo de Aquino - Cachorrinho Rex

Legado e Relevância de Angelo de Aquino

Angelo de Aquino faleceu em 2007, mas sua obra é referência no cenário artístico brasileiro. Seu legado entre artistas e designers gráficos é amplamente relevante e as galerias comercializam suas obras que são de grande interesse para os amantes da arte no Brasil.

Além disso, o artista trouxe uma forma única de diálogo entre o cotidiano, a cultura popular e a arte, o que para muitos críticos é o ponto alto de seu trabalho, tornando suas obras atemporais.

Se gostou de saber um pouco mais sobre a carreira de Angelo de Aquino, clique aqui para ver o acervo completo da Galeria Livia Doblas com obras de sua autoria.

Para saber mais sobre a carreira deste e de outros artistas, se mantenha ligado em nosso blog e em nossas redes sociais, por lá traremos todas as novidades do cenário da arte brasileira e mundial.

A arte brasileira é marcada por uma rica diversidade de expressões, influências e representações que retratam nossa identidade cultural. Entre os muitos artistas que ajudaram a construir esse mosaico, Aldemir Martins é um nome que se destaca com sua obra vibrante e repleta de vida. E entre as muitas séries que compõem seu legado, “Os Galos” ocupam um lugar especial.

Aldemir Martins, nascido em 1922, no Ceará, foi um dos grandes mestres da pintura e da ilustração no Brasil. Sua trajetória foi marcada por um profundo amor às cores, às formas e à cultura popular. Martins trazia em suas telas a essência do Nordeste, revelando sua paixão pelas paisagens, fauna, flora e pelas pessoas da região. Mas é nos galos, um símbolo emblemático em sua obra, que essa conexão com suas raízes é mais evidente.

A Simbologia dos Galos

O galo é uma figura recorrente na cultura nordestina e brasileira. Ele representa, entre outras coisas, coragem, vigor, luta e a esperança de um novo dia. No universo de Aldemir Martins, os galos ganham vida através de traços marcantes, expressões vibrantes e uma explosão de cores que traduzem o calor e a energia do Brasil.

Cada galo pintado por Aldemir é único. Suas cristas avermelhadas, penas estilizadas e poses altivas refletem a singularidade de sua visão artística. Esses galos não são apenas animais; são personagens que contam histórias e evocam sentimentos de identidade e pertencimento.

A Paleta de Cores e o Estilo Vibrante

Uma das características mais marcantes de Aldemir Martins é sua paleta de cores. Ele não tinha medo de ousar, combinando tons quentes e frios de maneira harmônica e surpreendente. Nos galos, vemos tons de vermelho, laranja, amarelo e azul se mesclarem em um balé cromático que captura o olhar e desperta emoções.

Seu estilo é marcado por um traço firme e decidido, que confere personalidade a cada obra. Há uma energia dinâmica em suas pinturas, uma sensação de movimento e vitalidade que transforma o simples em extraordinário.

Os Galos na Galeria Livia Doblas

Na Galeria Livia Doblas, temos o prazer de celebrar a obra de Aldemir Martins e, em especial, sua série dedicada aos galos. Cada tela é um convite para mergulhar na rica imaginação do artista e se conectar com a cultura brasileira de forma única.

Os galos de Aldemir Martins não são apenas pinturas; são verdadeiros ícones de uma arte que pulsa com a energia do Nordeste e do Brasil. Eles são um lembrete do poder transformador da arte e da importância de preservar nossas tradições e valores culturais.

Convidamos você a visitar nossa galeria e apreciar de perto essas obras que são um marco na história da arte brasileira. Deixe-se encantar pelos galos de Aldemir Martins e descubra o quanto a arte pode transformar a forma como enxergamos o mundo e a nós mesmos

As paisagens singulares e tradições nordestinas inspiram formas de fazer Arte

O Nordeste do Brasil é uma região repleta de identidade e história, e sua arte reflete a diversidade e a riqueza cultural desse vasto território.

É inegável, há paisagens que só podem ser encontradas nessa região, marcadas pela aridez do sertão e pelas tradições vibrantes e coloridas.

Por si só, já é arte, mas o Nordeste também se tornou uma fonte inesgotável de inspiração para artistas, que transformaram essas belezas, culturas e a história da região em gravuras.

Entre as representações mais populares em gravuras estão as que retratam o sertão, carregando um forte contexto histórico, nostálgico e simbólico. E é sobre o sertão na arte que vamos falar mais no parágrafo a seguir.

O Sertão nordestino: repleto de história e beleza 

Sertão Nordestino

Como falamos, o Nordeste é único, e o sertão nordestino, com sua terra seca, cactos e vastas extensões de chão rachado pelo sol, demonstra essa singularidade da região, representando mais do que um cenário natural.

Para os artistas, esse ambiente árido se torna uma rica fonte de inspiração, permitindo expressar não apenas a sua beleza singular, mas também tudo o que ele representa: a luta cotidiana, as tradições, a cultura e o povo e sua fé, resistência, sabedoria e força. 

Ou seja, trata-se de um cenário carregado, uma verdadeira abundância inspiradora para a arte, por isso, as gravuras do sertão nordestino trazem uma profundidade simbólica única.

As tradições culturais nordestinas

Além do sertão, a arte popular do Nordeste é, sem dúvida, um dos maiores legados autênticos da região. Ela é marcada por eventos, tradições e personagens míticos, como o cangaceiro Lampião, e figuras do imaginário popular, como bumba meu boi. 

Bumba meu boi, personagem de popular festa nordestina

Além disso, é fundamental ressaltar a grande importância das xilogravuras e do cordel na cultura nordestina. Enquanto os versos do cordel oferecem narrativa, história e informação, as xilogravuras ganham os olhares, conquistam admiradores, com suas envolventes e curiosas ilustrações. Assim, temos a combinação perfeita da celebração tanto a identidade cultural do Nordeste quanto a riqueza da criatividade popular.

Aldemir Martins - O Cangaceiro - Serigrafia

Artistas que representaram o Nordeste em suas artes e gravuras

Com tantas fontes de inspiração, artistas nordestinos, de outras regiões e até internacionais desempenharam um papel fundamental ao representar o Nordeste e tudo o que ele simboliza.

Speto - Mulher Nordestina

Então, as raízes e a essência dessa região tão rica, podem ser vistas nas obras de nomes como:

Paulo Cesar Silva, mais conhecido como Speto, é um artista plástico, ilustrador e um dos maiores nomes do grafite brasileiro. Ele se destacou por ser um dos pioneiros na fusão do hip hop com o cordel nordestino, criando um estilo exclusivo que remete às xilogravuras como manifestação cultural. Suas obras frequentemente retratam caveiras com características típicas da arte nordestina, marcando o início de seu estilo visual que mistura o popular com o urbano.

Emanoel Araújo - Bahia - Xilogravura

Emanoel Araújo, homem negro e nordestino, de uma família de ourives e origens humildes, fez história na arte e na cultura brasileira, representando a cultura nordestina com uma forte carga simbólica de sua arte.

Cícero Dias foi outro grande nome, cujas gravuras trazem cores vivas, clássica característica do Nordeste. Ele retratou o cotidiano da região e sua natureza, criando peças repletas de simbologia e expressividade.

Aldemir Martins - Flor do Ceará - Serigrafia

Aldemir Martins, nascido no sertão do Cariri, no Ceará, deixou uma marca significativa na cultura e no cenário artístico brasileiro. Suas gravuras figurativas retratam com riqueza as paisagens do sertão nordestino, incluindo elementos como as flores típicas da região. Cada gravura tem uma explosão de cores intensas, linhas e traços vibrantes, refletindo a energia e a força visual do Nordeste.

Arte e Nordeste: uma conexão eterna

Podemos perceber, ao apreciar diversas formas de arte, incluindo as gravuras, e trabalhos desses diversos artistas, que o Nordeste é um campo fértil de manifestações artísticas.

É maravilhoso ver que essa representação se mantém viva, passando para novas gerações, fortalecendo a identidade, respeitando e a divulgando amplamente. 

Esse legado é motivo de orgulho tanto para o povo nordestino quanto para os artistas que têm a responsabilidade de transmiti-lo ao mundo, e que privilégio poder admirar essas representações. 

E sabia que nosso acervo digital está repleto de incríveis obras que celebram a arte nordestina? Não perca a chance de conferir! Clique aqui e conheça! 

E se você gostou desse conteúdo e quer conhecer mais histórias da arte e tudo o que ela representa, não deixe de visitar nosso blog e seguir nossas redes sociais para ficar por dentro das últimas novidades.

Museu MASP em São Paulo

Hoje, no aniversário de 471 anos de São Paulo, o Blog da Galeria Livia Doblas traz uma reflexão sobre o papel fundamental da cidade na construção da história da arte brasileira, assim como a arte ajudou e continua ajudando na construção da identidade de uma cidade extremamente vibrante, pulsante, viva e multicultural. 

São Paulo é a cidade onde grandes nomes da arte brasileira alavancaram sua trajetórias, por lá podemos encontrar museus históricos e ela foi palco de semanas de arte mundialmente reconhecidas e é até hoje local de imensas expressões artísticas urbanas, por isso, podemos enxergá-la como um verdadeiro mosaico de estilos e influências culturais.

Artistas que marcaram história em São Paulo

Como falamos no parágrafo anterior, São Paulo foi o ponto principal de partida de inúmeros artistas brilhantes. Entre os nomes que se destacam está Tarsila do Amaral, uma das maiores representantes do modernismo brasileiro. Nascida em Capivari, no interior paulista, Tarsila encontrou em São Paulo o ambiente propício para expandir suas ideias artísticas. Sua obra "Abaporu", por exemplo, é um símbolo do Movimento Antropofágico, que revolucionou a arte brasileira.

Outro grande nome é Alfredo Volpi, artista italiano que cresceu em São Paulo e conquistou reconhecimento internacional por suas famosas bandeirinhas, que mesclam influências da arte popular com o modernismo.

Abaporu - Tarsila do Amaral

A Semana de Arte Moderna de 1922 em São Paulo

Claro que quando citamos a cidade de São Paulo e falamos sobre arte, não podemos esquecer de um dos maiores acontecimentos para a história da arte no Brasil, a Semana de Arte Moderna de 1922. Realizada no Theatro Municipal de São Paulo em fevereiro de 22, a Semana reuniu artistas, escritores e músicos que mudaram completamente como os brasileiros enxergariam a arte dali pra frente, assim como os paradigmas culturais da época. Hoje, muitos críticos de arte veem a Semana de 1922 como o marco zero da história da arte brasileira.

O evento foi idealizado por nomes como Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Anita Malfatti e Di Cavalcanti, com o objetivo de romper com o excesso de teorias das academias e trazer uma arte mais brasileira, ou com mais brasilidade, se conectando muito mais com o povo brasileiro. Desses objetivos, tomou forma o Movimento Modernista no Brasil.

Durante a Semana, foram apresentados inúmeros tipos de arte, que muitas vezes acabaram chocando parte do público, mas atingiram o objetivo de abrir caminho para o Modernismo no Brasil. Obras como "A Estudante", de Anita Malfatti, e as composições de Heitor Villa-Lobos foram destaques do evento. Hoje, o legado da Semana de 22 é amplamente celebrado em São Paulo e ao redor do Brasil. Em São Paulo, museus como a Pinacoteca e o MAM preservam a memória da Semana e valorizam o crescimento do modernismo brasileiro decorrente dos eventos.

Artistas na Semana de Arte Moderna de 1922

Museus Icônicos e Obras Mundialmente Reconhecidas

São Paulo abriga alguns dos mais importantes museus da América Latina, repletos de obras que atraem visitantes do mundo todo. O MASP, localizado na Avenida Paulista, é conhecido por seu acervo diverso e sua icônica arquitetura. Entre as obras mais celebradas estão “Os Retirantes”, de Candido Portinari, e “Rosa e Azul”, de Renoir.

Outro destaque é a Pinacoteca do Estado de São Paulo, onde estão expostas obras como “Mestiço”, de Candido Portinari. Além disso, a Pinacoteca é um ponto de encontro entre a história e a contemporaneidade, e também é um local muito visitado pelos jovens e crianças que buscam através da visita um pouco mais de conhecimento sobre a cultura artística no Brasil.

Outro espaço imperdível é o Museu de Arte Moderna, o MAM, localizado no Parque Ibirapuera, onde se mantém viva a memória do modernismo brasileiro.

Mestiço - Candido Portinari

São Paulo e os artistas urbanos

Os contrapontos tão evidentes no dia a dia de São Paulo não são exclusivos para o cotidiano dos trabalhadores, pelo contrário, no cenário artístico é muito parecido. Se de um lado São Paulo possui museus e galerias que trazem a história da arte e o legado dos artistas, as nas ruas também trazem a vida da arte atual, principalmente com o grafite. O Beco do Batman, é um dos maiores exemplos disso. Repleto de grafites assinados por artistas nacionais e internacionais, o local tornou-se um verdadeiro museu a céu aberto, atraindo turistas e admiradores da arte urbana.

Operários de Brumadinho - Mundano

Além do Beco do Batman, artistas como Eduardo Kobra, Os Gêmeos e Speto são referências importantes na cena artística urbana em São Paulo e no mundo. Esses e inúmeros outros artistas transformaram São Paulo em um verdadeiro centro de referência para a arte urbana global, atraindo turistas e admiradores de todo o mundo.

Obra de Speto em homenagem a João Gilberto

Esculturas de São Paulo

Outro aspecto fascinante da arte em São Paulo são as obras integradas à paisagem urbana. No centro da cidade, a escultura “Monumento às Bandeiras”, de Victor Brecheret, celebra os desbravadores do Brasil colonial. Já na Avenida Paulista, obras de artistas como Tomie Ohtake dão um toque contemporâneo ao cenário.

Escultura Tomie Ohtake na Av. Paulista

No metrô, painéis artísticos encantam os passageiros. Destaque para a estação São Bento, que conta com painéis de azulejos assinados por Francisco Brennand. São Paulo, sem dúvida, transforma o cotidiano em experiências artísticas singulares.

Monumento às Bandeiras - São Paulo

São Paulo é uma cidade onde a arte se manifesta em todas as suas formas. Dos museus até as ruas grafitadas pode se ver de tudo, da arte feita apenas para se expressar até a arte feita para refletir. O aniversário de São Paulo é também um motivo para comemorarmos um pouco mais da tradição da arte brasileira ao redor do mundo.

Se gostou desse artigo da Galeria Livia Doblas, fique sempre ligado em nosso blog, onde trazemos curiosidades e informações do cenário artístico do Brasil e do mundo. 

Além disso, fiquei ligado em nossas redes sociais para não perder nenhuma novidade da Galeria.

Gravuras são bem-vindas em casa e no escritório

Para um apreciador de arte, as gravuras são essenciais na decoração de interiores. Afinal, assim como as cores e os móveis, elas têm o poder de expressar o estilo, a personalidade e os gostos das pessoas. 

Além disso, as gravuras são versáteis e podem ser colocadas em qualquer ambiente, adicionando sofisticação, cor e um toque especial à decoração.  

E até mesmo em espaços mais formais, como um escritório, elas podem ser utilizadas para transmitir autenticidade.

Mas será que podemos colocar qualquer tipo de gravura em um escritório? É importante considerar o contexto e o estilo do ambiente na hora de escolher as peças. Por isso, neste artigo, vamos dar algumas dicas para ajudar a diferenciar as gravuras ideais para a casa e para o escritório.

Vamos explorar mais no próximo parágrafo!

A gravura deve harmonizar com o estilo do ambiente: 

As gravuras integradas ao estilo do ambiente - Arthur Luiz Piza, Tomie Ohtake e Anna Maria Maiolino.

Ao escolher uma gravura, é importante considerar tanto o estilo quanto a função do ambiente. Pense:

Na casa, o foco é criar uma atmosfera acolhedora, que favoreça o descanso, o relaxamento e a descontração.

Composição de gravuras em uma sala de estar - Alfredo Volpi, Hércules Barsotti e Emanoel Araújo

Já no escritório, o objetivo é estimular a concentração, manter o equilíbrio e se adequar ao cômodo mais formal e receptivo para atender pessoas.

O design do espaço também desempenha um papel importante na escolha das gravuras. Em um ambiente minimalista, há mais liberdade para explorar diferentes opções, já que tanto gravuras com traços simples e cores neutras quanto peças mais coloridas e marcantes podem funcionar.

As gravuras de maior impacto, inclusive, podem se tornar um ponto de destaque, trazendo personalidade e energia sem deixar de se integrar com o todo.

Por outro lado, em locais com estilos mais excêntricos e que já possuem muitas cores, é preciso ter cuidado para evitar excessos. Gravuras com tons vibrantes e ilustrações muito marcantes podem sobrecarregar, então, nessas situações, a escolha deve ser mais equilibrada, optando por peças que complementem a decoração sem causar conflitos visuais.

Então, entendendo que as gravuras têm capacidade de complementarem ou até transformarem um ambiente, vamos abordar mais sobre o impacto que elas podem causar em casa e no escritório nos próximos capítulos. 

Gravuras em casa: o que podem transmitir?

Como mencionamos, na casa as gravuras podem ser usadas de forma estratégica para criar atmosferas acolhedoras, energizantes ou até mesmo relaxantes. 

Paisagens, arte abstrata ou ilustrações diferentes são ótimas escolhas para a sala, por exemplo, pois ajudam a criar um ambiente descontraído e cheio de personalidade. Essas gravuras não só expressam o estilo da família, mas também podem servir como peças contemplativas, tal como obras de arte em museus, onde cada visitante pode se admirar.

Composição de gravuras para sala de estar - Hércules Barsotti

Por outro lado, gravuras figurativas, neutras ou minimalistas, com imagens suaves como flores ou elementos da natureza, são perfeitas para criar um clima de tranquilidade e promover serenidade. Elas são ideais para quartos, proporcionando uma atmosfera calma e relaxante, perfeita para momentos de descanso e conforto.

Gravuras no escritório: devem ser formais?

O escritório exige atenção especial na escolha das gravuras, pois elas podem ajudar a criar um ambiente que favoreça o foco e a produtividade, mas, quando mal selecionadas, podem gerar um conflito visual e prejudicar a energia do espaço. E isso não significa abrir mão da estética. 

Gravura em home office - Paulo Whitaker “Pássaro”

Uma dica importante é começar pelo tamanho das gravuras em relação às paredes: em espaços menores, evite quadros muito grandes, enquanto paredes amplas permitem ousar mais com peças maiores e chamativas.

Se o escritório é em uma empresa, o foco não é refletir o estilo pessoal, o essencial é que as gravuras reflitam a identidade da empresa. Então, o objetivo é criar um ambiente que respeite quem visita o espaço e mantenha a harmonia com o restante do imóvel.

Composição de gravuras em escritório

Pense que a gravura não deve se destacar ao ponto de parecer isolada, ela pode ter a sua evidência, mas também integrar-se ao todo. 

E se o escritório é em sua casa, há mais liberdade para alinhar as gravuras ao seu estilo pessoal, à arquitetura do local e à energia que deseja transmitir. 

Então, optar por peças que te inspirem e que você goste de olhar todos os dias é o ponto chave da escolha.

Expondo gravuras em escritório e em casa: os detalhes também importam

Depois de explorar os estilos, cores e tamanhos adequados, é importante destacar que as técnicas e materiais das gravuras também fazem toda a diferença. Avalie os acabamentos e considere se eles têm características mais rústicas, sofisticadas ou modernas, se conflitam ou se equilibram com os móveis e todo o ambiente. 

Não se esqueça de enquadrar suas gravuras adequadamente. O quadro certo, com uma moldura que complementa o ambiente, faz toda a diferença no visual final.

Outro ponto essencial é a organização e composição das gravuras, especialmente se você pretende adicioná-las aos poucos. 

Organização de gravuras em uma casa

Certifique-se de que as peças conversem entre si, e caso perceba que uma gravura destoa das outras, considere distanciá-la para evitar sobrecarga. 

Ao planejar, lembre-se: a harmonia é a chave para criar ambientes agradáveis e funcionais, onde as gravuras não apenas decoram, mas complementam e valorizam o espaço. Elas têm o poder de transformar seus ambientes, contar histórias e, acima de tudo, expressar. Afinal, estamos falando de arte!

Escritório com composição de gravuras Galeria Livia Doblas - Hércules Barsotti, Burle Marx e Judith Lauand.

Agora que você conferiu nossas dicas e está pronto para renovar sua decoração, que tal explorar nosso acervo digital? Temos opções de gravuras para todos os ambientes, estilos e objetivos, com obras de artistas renomados de todo o mundo. 

Se você gostou do conteúdo, o nosso blog tem mais artigos sobre histórias e tudo sobre o universo da arte. E não deixe de nos acompanhar nas redes sociais, onde sempre trazemos novidades. Nos siga por lá!

Gravura - Matriz e impressão

Na semana anterior, trouxemos uma série de artigos sobre todas as técnicas da gravura, a gravura em metal, a xilogravura e a serigrafia, trazendo artistas relevantes de cada uma das técnicas, como são feitas, as especificidades e qualidades de cada uma das técnicas. Hoje, traremos um artigo completo para você que quer saber tudo sobre gravuras, curiosidades, a história da gravura, a importância delas para o mercado artístico, a melhor maneira de escolher e comprar uma gravura, a melhor maneira de cuidar e manter a sua gravura em bom estado, e muito mais.

Introdução às Gravuras

As gravuras são uma das mais antigas e fascinantes formas de expressão artística. Seja pela riqueza de detalhes ou pela complexidade dos processos de produção, elas continuam a encantar artistas, colecionadores e entusiastas da arte.  

Se você se identifica com algum dos perfis citados, te convidamos a conferir este artigo, pois vamos explorar a história, as principais técnicas, a relevância cultural e o mercado das gravuras.  

E então desvendaremos por que essa forma de arte é tão especial e como ela permanece relevante até os dias de hoje. 

História e contexto das gravuras: das Origens à contemporaneidade 

As gravuras têm suas origens em civilizações antigas, como os egípcios e os chineses, que já utilizavam matrizes para reproduzir imagens.  

Mas você sabia que foi no século XV, na Alemanha e na Itália, que essa técnica começou a ganhar destaque? A partir desse período, a gravura se espalhou pelo ocidente, conquistando espaço como uma forma de expressão artística. 

E quais são os nomes que dominaram, elevaram e marcaram o desenvolvimento da gravura? Vamos falar sobre alguns dos principais de cada época: 

• Renascimento:  

Albrecht Dürer, um dos gravadores mais renomados da história e principal artista alemão do século XVI, revolucionou a gravura, elevando-a a um novo patamar e consagrando-a como uma forma de arte independente.

Gravura de Albrecht Dürer

• Idade Moderna:  

A partir do século XVII, Rembrandt foi um dos nomes que começaram a explorar a gravura de outra forma. Enquanto muitos ainda a consideravam uma forma de arte inferior, ele enxergou nesse método uma oportunidade para expandir sua criatividade, tornando-se um dos maiores mestres da gravura até os dias de hoje. 

Rembrandt utiliza a gravura para abordar uma ampla variedade de temáticas, como cenas bíblicas, mitologia, paisagens, nus, retratos e, principalmente, auto retratos, e nelas aplicava a mesma habilidade presente em suas pinturas. 

Gravura de Rembrandt

Era Contemporânea: 

Hoje, é quase impossível encontrar um artista que não inclua gravuras em seu portfólio. Elas estão em museus, exposições e galerias ao redor do mundo. Com exemplares históricos, raros e tradicionais, a gravura é vista como uma verdadeira fusão entre tradição e inovação, com artistas constantemente explorando novas técnicas, adaptações e muita criatividade em suas criações. 

As gravuras se consolidaram como um dos métodos mais versáteis e explorados na arte, refletindo representatividade e a constante evolução desse meio de expressão.

Gravura de Speto - Pássaro

Principais Técnicas da Gravura 

Quando falamos sobre as evoluções das gravuras e dos nomes por trás do surgimento, é fundamental destacar que elas não são feitas com uma única técnica. As gravuras possuem uma amplitude de métodos, que oferecem uma variedade de texturas, acabamentos e, claro, possibilidades criativas. 

Vamos resumir as principais características de cada técnica. Porém, já temos artigos detalhados sobre cada uma delas, com sua história e o passo a passo de como são feitas. Convidamos você a conferir, mas vamos falar brevemente sobre cada uma: 

1. Xilogravura:  

Para ser feita ela necessita de uma matriz de madeira. A técnica da xilogravura envolve o entalhe da madeira, onde as áreas que não serão impressas são retiradas, criando um relevo. As partes em relevo recebem tinta, e, em seguida, a matriz é pressionada contra o papel ou tecido para transferir a imagem.  

Assim, esse processo permite criar múltiplas cópias da mesma obra. Esse é apenas um resumo, mas você pode conferir mais sobre o que é e como é feita uma, no nosso artigo: O que é e Como é Feita uma Xilogravura.

Matriz e impressão de Xilogravura

2. Gravura em Metal 

Essa forma precisa de uma matriz de metal (geralmente cobre ou zinco), que é gravada através de ferramentas ou substâncias químicas.  

Ela tem várias técnicas de se fazer, por exemplo a água-forte, em que o metal é coberto por uma camada de verniz resistente, e a parte exposta é corroída com ácido.  

Ponta-seca é outra forma, e nela o desenho é feito diretamente com uma agulha, criando linhas profundas na superfície. 

Incrível, não é?! E essas são só duas de cinco técnicas, e você pode entender cada uma clicando aqui e conferindo o conteúdo sobre Gravuras em Metal.

Matriz de Gravura em Metal

3. Litografia 

Nesse processo, também conhecido como litogravura, o artista inicia desenhando com materiais oleosos sobre uma superfície de pedra ou chapa metálica. Após isso, a chapa é submetida a um tratamento químico que fixa a tinta nas áreas desenhadas, preparando-a para a impressão.  

E então, a tinta é aplicada e transferida para o papel, criando cópias da obra original. Essa é, sem dúvida, uma técnica fascinante de gravura, que foi amplamente explorada por muitos artistas ao longo do tempo. Hoje, podemos encontrar muitos exemplares, inclusive, no nosso artigo sobre litografia, destacamos alguns nomes famosos que usaram essa técnica, incluindo artistas brasileiros. Clique aqui para saber mais e conferir todo o contexto dessa forma de arte.

Matriz de Litografia

4. Serigrafia 

A serigrafia é um dos métodos mais conhecidos, explorados e versáteis, e seu processo é quase mágico.  

A técnica consiste na passagem de tinta através de uma tela de seda, chamada de matriz serigráfica, utilizando a pressão de um puxador. A tela é esticada em um quadro e gravada com uma emulsão fotossensível, sendo em seguida exposta a um fotolito para criar a imagem desejada. 

Quando contemplamos uma serigrafia, muitas vezes não imaginamos o cuidado por trás dela, não é mesmo?! E se você ainda não conhece todos os detalhes do passo a passo para criar uma, que tal conferir nosso artigo sobre o assunto? Nele, explicamos todo o processo, que é realmente admirável. Clique aqui para conferir.

Matriz de Serigrafia

As diferenças entre a Gravura e outras formas de Impressão

Uma das principais diferenças é a junção do caráter artesanal das gravuras a um tipo de processo que beira o industrial. Isso acontece porque, ao contrário de reproduções mecânicas ou digitais, cada gravura é única, mesmo em edições limitadas. Além disso, as gravuras frequentemente são numeradas e assinadas pelo artista, garantindo sua autenticidade e exclusividade.

Principais artistas do universo da Gravura

A gravura é uma das formas de arte mais variadas, e ao longo dos séculos, diversos artistas, tanto internacionais quanto brasileiros, têm se destacado por suas inovações técnicas e pela maneira como utilizam essa linguagem para expressar questões sociais, culturais e emocionais. Abaixo, além dos grandes mestres da gravura mundial, exploramos também alguns artistas brasileiros que deixaram uma marca inquestionável na história dessa forma de arte:

Artistas Internacionais:

1. Albrecht Dürer (1471–1528)
   Dürer, um dos grandes mestres da Renascença, é amplamente reconhecido por suas gravuras em metal, especialmente a técnica da buril, que revolucionou a arte da gravura. Suas obras como "Cavaleiro, a Morte e o Diabo" e "Melancolia I" são marcos da história da arte ocidental. Sua habilidade técnica e o domínio do contraste e da detalhada composição influenciaram gerações de artistas.

2. Rembrandt van Rijn (1606–1669)
   O mestre holandês Rembrandt é considerado um dos maiores gravuristas de todos os tempos, especialmente por sua técnica de ponta-seca, que conferiu às suas obras uma expressividade emocional única. Suas gravuras, como "A Ronda Noturna" e "Autorretrato", são notáveis pela profundidade psicológica e pela manipulação de luz e sombra, refletindo a complexidade humana e o drama da vida cotidiana.

3. Francisco Goya (1746–1828)
   O espanhol Goya usou a gravura para expressar suas críticas sociais e políticas de maneira impactante. Suas séries "Os Caprichos" e "Os Desastres da Guerra" são poderosos exemplos de como a gravura pode ser um meio de denúncia e reflexão sobre a sociedade e os horrores da guerra. Seu trabalho ajudou a transformar a gravura em um veículo de comentário social e político.

4. Katsushika Hokusai (1760–1849)
   Hokusai, um dos mais importantes mestres da xilogravura japonesa, é conhecido mundialmente por sua famosa obra "A Grande Onda de Kanagawa", que se tornou um ícone da arte oriental. Hokusai inovou no uso de linhas dinâmicas e cores vibrantes, tornando a xilogravura uma forma de arte de grande expressão e impacto visual.

5. Pablo Picasso (1881–1973)
   O espanhol Picasso não só revolucionou a pintura, mas também se destacou no campo da gravura, utilizando diversas técnicas ao longo de sua carreira. Obras como "O Minotauro" e "A Mulher Sentada" mostram sua constante experimentação e sua busca por novas formas de expressão, consolidando Picasso como um dos artistas mais influentes do século XX.

6. Andy Warhol (1928–1987)
   O ícone da pop art, Warhol, transformou a gravura, especialmente a serigrafia, em uma forma de arte de massa. Suas famosas imagens de Marilyn Monroe e de latas de sopa Campbell são algumas das mais reconhecidas da arte contemporânea, onde Warhol brinca com a repetição e a banalização da imagem no contexto da sociedade de consumo.

Artistas Brasileiros Relevantes na História da Gravura

1. Oswaldo Goeldi (1895–1961)
   Considerado um dos maiores gravuristas brasileiros, Goeldi é famoso por suas xilogravuras, que frequentemente retratam o lado sombrio e misterioso da vida urbana e rural no Brasil. Suas obras, como "Café e Árvore" e "Gato", são notáveis pelo uso expressivo de linhas e pelo forte contraste entre luz e sombra, criando atmosferas poéticas e dramáticas. Goeldi foi responsável por consolidar a gravura como uma forma de arte no Brasil, influenciando diversos artistas da sua época.

2. Lasar Segall (1891–1957)
   Segall, embora conhecido principalmente por suas pinturas, também teve uma notável carreira como gravurista. Suas obras de gravura exploram a tensão entre o expressionismo e a realidade social, frequentemente retratando temas como a imigração e a angústia humana. Obras como a série "Ciclo do Imigrante" capturam as dificuldades dos imigrantes europeus no Brasil, tornando a gravura um meio potente para a crítica social e a reflexão cultural.

3. Tarsila do Amaral (1886–1973)
   Tarsila, uma das artistas mais importantes do Modernismo brasileiro, também se destacou na gravura, embora sua produção nessa técnica seja menos conhecida do que sua pintura. Sua gravura, assim como suas telas, refletia sua pesquisa sobre a identidade nacional brasileira, com temas que vão desde o folclore até a paisagem tropical, sempre com um estilo único e inovador.

4. Anna Maria Maiolino (1937–)
   Maiolino é uma das artistas contemporâneas mais importantes do Brasil, e suas gravuras fazem parte de um extenso trabalho artístico que mistura técnicas de gravura, escultura e vídeo. Em suas obras, ela explora temas como a memória, o tempo e o corpo, abordando questões existenciais e sociais com uma linguagem visual única e poética.

Gravura de Anna Maria Maiolino

5. Cândido Portinari (1903–1962)
   Portinari, um dos artistas mais reconhecidos do Brasil, também trabalhou com gravura, produzindo séries que refletiam sua forte conexão com o povo brasileiro e com as questões sociais. Seu trabalho como gravurista foi influenciado pelo modernismo e pela sua experiência com a vida rural e operária, e sua obra como "Operários" e "Retábulo" são exemplos de sua crítica social e sua busca por uma arte com forte conteúdo político e social.

6. Vik Muniz (1961–)
   Muniz é um artista contemporâneo que se destacou no uso de materiais inusitados e na experimentação com a imagem, incluindo sua incursão pela gravura. Em sua série "Rebus", por exemplo, ele recriou grandes obras de arte utilizando materiais como sucata, chocolate e até lixo, questionando o valor da arte e a relação entre o original e a reprodução, o que pode ser visto como uma reflexão sobre as técnicas tradicionais de gravura.

A Importância das Gravuras na Arte e no Mercado

Para os amantes de arte e os críticos, as gravuras têm um papel vital no mundo da arte, isso acontece principalmente pela sua capacidade de trazer possibilidades de expressão e por aquecer o mercado artístico, seguido disso, elas trazem a possibilidade de democratização da arte e da decoração de ambiente através da arte. Por isso, sua popularidade continua crescendo, sendo reconhecida por sua versatilidade, com obras de valor histórico que tem uma capacidade única de transformar espaços. Neste tópico, traremos em detalhes a importância das gravuras na arte contemporânea, seu impacto no mercado e como elas se destacam no design de interiores e como investimento.

Gravuras como decoração em uma residência

Gravuras na Decoração e Design de Interiores: Versatilidade e Elegância

As gravuras têm uma presença marcante no design de interiores, sendo escolhidas por sua capacidade de agregar sofisticação e estilo a qualquer ambiente. Desde salas de estar a escritórios, essas obras de arte complementam uma vasta gama de estilos de decoração, desde o mais clássico ao mais moderno, passando por minimalista, contemporâneo e industrial. A beleza única de uma gravura, seja ela uma obra em preto e branco ou colorida, pode se tornar o ponto focal de um ambiente, criando um contraste visual atraente.

1. Gravuras como Investimento e Colecionismo: A Valorização das Obras

No mercado de arte, as gravuras não são apenas peças estéticas, mas também valiosos itens de investimento. Gravuras assinadas e numeradas por artistas renomados, como Picasso, Dali, ou contemporâneos de destaque, têm um valor crescente ao longo do tempo. A exclusividade de uma edição limitada, muitas vezes com tiragem controlada, faz dessas obras itens cobiçados por colecionadores, que buscam peças raras e únicas.

O mercado de arte tem demonstrado que gravuras podem se valorizar significativamente, especialmente aquelas produzidas por artistas estabelecidos e reconhecidos internacionalmente. A compra de gravuras como forma de investimento tem atraído cada vez mais investidores que buscam diversificar seus portfólios com ativos tangíveis. Em alguns casos, gravuras raras atingem valores de mercado elevados, sendo negociadas em leilões e galerias especializadas.

2. Relevância Cultural das Gravuras: Preservando o Passado e o Presente

As gravuras têm uma grande importância cultural, funcionando como um registro visual de momentos históricos, movimentos sociais e eventos culturais. Durante séculos, artistas têm usado a gravura para documentar o mundo ao seu redor, desde retratos de figuras históricas a representações de cenas cotidianas. Essa forma de arte proporciona uma visão única da sociedade e da política de diferentes épocas.

Além disso, as gravuras desempenham um papel fundamental na preservação de tradições artísticas e culturais. Muitas gravuras atuais, ou até mesmo feitas há um certo tempo, têm a capacidade de incorporar e trazer elementos da cultura popular, refletindo as mudanças sociais e os avanços tecnológicos. Ao mesmo tempo, gravuras de épocas passadas tem a exclusividade de oferecer uma janela para os valores e estilos de vida de outras eras, criando uma conexão entre o passado e o presente.

As exposições de gravuras não apenas permitem que a obra seja apreciada como a arte visual, mas também mantém viva a memória coletiva da carreira do artista em questão, esteja ele em atividade ou não, celebrando o legado cultural de diferentes períodos históricos. Essa relevância cultural continua a atrair admiradores, estudiosos e críticos, que reconhecem nas gravuras um valor educacional e artístico de grande importância.

As gravuras ocupam um lugar central no mercado de arte e no mundo do design e decoração de interiores, mesmo assim, podemos perceber que sua relevância vai muito além de sua função estética. Seja como elemento de decoração ou como item de colecionismo, as gravuras de artistas renomados e de grande história na arte, continuam a cativar e a fascinar pessoas ao redor do mundo, sendo um reflexo da evolução da arte e de nossa conexão com o passado e o presente.

Inovações, tendências e novos processos para as Gravuras

A arte da gravura tem evoluído de maneira fascinante, especialmente no cenário da arte contemporânea, com a integração de novas tecnologias que ampliam os métodos e a capacidade criativa dos artistas. Hoje, muitos artistas estão produzindo obras em técnicas mistas, mesclando técnicas tradicionais com o digital. Isso, não é necessariamente uma novidade já que muitos artistas que fizeram carreira em períodos anteriores também utilizaram técnicas mistas para produção, tanto trazendo mais de uma técnica da gravura, tanto com técnicas de pintura, colagem e gravura em um mesmo trabalho.

Essas novas possibilidades de criação, permitem obras que desafiam os limites da expressão visual. Esse movimento de uma busca constante por inovação e originalidade é algo característico e essencial para a evolução do trabalho dos artistas, na arte moderna e contemporânea.

A evolução da Serigrafia 

No mercado de impressões tradicionais, a impressão 3D vem ganhando espaço como uma novidade tecnológica, já a serigrafia, uma das técnicas de impressão mais antigas e populares, não se deixa distanciar, seguindo forte no cenário artístico atual. Isso é possível pela versatilidade da serigrafia que a torna uma técnica muito procurada em edições limitadas de arte, assim como muito produzida pelos artistas, principalmente pela padronização que ela confere aos trabalhos, principalmente por ter matrizes de extrema durabilidade e com baixíssimo índice de erro para as impressões. A popularização da serigrafia nas galerias de arte se deve também à sua capacidade de produzir imagens vibrantes e de alta qualidade em grande escala, além de possibilitar um toque manual único que as técnicas digitais não podem reproduzir com a mesma intensidade.

Máquina de impressão em serigrafia

O uso das Ferramentas Digitais para produzir Gravuras 

Outras ferramentas digitais, como programas de design gráfico e impressão digital, também estão transformando a produção das gravuras contemporâneas. Os artistas estão cada vez mais incorporando elementos digitais em suas obras, seja por meio da manipulação de imagens ou da criação de composições complexas, sem a necessidade de intervenção manual, não podemos esquecer, que as impressões digitais não deixam de ser também uma forma de gravação, mas não como entendemos pelas gravuras de artistas plásticos. 

Pensando apenas nas artes plásticas, o digital também possibilitam e facilitam a criação para a técnica da gravura tradicional, seja para a fabricação de moldes, seja para a criação de matrizes com as quais as impressões manuais ganharão forma. As possibilidades de cores, efeitos e texturas oferecidas pelos softwares de design também são um ganho do cenário atual.

Mercado de Arte e as Novas Tecnologias

O mercado de arte também reflete as mudanças na produção das gravuras nos dias de hoje. A combinação de técnicas tradicionais com ferramentas digitais não apenas amplia as possibilidades artísticas, mas também atrai o público, aumenta o seu interesse, possibilitando a busca por novos tipos de trabalho e instigando novas criações por novos artistas.

Como Cuidar e Conservar a sua Gravura da maneira correta

Preservar as gravuras da maneira correta é fundamental para garantir que elas durem e passem de geração a geração, já que elas são produzidas com esse intuito, além de manter sua beleza e qualidade para que possam continuar com seu valor ao longo do tempo. Apesar de serem obras produzidas para durar décadas, não podemos esquecer que são obras de arte delicadas, por isso, elas demandam cuidados específicos para evitar danos causados por fatores ambientais ou manuseio inadequado. Confira abaixo algumas recomendações essenciais:

1. Evite a luz solar direta:

• A exposição prolongada à luz solar pode desbotar as cores e enfraquecer os pigmentos das gravuras. Por isso, escolha um local onde a obra não receba luz direta.

• Caso em algum momento do dia a obra possa receber ação da luz, utilize molduras com vidro anti-UV para bloquear os raios ultravioleta.

2. Ambiente com pouca umidade é o ideal:

• A umidade é uma das principais inimigas das gravuras, e das obras de arte, podendo causar mofo, deformar a impressão e agir sobre a tinta de forma indesejada.

• Mantenha as obras em ambientes secos e arejados.

• Evite expor as gravuras a áreas como banheiros ou cozinhas, onde o contato com a água é constante e possivelmente a água pode atingir as obras diretamente.

3. Manuseie corretamente:

• Mantenha sempre as mãos limpas antes de tocar nas gravuras, caso a obra necessite de um cuidado especial, utilize luvas de algodão para evitar transferência de óleos e sujeiras da pele para o papel.

• De qualquer forma, nunca toque diretamente na superfície da gravura, especialmente em áreas com tinta.

4. Armazenamento adequado:

• Quando não estiverem expostas, guarde as gravuras em pastas protetoras, sem que a superfície tenha contato com armários ou outros materiais.

• Certifique-se de que as gravuras estejam separadas umas das outras para prevenir riscos ou marcas indesejadas.

5. Limpeza e revisão:

• Limpe periodicamente as molduras e os vidros para remover poeira e outros detritos.

• Sempre verifique com cuidado as suas gravuras e de forma regular, assim você poderá encontrar sinais de danos, como manchas, rasgos ou ondulações.

• Caso identifique problemas, procure um profissional especializado em gravuras e obras de arte para avaliação e possíveis reparos.

Ao adotar essas práticas, você poderá fazer com que suas gravuras permaneçam em ótimo estado por gerações, preservando não apenas sua aparência, mas também seu valor histórico e cultural.

Tipo de ambiente ideal para uma gravura

A gravura é uma técnica que permite ao artista a possibilidade de escalar suas obras sem deixar de lado o fato de serem produções únicas e na maioria das vezes numeradas, tendo limite de produção. Por isso, inúmeros artistas de inúmeros movimentos trouxeram a tendência para o seu repertório, por isso a gravura trouxe legado, história e significado para o cenário artístico. Desde suas origens até as inovações contemporâneas, elas continuam a fascinar e a inspirar os artistas e os amantes de arte. Seja para decoração, colecionismo ou apreciação pessoal, investir em gravuras é algo de muito valor.

Explore mais sobre gravuras do acervo da Galeria Livia Doblas e descubra peças únicas que trazem parte da história da arte do Brasil para a sua casa ou para o seu escritório.

Se gostou desse artigo do Blog da Galeria Livia Doblas, fique sempre ligado em nosso site e confira todas as novidades e histórias da arte brasileira e do mundo.

Matriz de serigrafia

A serigrafia, também chamada de silk-screen ou impressão à tela, é uma técnica de gravura criada na China que permite gravar textos ou figuras em diferentes superfícies.

Para isso é necessário uma superfície, chamada de tela serigráfica, geralmente feita de poliéster ou nylon, onde a tinta é vazada por meio da pressão de um rodo ou espátula.

Ou seja, para a gravação não há a necessidade de cortes ou fissuras. Tudo é feito na superfície da tela serigráfica. Mas essa tela precisa ser preparada, então sabe como é feito o processo? Antes de seguirmos para a história da técnica, conhecer mais artistas que fizeram carreira e obras relevantes através da serigrafia, vamos explicar a seguir:

Início produção da matriz de serigrafia

O processo de criação de uma serigrafia

Arte é dedicação e atenção, isso envolve inúmeros processos. Como toda gravura, a serigrafia também tem passo a passo trabalhoso e que exige muito cuidado, como detalhamos nos passos abaixo:

1 - A preparação da tela serigráfica:

Antes de qualquer coisa, a tela serigráfica precisa ser fixada em uma base de madeira, alumínio ou aço, e então, ela recebe produtos químicos fotossensíveis. 

E para finalizar essa primeira etapa, é colocado um fotolito.

2 - A criação da arte:

Após essa preparação, o artista então desenvolve a sua arte, em um papel fino, que depois será vazado nesta tela.

3 - A luz UV:

Esse é o passo chave, quando a serigrafia toma forma ao receber a luz UV, que endurece a emulsão aplicada nas áreas onde não há desenho.

4 - Lavagem:

Após a exposição à luz, as áreas onde não há desenho permanecem impermeabilizadas, enquanto as áreas onde o desenho está se tornam vazadas. E então com a lavagem, essas partes vazadas são reveladas, deixando apenas o desenho na tela.

5 - Pintura e finalização:

Chega então o outro momento criativo do artista: aplicação da tinta no desenho. A tinta é espalhada sobre a tela e, com o auxílio de um rodo ou espátula, é pressionada para atravessar as áreas vazadas da tela, transferindo o desenho para a superfície desejada. E assim, a serigrafia está concluída!

Impressão através de serigrafia

A versatilidade da serigrafia.

Após detalharmos o passo a passo do processo de serigrafia, precisamos falar e destacar sua incrível versatilidade.

Embora seja bem conhecida como uma técnica para estampar roupas, razão pela qual é chamada de silk-screen, a serigrafia vai muito além disso. Graças a essa versatilidade, hoje podemos apreciar incríveis gravuras feitas em serigrafia.

E sabia que ela não é produzida somente em superfícies planas? Áreas cilíndricas, esféricas, irregulares, claras, escuras, opacas ou brilhantes podem ser base de uma serigrafia. Tamanhos e espessuras também não são limitações para a serigrafia, que permite criar peças únicas e detalhadas.

E, claro, pode ser criada com ampla gama de tintas e cores, como o artista preferir.

Apesar de ser uma técnica tradicional e artesanal, com os avanços tecnológicos, atualmente também é possível criá-la com máquinas, ótimo para produções de peças que precisam de mais eficiência, o que não faz perder sua essência artística e manual.

Oscar Niemeyer - Figura Feminina - Serigrafia

Quem são os artistas que usam a serigrafia como método de sua arte?

E se falamos de tantas possibilidades de se criar uma serigrafia, imagine quantas obras incríveis foram produzidas com essa técnica?!

É claro que ela conquistou espaço entre artistas renomados que enxergaram nessa técnica uma forma de dar vida às suas criações. Entre os grandes nomes que utilizaram a serigrafia, destacam-se Aldemir Martins e Rubem Valentim, que provaram a contemporaneidade desse método e criaram obras de extremo reconhecimento no cenário artístico.

Outros artistas consagrados, como Anna Bella Geiger, Cícero Dias, Oscar Niemeyer e Iberê Camargo também exploraram as inúmeras possibilidades da serigrafia. Cada um, com suas características singulares, suas serigrafias refletem uma habilidade única, sem deixar de lado características que trazem em outras técnicas,  demonstrando também através dessa técnica da gravura, o seu talento e a sua arte da impressão.

Cícero Dias - Descanso - Serigrafia

Serigrafia: Versátil e Singular na Arte

A serigrafia ocupa um lugar especial, tanto em gravuras artísticas quanto em diversas criações, se mantendo relevante e uma técnica essencial.

Que privilégio temos em conhecer e contemplar uma técnica que carrega tanta história, não é?!

Rubem Valentim - Serigrafia

Trouxemos esse conteúdo porque, afinal, arte é mais do que estética: é história, contexto e significado.

Se gostou desse artigo do Blog da Galeria Livia Doblas, confira o nosso acervo digital,onde você pode conhecer uma diversidade de gravuras e serigrafias únicas, renomadas e relevantes.

E, para conhecer mais sobre arte, técnicas e artistas, continue acompanhando nossas redes sociais.

Espaço de um exposição da Galeria Livia Doblas

Uma Galeria de Arte

Claro, você sabe que uma galeria de arte é o espaço onde são expostas e comercializadas obras artísticas, porém, elas não são apenas isso. As galerias acabam por ser a conexão entre artistas, colecionadores, admiradores de arte e o público em geral. As galerias de arte têm como principal objetivo a apresentação e a valorização do trabalho de artistas dos mais diversos “tamanhos” e das mais diversas relevâncias, seja nacional, internacional e até mesmo local, lá é oferecido um ambiente que inspira tal conexão.

Como uma Galeria te ajudará a escolher a melhor Obra de Arte

O processo de escolha de uma obra de arte é algo único e extremamente pessoal, mas pode ser desafiador saber por onde começar. Por isso, entendemos que visitar uma Galeria de Arte pessoalmente ou até mesmo seu acervo online é algo que ajuda e muito quem está buscando uma obra de arte. As Galerias, através de processos extremamente profissionais, selecionam obras que não apenas têm relevância artística, mas também atendem a diferentes estilos e preferências.

Obra de Arte: da Galeria de Arte para a sua casa

Imagine transformar seu ambiente com uma obra que não apenas decora, mas também inspira. Ao escolher a peça certa em uma galeria de arte, você pode criar uma atmosfera única que reflete sua identidade. Seja para uma residência, um escritório ou um espaço comercial, as obras de arte têm o poder de transformar ambientes e transmitir mensagens.

Casa com obras da Galeria Livia Doblas

Como Encontrar a Melhor Gravura ou Obra em Uma Galeria de Arte

As gravuras talvez sejam as obras que mais democratizam o acesso à arte pelo Brasil, por isso, são muito procuradas nas principais galerias. Para escolher a obra, seja ela uma gravura, ou de outras técnicas, que mais lhe agrada e da melhor maneira, você pode analisar e seguir os seguintes passos:

1. Defina seu tipo de obra preferido: pense em estilos e temas interessantes para o seu ambiente, não se esqueça das cores que você gosta e que mais “conversam” com o cômodo no qual a obra será inserida.

2. Pesquise sobre os artistas pelos quais se interessou: confira no Blog da Galeria, as curiosidades e a carreira dos artistas pelos quais se interessou, muitas delas oferecem muitas informações sobre eles, assim como o contexto de suas obras. Entender o significado por trás da peça pode tornar sua escolha mais significativa.

3. Considere o espaço disponível para a obra: uma tela deve “conversar” com o restante dos elementos da sua casa, e o espaço onde ela ficará deve ter o tamanho adequado para sua fixação, então, meça as paredes e visualize como a peça se encaixaria no cômodo.

4. Consulte os profissionais da Galeria: os profissionais da galeria de arte com certeza podem trazer dicas valiosas e sugerir obras que você talvez não tenha notado.

Agora, se você é um amante de Obras de Arte, mas ainda não tem certeza do que deseja, não precisa se preocupar, você pode se manter ativo no cenário e acompanhar o mercado, ficando tranquilo para decidir no momento ideal, aqui vão algumas dicas:

1. Visite as galerias e acompanhe seu acervo online: as galerias de arte renovam seus acervos com muita frequência, visite o site da galeria e fique por dentro das novidades.

2. Acompanhe as Redes Sociais da Galeria: as galerias de arte postam todas as novidades sobre novas obras através das redes sociais.

3. Conheça novos artistas: fique por dentro de novos artistas ou veja mais sobre a história de artistas renomados assistindo a vídeos ou acessando artigos da galeria da sua preferência.

Por dentro da Galeria Livia Doblas

Quais Artistas podem ser encontrados em uma Galeria de Arte?

Hoje em dia, as Galerias de Arte podem trazer trabalhos de artistas de inúmeros tipos de expressão. No Brasil, obras de grandes nomes como Aldemir Martins, Tomie Ohtake, Tarsila do Amaral, Oswaldo Goeldi, Alfredo Volpi e Anita Malfatti são muito encontradas e são acessíveis aos consumidores. Esses artistas são muito reconhecidos por suas gravuras, pinturas e esculturas.

Obra de Alfredo Volpi na Galeria Livia Doblas

Como Comprar Online em uma Galeria de Arte

Com o passar dos anos, a compra de obras de arte de forma online vem se tornando cada vez mais fácil e acessível. Confira algumas dicas para uma experiência segura e eficaz:

• Pesquise a reputação da Galeria de Arte;

• Veja a possibilidade de visitar a Galeria presencialmente;

• Analise as imagens, detalhes e a quanto tempo essa galeria está ativa no meio digital;

• Pergunte sobre a autenticidade de algumas obras da galeria.

Seguindo esses passos, você praticamente garante ter uma escolha segura.

Como dissemos, um dos passos importantes para uma escolha segura é a possibilidade de visitar a galeria presencialmente. Dessa maneira, você também pode escolher a sua obra de forma presencial, isso permite que você veja detalhes das obras e tenha uma experiência única, aqui vão outras dicas:

• Reserve tempo para a visita: conheça o máximo possível do acervo da galeria, visite com calma e explore cada um dos espaços;

• Converse com os profissionais: os profissionais da galeria têm a capacidade de compartilhar conhecimentos únicos sobre cada obra comercializada, desde a técnica até a carreira do artista pelo qual se interessou.

Gravuras da Galeria Livia Doblas

As Galerias de Arte têm a capacidade de levar os amantes de arte para um ambiente único, criativo e que pode transformar sua vida, seus espaços e o seu lar. Seja para admirar, aprender ou adquirir, explore os ambientes digitais e presenciais das Galerias da sua confiança.

Gravura em Metal

A gravura em metal é um método de impressão pelo qual imagens são gravadas através de uma placa de metal, que pode ser produzida em cobre, zinco ou outros tipos de aço. A gravura é feita pela placa após receberem uma camada de tinta sobre sua superfície, o que a possibilita imprimir a obra em papel ou outros materiais, a critério do artista.

E qual o diferencial dessa impressão? Assim como outras técnicas da gravura, as obras criadas podem ser reproduzidas diversas vezes, o que, para as produções, é ótimo, pois torna a gravura uma forma de arte muito mais acessível, sem perder seu valor único, sem deixar de ser uma obra única, com processos manuais e criativos.

Gravura em metal “L'Ombre Pyramidale” - Arthur Luiz Piza

Como é o processo de criação de uma gravura metal?

Há muitas etapas nele, exigindo acertos minuciosos e, claro, paciência, mas vamos combinar que, para artistas, não há segredo. 

O que o artista faz? 

1. A escolha e a preparação do metal

No primeiro passo, o artista prepara a placa de metal, e a cobre com uma camada protetora.

2. Desenho e preparação da parte que irá servir para impressão

No próximo passo, o artista utiliza materiais para criar sua arte, desenhando, gravando o metal ou corroendo na parte desejada da superfície.

3. Pintura da placa 

Após a gravação, é jogada uma camada de tinta na matriz de metal, após isso, a placa deve ser limpa, deixando apenas a pintura nas linhas e áreas que serão impressas.

4. Impressão

Por fim, a placa é pressionada contra um papel ou outro material da escolha do artista para transferir a imagem, gerando uma cópia.

Gravura em Metal - Renina Katz

Quais os tipos de gravura em metal?

A Água-Forte, a Água-Tinta, o Meio-Tom e a Gravura em Relevo são alguns dos exemplos de técnicas que fazem parte da Gravura em Metal, confira um pouco mais de cada uma delas e como são produzidas nos parágrafos a seguir:

Água-forte: uma camada de verniz ou cera é jogada na placa de metal, e com ela cria a gravação com ácido, que corrói as áreas que o artista evidenciou na arte, destacando linhas e texturas;

Água-tinta: ela permite criar sombreado mais suaves, imitando o efeito de aquarela, e é combinada com a água-forte;

Meio-tom: é o que cria a ilusão de tons contínuos, a partir de linhas e pontos, gerando uma impressão mais refinada e detalhada; 

Gravura em relevo: é a retirada do material da placa, que produz um efeito de alto relevo.

Gravura em metal, produzida em água-forte - Renina Katz

Gravura em metal: um método antigo, mas também contemporâneo!

A gravura em metal é uma das mais antigas técnicas da gravura, Inclusive, há gravuras em metal dos anos 1500, produzidas por vários gênios da arte da Renascença, como o alemão Albrecht Dürer.

Mas se você pensa que, por ter raízes na história da arte e com tantos novos métodos para artistas explorarem, ela ficou para trás, se engana. Ela não só se manteve ativa no repertório de inúmeros artistas com o decorrer dos anos, como continua a ser uma técnica amplamente utilizada por artistas atuais. 

Sua capacidade de reproduzir facilmente, criar texturas marcantes e detalhes ricos faz com que continue atraente para artistas que buscam um meio que combine tradição e inovação.

Além disso, ela permite que, se o artista quiser editar uma obra, criando uma nova edição e oferecendo novas perspectivas e interpretações da obra original, seja simples para ele.

Por isso, até nos dias atuais, a gravura em metal continua com forte demanda no mercado de arte. Cada impressão tem seu valor próprio, dada a singularidade do processo manual de produção.

Gravura em metal no Brasil: 

No período colonial, a gravura em metal chegou ao nosso país, por influência das escolas de arte europeias, especialmente a portuguesa, que dominavam as chegadas por aqui.

Mas, nessa época, a finalidade de seu uso era didática e científica, pois os artistas visitantes registravam as descobertas e o que viam de riquezas naturais da terra na gravura em metal. 

Com o tempo, no entanto, a gravura foi se distanciando de suas funções documentais, passando a ser uma verdadeira forma de arte, com expressões individuais e criativas.

Arthur Luiz Piza - Kaléidoscope

Você provavelmente conhece nomes como Arthur Luiz Piza, Marcelo Grassmann e Renina Katz, e eles foram alguns dos artistas brasileiros que aderiram à técnica para seus trabalhos, inclusive temos obras em gravuras em metal desses artistas em nosso acervo digital, sabia?

Se você quer contemplar uma arte criada com muita habilidade técnica, paciência e muito conhecimento sobre o processo de impressão, você poderia considerar ter uma gravura em metal. Ela carrega história, dons, habilidades, muita técnica e evolução, e sim, ela é contemporânea também.

Gravura em metal produzida em água-tinta - Arthur Luiz Piza

E se você gostou desse conteúdo e de conhecer mais da história dessa técnica impressionante, continue acompanhando nosso blog para conferir mais.

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Matriz e impressão de Xilogravura

A xilogravura nada mais é do que a técnica de impressão através da madeira, ela é uma das formas mais antigas e fascinantes de expressão artística e é sobre ela que iremos falar mais nos próximos parágrafos, aqui neste artigo do Blog da Galeria Livia Doblas. 

Do grego, "xylon", madeira e "grapho" gravura, grafia, escrever ou gravar, e descreve o processo de esculpir imagens ou textos através de blocos de madeira para posteriormente transferi-los para o papel ou outro tipo de superfície. Mas o que torna essa técnica tão especial, e como ela se mantém relevante na arte contemporânea. Então, vamos para a história e para importantes fatos sobre a técnica da xilogravura, o processo que envolve a gravação, e, claro, entender como que esta, que é uma das técnicas da gravura se tornou e continua sendo, desde muito tempo, uma ferramenta poderosa para artistas de diferentes vertentes e movimentos.

A Origem da Xilogravura

A origem da xilogravura vem da China, no século IX, onde foi utilizada inicialmente para realizar gravuras de manifestos budistas. Com o passar dos séculos, a técnica se espalhou na região asiática e caminhou para o Japão, em sequência, rumou à Europa e, mais tarde, às Américas. Durante o Renascimento, a xilogravura ganhou notoriedade como uma forma de produção em massa de imagens, especialmente através de impressões de livros ilustrados.

Já pelo Brasil, a xilogravura tem uma importância cultural e histórica imensa. Ela foi amplamente utilizada por alguns artistas modernos e contemporâneos que já implementaram técnicas da gravura em seu repertório. Assim foi sendo observada como uma maneira de registrar e preservar a identidade popular brasileira.

Gilvan Samico realizando uma xilogravura

O Processo de Criação da Xilogravura

Assim como outras técnicas da gravura, a xilogravura envolve inúmeros e importantes processos, que devem ser feitos de maneira meticulosa e que exigem grande habilidade e conhecimento completo da técnica por parte do artista. A seguir, podemos entender um pouco mais sobre cada um dos processos que são feitos na sequencia abaixo:

1. Escolha da Madeira

O primeiro passo na criação de uma xilogravura é a escolha do tipo de madeira que servirá como a matriz do processo. É comum vermos a cerejeira e a cedra serem utilizadas para a produção dos blocos ou matrizes de impressão, isso acontece por elas serem, em geral, materiais com uma superfície firme e lisa. Essa característica do material permite que o artista trabalhe com maior precisão na terceira parte do processo, a hora de esculpir.

2. Desenho no Bloco de Madeira

Após escolher a madeira, o artista desenha a arte que será gravada na matriz. Esse processo depende muito da maneira como o artista prefere realizar, mas pode ser feito de inúmeras formas, pois apenas servirá de base para o processo de escultura do bloco.

3. Gravura ou processo de Esculpir o Bloco de madeira

Esta, sem dúvida, é a parte mais importante da xilogravura. Nela, o artista esculpe e retira as partes da madeira que não serão impressas. Já as áreas que permanecerem em relevo são as que vão transferir a tinta para a impressão.

4. Aplicação da Tinta

Após a matriz estar esculpida, o passo seguinte é o da aplicação da tinta no bloco. Com cuidado, o artista passa a tinta na superfície do bloco que está em relevo, garantindo que todas as partes e áreas da matriz estejam cobertas.

5. Impressão

Depois de todos os processos feitos, o bloco de madeira com a tinta é pressionado contra o papel ou outro material de impressão. Isso pode ser feito manualmente ou utilizando uma prensa de xilogravura, que garante a pressão uniforme e um resultado mais preciso. O processo é repetido quantas vezes o artista desejar, com a possibilidade de criar obras em escala.

Exemplo de processo de realização de uma xilogravura

Artistas Renomados que Usaram a Xilogravura

Depois de vermos a maneira pela qual a gravura através da madeira é feita, podemos ver alguns artistas que levaram a xilogravura para o seu dia a dia e trabalharam com maestria na técnica, sendo reconhecidos por seus trabalhos.

Xilogravura de Emanoel Araújo

Gilvan Samico, Odetto Guersoni e Emanoel Araújo são grandes exemplos de brasileiros que elevaram a técnica dentro do Brasil. Sérvulo Esmeraldo e Tarsila do Amaral também trabalharam com extrema habilidade na técnica e produziram importantes obras através da xilogravura.

Obra de Gilvan Samico de Xilogravura

O Valor da Xilogravura na Arte Contemporânea

Embora a xilogravura seja uma técnica tradicional, ela permanece extremamente relevante na arte contemporânea. Artistas de todo o mundo continuam a experimentar e reimaginar a técnica, mantendo-a viva em um cenário artístico global.

Xilogravura de Odetto Guersoni

Hoje, a xilogravura não é apenas uma técnica artesanal, mas também uma forma de resistência cultural. Muitos artistas contemporâneos utilizam a xilogravura como uma maneira de expressar sua crítica social, política e ambiental. Além disso, a reprodução das imagens em tiragens limitadas torna a xilogravura uma forma acessível de arte para colecionadores e apreciadores.

Xilogravura de Mario Zanini

Xilogravura, uma técnica única

A xilogravura continua a ser uma técnica artística que combina tradição, habilidade técnica e uma profunda capacidade de expressão. Com suas raízes históricas e sua relevância contemporânea, ela permanece uma das formas mais ricas e interessantes de arte. Se você é um amante da arte ou um artista em busca de novas formas de expressão, a xilogravura é, sem dúvida, um campo que vale a pena explorar e apreciar.

Através da combinação de história, cultura e técnica, a xilogravura é uma arte que transcende o tempo e se mantém vibrante na contemporaneidade, sendo cada vez mais valorizada em museus, galerias e no mercado artístico global.

Este artigo da Galeria Livia Doblas tem o objetivo de trazer importantes fatos e explicar um pouco mais da xilogravura, que é uma das fascinantes técnicas da gravura.

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A escolha da moldura ideal para uma gravura ou quadro é um passo crucial para valorizar a obra de arte e harmonizá-la com o ambiente. Seja você um colecionador experiente ou esteja apenas começando a decorar sua casa, aqui estão algumas dicas essenciais para ajudar na escolha da moldura perfeita.

1. Entenda o Estilo da Obra

Cada obra de arte tem sua própria identidade e estilo. Antes de selecionar uma moldura, analise a paleta de cores, o tema e o movimento artístico da peça. Uma gravura moderna pode combinar melhor com molduras minimalistas, enquanto quadros clássicos geralmente se destacam com molduras ornamentadas e mais detalhadas.

2. Considere o Ambiente

A moldura também deve estar em sintonia com o espaço onde a obra será exposta. Observe a decoração, as cores predominantes e o estilo dos móveis. Um ambiente contemporâneo, por exemplo, pode pedir molduras mais simples e em tons neutros, enquanto espaços rústicos ou tradicionais podem combinar com molduras de madeira entalhada.

3. Escolha Materiais e Acabamentos

As molduras podem ser feitas de diferentes materiais, como madeira, metal ou MDF, e cada um tem suas próprias características:

• Madeira: versátil e clássica, é uma escolha popular para diversos estilos.

• Metal: ideal para um visual moderno e sofisticado.

• MDF: uma opção mais acessível e com muitas possibilidades de acabamento.

O acabamento também é importante: fosco, brilhante, envelhecido ou laqueado podem criar diferentes efeitos visuais e transmitir a sensação desejada.

4. Tamanho Importa

Certifique-se de que a moldura tenha proporções adequadas em relação à obra. Molduras muito largas podem sobrecarregar a peça, enquanto molduras muito estreitas podem não dar o devido destaque. Também é importante avaliar se você deseja incluir um passe-partout, que é aquela borda de papel ou tecido entre a obra e a moldura.

5. Proteção da Obra

Para gravuras e quadros delicados, considere usar vidros de proteção contra raios UV e poeira. Isso ajuda a preservar a peça por mais tempo, especialmente se ela for exposta à luz natural.

6. Busque Equilíbrio Visual

A moldura não deve competir com a obra de arte. Lembre-se de que o papel principal é destacar a beleza da peça. Escolha cores e designs que complementem, mas não roubem a atenção do quadro ou gravura.

7. Peça a Opinião de um Especialista

Se ainda estiver em dúvida, não hesite em consultar um especialista. Galerias de arte, como a Livia Doblas, possuem profissionais experientes que podem orientar na escolha da moldura perfeita para cada obra e contexto.

Escolher a moldura certa é uma arte em si. Com as dicas acima, você estará mais preparado para valorizar suas gravuras e quadros, criando composições harmônicas e sofisticadas. Visite nosso site para conferir opções exclusivas e conte com nossa ajuda para transformar sua decoração!

Exemplo de Litogravura 

Você sabe o que é a litogravura? Em um acervo de arte, além da variedade de cores e estilos, diferentes técnicas também são encontradas, com a litogravura, por ser uma técnica explorada por diversos artistas, não é diferente. Também conhecida como litografia, essa técnica se destaca por sua precisão e capacidade de padronização e escala, e é sobre ela que vamos falar hoje, aqui, no Blog da Galeria Livia Doblas.

Qual a origem da Litogravura?

Alois Senefelder - Inventor da Litogravura

A técnica da Litogravura surgiu no final do século XVIII, em 1796, desenvolvida pelo alemão Alois Senefelder. Inicialmente, ele procurava uma nova maneira de imprimir suas peças, e descobriu que a tinta poderia ser repelida por áreas tratadas com água em pedras calcárias. 

Esse método revolucionou a impressão, pois era mais barato e rápido do que as técnicas tradicionais, como a xilogravura e a gravura em metal.

 Com o tempo, a litogravura se tornou uma importante ferramenta para artistas, permitindo edições limitadas e um alto grau de refinamento na criação de obras. Assim, ela se firmou não apenas como um processo de impressão, mas como uma forma de expressão artística.

Qual o processo de criação de uma Litogravura?

Envolve um processo meticuloso e preciso, onde o artista começa desenhando com materiais oleosos sobre uma superfície de pedra ou chapa metálica. Em seguida, a chapa passa por um tratamento químico que fixa a tinta nas áreas desenhadas, preparando a superfície para a impressão. 

Pedra de calcária para uma matriz de litogravura

A tinta é então aplicada e transferida para o papel, gerando cópias da obra original. As litogravuras são produzidas em edições limitadas, garantindo a exclusividade e autenticidade de cada peça. Esse processo, que exige habilidade e cuidado, resulta em obras de altíssima qualidade gráfica e rica textura, admiradas por sua detalhada execução.

A Litografia no Brasil

Quando a litogravura se popularizou na Europa, chegou até Portugal e, com a vinda dos portugueses ao Brasil, a técnica foi trazida para o país. 

Por aqui, a litogravura, ou litografia ganhou força especialmente durante o Modernismo, e artistas como Oswald de Andrade Filho e Alfredo Volpi passaram foram alguns dos nomes que a adotaram como modo de fazer suas artes. 

Litogravura “Figuras na Praia - Oswald de Andrade Filho

A técnica se consolidou como uma das favoritas entre os artistas brasileiros, que a usaram para transmitir suas expressões. 

Litografia “Escudo e Arco” - Alfredo Volpi

Litogravura no mercado da Arte

As litogravuras possuem uma demanda especial no mercado de arte devido à sua exclusividade. Carregam o valor histórico de um processo artístico, o que as torna muito mais valiosas em comparação com impressões digitais ou offset.

Então, são vários os motivos que mostram o porque vale a pena garantir uma litografia em sua coleção. Claro que a primeira razão é que cada peça é única, com a assinatura do artista e a garantia de uma edição limitada.

Mas além disso, é garantia de qualidade, em que o processo de impressão resulta em detalhes e texturas que se destacam.

E há muito valor cultural, pois essas artes carregam um forte conteúdo histórico.

A litogravura vai além de ser uma simples técnica de impressão: é uma forma de experimentação artística. Adquirir uma litografia é sempre uma experiência única.

 Em nosso acervo digital, você pode encontrar diversas opções para contemplar e apreciar. Clique aqui e confira!

E você, já conhecia a história desse método de impressão? Em nossos próximos conteúdos, vamos abordar outras técnicas. Acompanhe nosso blog e nossas redes sociais para ficar por dentro de tudo!

Paulo Pasta é um dos artistas mais respeitados do Brasil, com uma carreira marcada por uma abordagem única que combina abstração, introspecção e poesia visual. Suas obras têm o poder de evocar silêncio e reflexão, convidando o espectador a explorar camadas de tempo, memória e emoção. A seguir, exploramos algumas das principais obras de Paulo Pasta, destacando os elementos que tornam sua arte tão singular.

1. Óleo e Cera sobre Tela

Uma das marcas registradas de Paulo Pasta é sua série de obras sem título, nas quais ele explora formas abstratas, cores suaves e texturas ricas. O óleo e a cera proporcionam uma qualidade tátil, enquanto as composições evocam paisagens interiores e emocionais. Essas obras frequentemente carregam uma paleta reduzida, mas cheia de nuances, demonstrando a habilidade do artista em criar profundidade com simplicidade.

Paulo Pasta - Big

2. Paisagens Abstratas

Embora Paulo Pasta seja amplamente conhecido por sua abstração, ele também revisitou as paisagens ao longo de sua carreira. Essas obras não são meras representações figurativas, mas interpretações emocionais e nostálgicas de espaços e memórias. As paisagens de Pasta combinam linhas geométricas com variações cromáticas sutis, criando um diálogo entre o real e o imaginado.

3. Gravuras e Serigrafias

As gravuras de Paulo Pasta são uma parte importante de seu repertório. Trabalhando com técnicas como serigrafia e gravura em metal, ele explora sobreposições de cores e formas que conferem dinamismo às suas obras. A precisão da técnica é equilibrada pela sensibilidade no uso das tonalidades, criando um efeito que cativa o espectador.

Paulo Pasta 2

4. Obras de Grande Formato

As obras de grande formato de Paulo Pasta são notáveis por sua presença imponente e pelas emoções que evocam. Muitas dessas pinturas apresentam faixas de cores justapostas, que parecem flutuar no espaço. Essa abordagem cria uma sensação de equilíbrio instável, refletindo o interesse do artista pelo diálogo entre forma e vazio.

5. Explorações Cromáticas

Um dos traços mais marcantes na obra de Paulo Pasta é sua habilidade em trabalhar com cores. Suas paletas, muitas vezes limitadas a tons pastéis, destacam a sutileza das transições e criam uma atmosfera de serenidade. Em outros casos, ele usa cores mais vibrantes para criar contrastes intensos, demonstrando sua versatilidade.

6. Séries Temáticas

Ao longo de sua carreira, Paulo Pasta criou várias séries de obras que exploram temas específicos. Essas séries refletem seu interesse pela repetição e variação, permitindo que ele aprofunde sua investigação sobre forma e cor. Cada obra dentro de uma série se conecta à outra, criando um conjunto coeso que oferece uma experiência visual rica.

O Legado de Paulo Pasta

As obras de Paulo Pasta transcendem o tempo e o espaço, estabelecendo um diálogo universal com o espectador. Sua arte é uma celebração da simplicidade e da complexidade, explorando como formas, cores e texturas podem se combinar para criar significados profundos. Seja através de pinturas, gravuras ou obras de grande formato, Paulo Pasta continua a impactar o cenário da arte contemporânea brasileira e internacional.

Para conhecer mais sobre Paulo Pasta e adquirir suas obras, visite a Galeria Lívia Doblas. Essa galeria reúne um acervo cuidadoso, apresentando o melhor da produção artística brasileira​

Pinturas rupestres nas Cavernas do Peruaçu - Januária MG

A história da arte no Brasil é repleta de momentos relevantes e admiráveis, marcados pela diversidade de conceitos. No entanto, é fato que alguns períodos se destacam mais que outros. Então, vamos explorar 5 momentos importantes que marcaram a arte brasileira. 

O início: pinturas rupestres 

Espalhadas por todo o Brasil, pinturas rupestres datam de até 12.000 anos atrás, representando o início da expressão artística no território. Essas obras apresentam formas variadas, incluindo grafismos abstratos e geométricos.

As representações incluíam figuras que lembravam silhuetas humanas e animais, retratando cenas do cotidiano da época, como caçadas, corridas e até elementos da flora local. 

Embora o significado exato seja incerto, essas expressões artísticas carregavam valores culturais, espirituais e sociais das comunidades pré-históricas. 

Desenho rupestre - sítio arqueológico em Manaus

E você sabia que os métodos de produção artística diferem entre as regiões? Refletindo a diversidade cultural e ambiental. 

Os maiores sítios arqueológicos com essas obras estão localizados no Nordeste, na Amazônia, no Cerrado Goiano e na Bacia do São Francisco, onde se encontram registros de inestimável valor histórico do início da arte. 

Além das pinturas rupestres, ficaram os sambaquis, encontrados ao longo da costa brasileira, que são antigos montes de conchas e resíduos deixados por povos que habitavam essas regiões. Entre esses depósitos, arqueólogos descobriram artefatos decorativos, como cerâmicas tapajônicas e marajoaras, que também são exemplos icônicos dessa expressão esculturas e ferramentas que revelam a sofisticação artística e cultural desses povos.  

O maneirismo, o barroco brasileiro e a arquitetura religiosa

Os jesuítas, ao desembarcarem em Salvador em 1549, introduziram projetos arquitetônicos inspirados no maneirismo português, caracterizado pela simplicidade de formas e volumes retangulares. Já os beneditinos, ergueram mosteiros que resistem até hoje, alguns preservados, outros modificados. Os franciscanos, por sua vez, deixaram obras grandiosas, como o Convento de São Francisco em Salvador, uma joia do barroco com interiores exuberantes e belíssimos painéis de azulejos pintados à mão. O rococó, mais leve e suave, surge posteriormente, destacando-se nas torres circulares e pinturas de tetos de igrejas mineiras. Já visitou alguma assim? 

Convento de São Francisco em Salvador

O fascinante nessa arquitetura é a mistura de estilos europeus: maneirismo, barroco e rococó, adaptados aos recursos e à mão de obra local. Como as construções levavam anos para serem concluídas, seus projetos eram constantemente alterados, resultando em igrejas com fachadas maneiristas, interiores barrocos e detalhes rococós. A abundância de ouro em Minas Gerais e o trabalho de artesãos brasileiros conferiram singularidade ao que chamamos de barroco brasileiro. 

Nesse contexto, surge Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho, nascido em Ouro Preto em 1738, autor de obras-primas como a Igreja de São Francisco de Ouro Preto, os 12 Profetas do Santuário de Bom Jesus de Matosinhos e as 64 esculturas da Paixão de Cristo. Mestre Ataíde, seu contemporâneo, deixou pinturas marcantes, como o teto da mesma igreja. Outros grandes nomes incluem Mestre Valentim, responsável por fontes e o Passeio Público no Rio de Janeiro, José Joaquim da Rocha, que decorou a Igreja da Conceição da Praia em Salvador, e João de Deus Sepúlveda, com contribuições em Pernambuco. 

Aleijadinho - Doze profetas no Santuário Bom Jesus 

O olhar Europeu sobre o Brasil transformado em Arte 

Por volta de 1630, os holandeses ocupam Recife e Olinda, e entre eles vieram artistas, destacando-se Frans Post e Albert Eckhout.  

Post produziu desenhos, gravuras e pinturas que inauguraram a representação artística das paisagens americanas. Após voltar à Europa em 1644, continuou retratando o Brasil, mesclando memória e fantasia, influenciando a visão europeia e contribuindo para a criação da Academia Imperial de Belas Artes em 1826. 

Frans Post - Vista da Cidade Mauricia e Recife

Albert Eckhout, por sua vez, se dedicou a documentar aspectos da história natural, como espécies botânicas e zoológicas, além de criar uma série etnográfica retratando indígenas e negros. Essas imagens, com narrativa intencional nas vestimentas e utensílios, buscavam reforçar as hierarquias sociais no Brasil holandês. 

Albert Eckhout - Índia Tupi do Nordeste Brasileiro

Assim como eles, diversos artistas europeus vieram ao Brasil, registrando em suas obras Minas Gerais, São Paulo, Rio de Janeiro, pintando a natureza e a vida urbana.  

Pinturas Brasileiras históricas  

Em 1852, Victor Meirelles, estudante da Academia Imperial de Belas Artes, vence o prêmio de viagem e vai para a Europa. Lá, pinta A Primeira Missa no Brasil, obra exposta e aclamada no Salão de Paris, recebendo elogios e homenagens de Dom Pedro II. 

Outro destaque na pintura histórica é Pedro Américo, autor de Independência ou Morte (1887) e Tiradentes Esquartejado (1893), onde retrata Tiradentes com referências iconográficas cristãs, comparando-o a Jesus Cristo, reforçando o simbolismo republicano. 

Pedro Américo - Independência ou Morte

Agostinho da Mota, integrante das primeiras gerações formadas pela Academia Imperial, destacou-se como um dos pioneiros brasileiros na pintura de naturezas-mortas no século XIX. 

Georgina de Albuquerque, primeira mulher a dirigir a Academia, revolucionou a pintura histórica em 1922 ao retratar Maria Leopoldina como protagonista da independência do Brasil em Sessão do Conselho de Estado. Sua abordagem rompeu com o padrão heroico masculino, trazendo a cena para um ambiente político e doméstico. 

Georgina Albuquerque - Sessão do Conselho de Estado

Modernismo Brasileiro  

O modernismo no Brasil incorporou práticas europeias, como o cubismo e o expressionismo, adaptando-as a um contexto cultural brasileiro. Alguns marcos importantes incluem a Semana de Arte Moderna de 1922, realizada no Teatro Municipal de São Paulo, um divisor de águas na história da arte brasileira.  

Tarsila do Amaral - Abaporu 

E, claro, o grupo formado por Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Menotti Del Picchia, Tarsila do Amaral e Anita Malfatti, marcou o início do modernismo. Mas outros nomes de destaque do período são Victor Brecheret, Di Cavalcanti, Cândido Portinari, Lasar Segall, Oswaldo Goeldi, Alfredo Volpi, Flávio de Carvalho, Burle Marx, Cícero Dias e Maria Martins. 

Nesse período, começam a surgir galerias e museus, essenciais para a circulação da arte e alcance público. Em 1947, foi fundado o MASP; em 1948, o MAM-SP; e, em 1949, o MAM-RJ.  

Construção do MASP - 1947

Em 1951, a primeira Bienal de São Paulo trouxe obras de todo o mundo, ampliando os horizontes da arte brasileira e conectando artistas e público ao cenário artístico global. 

E assim, começava a divulgação e a propagação da arte que conhecemos hoje. Graças a esses momentos e por grandes nomes que lutaram por seus talentos, hoje, temos uma história para explorar, arte para conhecer e contemplar. 

Se você quiser conhecer mais histórias de artistas e saber mais sobre a arte, confira outros conteúdos do nosso blog. 

Aproveite também para explorar nosso acervo digital, repleto de gravuras produzidas por grandes nomes da arte brasileira e mundial. 

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Fulvio Pennacchi

Fulvio Pennacchi, um nome que ecoa na história da arte brasileira, foi um artista multifacetado que deixou um legado inigualável. Nascido na Itália e radicado no Brasil, Pennacchi desenvolveu um estilo único, mesclando a tradição europeia com a vivacidade da cultura brasileira. Suas obras, ricas em detalhes e emoção, retratam a vida cotidiana, a natureza e a cultura popular de forma poética e realista. Neste artigo, vamos explorar a trajetória artística de Fulvio Pennacchi, com um foco especial em suas gravuras e em outros aspectos marcantes de sua produção.

Fulvio Pennacchi - Aldeia à Beira Mar - Acrílica sobre Duratex

A Formação do Artista Fulvio Pennacchi

Nascido em Villa Collemandina, na Itália, em 1905, Fulvio Pennacchi iniciou sua formação artística na Academia Real de Belas Artes de Lucca. Em 1929, aos 24 anos, imigrou para o Brasil, onde se estabeleceu em São Paulo. No Brasil, Pennacchi aprofundou seus estudos e desenvolveu um estilo próprio, influenciado pela arte italiana e pelas paisagens brasileiras.

Fulvio Pennacchi - Paisagem Brasileira - Óleo sobre Cartão

Fulvio Pennacchi, um artista versátil

Fulvio Pennacchi foi um artista completo, que dominava diversas técnicas artísticas. Além da pintura, ele se destacou como desenhista, ilustrador, gravador, muralista e ceramista. Sua obra abrange uma ampla gama de temas, desde paisagens e retratos até cenas do cotidiano e da cultura popular.

Fulvio Pennacchi - Festa em Família - Serigrafia

As Gravuras de Fulvio Pennacchi

As gravuras de Fulvio Pennacchi ocupam um lugar de destaque em sua produção artística. Através dessa técnica, o artista explorou a profundidade e a riqueza dos contrastes, criando obras de grande beleza e expressividade. Seus trabalhos em gravura revelam um domínio técnico impecável e uma sensibilidade aguçada para a luz e a sombra.

As gravuras de Pennacchi são marcadas por um traço firme e preciso, que define as formas com clareza e elegância. O artista explorou diferentes técnicas de gravura, como a xilogravura, a litografia e a gravura em metal, demonstrando uma grande versatilidade e um profundo conhecimento dos processos gráficos.

Fulvio Pennacchi - Volta da Colheita - Serigrafia

Os Temas de Fulvio Pennacchi

Um tema recorrente das obras de Fulvio foi as paisagens brasileiras, com grande sensibilidade, ele capturou a beleza da natureza em suas diferentes manifestações. As figuras humanas também são um elemento constante nas gravuras de Pennacchi. 

Pennacchi também registrou cenas do cotidiano com um olhar atento e detalhista, revelando a beleza e a poesia do dia a dia, como vemos em “Visitação”.

Fulvio Pennacchi - Visitação - Óleo sobre Placa

O Grupo Santa Helena e a Arte Figurativa no Brasil

Fulvio Pennacchi foi um dos integrantes do Grupo Santa Helena, um coletivo de artistas que se reunia em torno de Alfredo Volpi. O grupo defendia a arte figurativa e a representação da realidade, em oposição às tendências abstratas que dominavam a arte brasileira na época.

A participação de Pennacchi no Grupo Santa Helena foi fundamental para a consolidação de seu estilo e para a difusão de sua obra. Através do grupo, o artista teve a oportunidade de expor seus trabalhos e de trocar ideias com outros artistas, o que contribuiu para o enriquecimento de sua produção.

O Legado de Fulvio Pennacchi

Fulvio Pennacchi deixou um legado artístico de grande importância para a cultura brasileira. Suas obras são apreciadas por sua beleza, por sua técnica impecável e por sua capacidade de retratar a realidade de forma poética e realista.

O artista criou um universo visual rico e diversificado, que abrange desde paisagens bucólicas até cenas da vida urbana. Suas obras são um testemunho da história e da cultura brasileira, e continuam a inspirar novas gerações de artistas.

A Casa Museu Fulvio Pennacchi:

Para conhecer mais sobre a vida e a obra de Fulvio Pennacchi, vale a pena visitar a Casa Museu Fulvio Pennacchi, localizada em São Paulo. A casa-museu abriga uma grande coleção de obras do artista, além de documentos, fotografias e objetos pessoais.

Fulvio Pennacchi - Paisagem com Pescadores - Óleo sobre Tela

Fulvio Pennacchi foi um artista completo e versátil, que deixou um legado inesquecível para a arte brasileira. Suas obras, marcadas pela beleza, pela técnica e pela profundidade, continuam a encantar e a inspirar públicos de todas as idades. Ao explorar a vida e a obra desse grande artista, podemos apreciar a riqueza e a diversidade da arte brasileira e compreender a importância de preservar e difundir nosso patrimônio cultural.

A Galeria Livia Doblas possui um acervo completo de obras de arte e algumas telas Fulvio Pennacchi estão disponíveis, clique aqui para vê-las.

Fique ligado em nossas Redes Sociais e em nosso Blog para não perder nenhuma curiosidade do meio artístico e nenhuma biografia dos nomes mais importantes da arte do Brasil e do mundo.

Hércules Barsotti (1914-2010) foi um artista fundamental na história da arte brasileira, especialmente no contexto do concretismo e neoconcretismo. Nascido em São Paulo, começou cedo sua trajetória artística, recebendo formação inicial com Enrico Vio, que lhe ensinou técnicas de composição e desenho. Curiosamente, Barsotti formou-se em Química pela Faculdade Mackenzie, mas decidiu dedicar-se integralmente às artes plásticas no início da década de 1940.

Início da Carreira e Influências

No início, Barsotti flertou com o surrealismo, produzindo naturezas-mortas e paisagens. Porém, sua linguagem evoluiu para uma abordagem mais abstrata e geométrica, alinhando-se ao movimento concretista. Ele tornou-se um dos pioneiros no uso da geometria rigorosa e do minimalismo em suas composições, valorizando a interação entre forma, espaço e cor.

Hércules Barsotti - B2

Concretismo e Transição ao Neoconcretismo

Barsotti integrou o grupo neoconcretista, movimento que surgiu como uma resposta à rigidez do concretismo ortodoxo. Nessa fase, seus trabalhos exploraram o uso do preto e branco, devido à praticidade dessas cores com tintas a óleo. Apesar de sua formação matemática refletir-se nas composições precisas, ele também enfatizou a dimensão sensível e subjetiva da arte, colaborando com figuras como Ferreira Gullar e Lygia Clark.

Hércules Barsotti - Z

A Profundidade de Suas Obras

Os trabalhos de Barsotti são marcados por uma ilusão de tridimensionalidade e por um equilíbrio delicado entre forma e fundo. Mesmo em sua fase inicial, em que predominavam formas geométricas simples, já era possível perceber a complexidade expressiva de suas criações. Com o avanço de sua carreira, ele começou a incorporar cores vibrantes, criando composições que desafiavam a percepção do espectador.

Hércules Barsotti - B3

As Gravuras e a Técnica da Serigrafia

A partir dos anos 1950, Barsotti destacou-se no uso da gravura, particularmente da serigrafia. Essa técnica não apenas permitiu uma maior reprodução de suas obras, mas também expandiu as possibilidades de experimentação com formas e cores. Em suas serigrafias, a cor não era meramente decorativa, mas atuava como elemento construtivo, definindo formas e criando uma sensação de profundidade e volume.

Hércules Barsotti - B8

Reconhecimento e Legado

A relevância de Barsotti transcende o Brasil, com suas obras sendo apreciadas internacionalmente. Ele é reconhecido como um dos maiores expoentes da arte concreta e neoconcreta, produzindo até os 90 anos e sempre explorando novos materiais e técnicas. Suas criações continuam a inspirar artistas contemporâneos e são frequentemente vistas em exposições e coleções prestigiadas.

Hércules Barsotti deixa um legado de inovação, demonstrando como a geometria e a abstração podem ser veículos para uma profunda expressão poética. Suas obras são um convite à contemplação e um marco na história da arte brasileira.

Gostou? Então venha conhecer mais sobre o artista Hércules Barsotti e suas obras que estão no nosso acervo.

Inos Corradin

Inos Corradin é, com certeza, um nome muito lembrado quando pensamos no meio artístico brasileiro. Nascido em Vogogna, na Itália, em 1929, o artista plástico começou a se interessar pela arte após admirar um trabalho em homenagem aos falecidos na guerra, onde trabalhou como mensageiro. A família de Inos encontrou em nosso país um refúgio, assim como outras milhares que não se viam mais capazes de vivenciar os horrores de um tempo sombrio. Além disso, foi aqui onde se deparou com um terreno fértil para desenvolver um estilo único e marcante artisticamente, caracterizado por cores vibrantes, traços expressivos e um olhar único sobre a vida.

O início da Jornada Artística de Inos Corradin

Inos Corradin veio ao Brasil aos 21 anos, porém, seus primeiros passos no meio artístico ainda foram dados em solo italiano, junto ao professor Tardivello, em Castelbaldo. Em 1950, quando se mudou ao Brasil, fixou residência em Jundiaí, cidade próxima a São Paulo. A partir daí, Inos não largaria nunca mais o meio artístico, sua trajetória no cenário da arte foi marcada por uma produção diária muito extensa, como ele próprio diz, foi uma carreira construída todos os dias. Inos teve participação em diversas exposições coletivas de grande relevância, como o Salão Paulista de Arte Moderna e o Salão Nacional de Arte Moderna.

Inos Corradin - Menino com Barquinho - Serigrafia

As Gravuras de Inos Corradin

As gravuras de Inos Corradin representam muito seu lado trabalhador da arte, um artista apaixonado pela técnica e pela possibilidade de ter um trabalho ainda mais extenso, produtivo e escalável. Seus trabalhos nesse formato não fogem do restaurante de suas obras e são caracterizados por um traço incisivo e por um jogo de contrastes entre cor, luz e sombra que permitem trazer um tom caricato ao seu trabalho, ao mesmo tempo em que trazem profundidade e expressividade às telas. A temática é variada, abrangendo desde paisagens bucólicas até cenas do cotidiano, sempre com um toque de humor e ironia.

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Inos Corradin - Saxofonista - Serigrafia

Seu olhar do mundo através da tela

A obra de Corradin é marcada por uma originalidade única. Sem perder o seu estilo característico, trouxe em seu trabalho várias paisagens, retratos e paisagens. Como dissemos, a cor e a forma estão extremamente presentes e são as principais marcas de seu trabalho, criando composições vibrantes e alegres. Seus personagens, muitas vezes caricatos, revelam uma grande capacidade de observação e um senso de humor aguçado.

As paisagens de Corradin são marcadas por uma forte presença da natureza, com um tom extremamente sensível, através do qual conseguimos sentir o que Inos gostaria de trazer sentimentalmente ao espectador.

Os retratos de Corradin são caracterizados por uma grande expressividade, representando personagens curiosos, com destaques caricatos.

Inos Corradin - São Francisco - Serigrafia

O Legado de Inos Corradin para o cenário brasileiro

A obra de Inos Corradin representa um importante capítulo da história da arte brasileira. Seu estilo único, que combina elementos da caricatura com tom humorístico em diversas vertentes da arte, por isso está em um lugar de destaque entre os artistas de sua geração.

Para além do lado técnico da análise de suas obras, podemos ver Corradin como um artista que traz sua visão leve e bem humorada através de suas obras. Também podemos analisar seu trabalho como um meio que é capaz de proporcionar momentos de alegria e reflexão, convidando-nos a apreciar a beleza das coisas simples e a celebrar a diversidade da vida.

Inos Corradin - Gato e peixe - Serigrafia

Inos Corradin é um artista completo, que soube explorar diversas técnicas e temáticas, sempre com um toque de originalidade e criatividade. Sua obra, marcada por cores vibrantes, traços expressivos e um olhar irônico sobre a vida, representa um importante legado para a arte brasileira. Ao longo de sua carreira, Corradin conquistou um público fiel e admiradores em todo o mundo, consolidando seu lugar na história da arte.

Se gostou de saber um pouco mais sobre a vida e a obra de Inos Corradin, não esqueça de acompanhar o Blog da Galeria Livia Doblas, por aqui você pode saber muito mais sobre a vida e a carreira de inúmeros importantes artistas do cenário brasileiroe e mundial.

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E se está interessado em conhecer mais obras de Inos Corradin, clique aqui e veja todo o acervo que temos em nossa Galeria.

Athos Bulcão

Athos Bulcão revelou que sua decisão de abandonar a Medicina e se dedicar à arte foi influenciada pela leitura da obra Carta a um Jovem Poeta, de Rainer Maria Rilke.  

Essa mudança de direção foi crucial, pois Bulcão se tornou uma figura de destaque no Modernismo brasileiro, participando ativamente da renovação estética e cultural do país. 

Como era a arte de Athos Bulcão? 

O que esperar de um artista multifacetado: escultor, pintor e desenhista?   

 Seu trabalho é marcado pelo uso de grafismos, com formas geométricas e uma paleta de cores vibrante, que conferem aos seus trabalhos uma fluidez única, repleta de movimento e expressão. 

Athos Bulcão e suas obras, que exploram cores vibrantes, movimento e figuras geométricas.

Sua arte nunca foi superficial. Ela é repleta de profundidade, representando não apenas a estética, mas também uma reflexão sobre o mundo ao seu redor. Bulcão usava o espaço, a cor e a forma para transmitir emoção e significado.  

As temáticas de suas obras são diversas, abordando desde a natureza e a cultura brasileira até questões sociais e políticas.  

A gravura, em particular, foi um dos meios que Bulcão usou para expressar suas ideias, como ele mesmo afirmou: "A experiência da vida, as pessoas que a gente conhece, as desilusões, tudo são tópicos para se tornarem temas de arte." 

As amizades artísticas de Athos Bulcão 

Se na infância, Bulcão esteve cercado por  Monteiro Lobato, amigo de seus pais, na fase adulta, as suas amizades teriam outros grandes nomes da arte e da literatura.  

Entre esses amigos, destacam-se Jorge Amado, Vinicius de Moraes, João Filgueiras Lima, Burle Marx, Tom Jobim, Manuel Bandeira, entre outros. 

Um grande círculo de amigos, não é mesmo? Pessoas de peso que, sem dúvida, contribuíram significativamente para sua ascensão. E foi exatamente por meio de um desses amigos que Athos Bulcão foi apresentado a outro nome relevante da história do Brasil: Oscar Niemeyer. 

Marianne Peretti, Athos Bulcão, Alfredo Ceschiatti, Oscar Niemeyer, José Sarney e Burle Marx em Brasília

E não foi apenas uma amizade qualquer: após alguns contatos, Niemeyer o convidou para projetar os azulejos externos do Teatro Municipal de Belo Horizonte.  

Embora a obra tenha permanecido inacabada e o painel nunca tenha sido realizado, essa amizade e o vínculo com Niemeyer abriram novos horizontes para o artista, marcando o início de uma série de colaborações que seriam fundamentais para sua carreira.  

E é sobre esse assunto que vamos falar no próximo capítulo. 

A amizade com Oscar Niemeyer e a mudança na vida de Bulcão 

Em 1958, a convite de Niemeyer, Bulcão se mudou para Brasília para contribuir com a construção da nova capital e reforçar sua arquitetura moderna. Foi nesse contexto que nasceu um novo estilo na arte de Bulcão: a arte arquitetônica. 

Athos Bulcão e Oscar Niemeyer, além de parceiros profissionais, desenvolveram uma verdadeira amizade.

“Artista eu era. Pioneiro eu fiz-me. Devo a Brasília esse sofrido privilégio. Realmente um privilégio: ser pioneiro. Dureza que gera espírito. Um prêmio moral.” 

Por lá, o trabalho de Bulcão era integrado à arquitetura de Niemeyer, criando uma conexão única entre arte e arquitetura. A partir disso, ele começou a deixar sua marca em murais, painéis e relevos de edifícios públicos da cidade.  

Painel de Athos Bulcão no Aeroporto Internacional Juscelino Kubitscheck | Foto: Edgard Cesar/Fundação Athos Bulcão

Entre as obras mais emblemáticas, destacam-se os painéis do Congresso Nacional, a Igrejinha Nossa Senhora de Fátima e o Aeroporto Juscelino Kubitschek, todos em Brasília. 

Brasília Inspirou Bulcão 

Foi em Brasília que Athos Bulcão encontrou uma nova identidade artística, marcada de forma indelével pelos seus painéis de azulejos. Espalhados por diversos edifícios da cidade, esses painéis se tornaram verdadeiras obras de arte a céu aberto.  

Athos Bulcão na Igrejinha Nossa Senhora de Fátima

A utilização dos azulejos como suporte permitiu a Bulcão criar painéis de grandes dimensões, cobrindo fachadas inteiras de edifícios. Essa característica única fez com que suas obras se tornassem ícones da arquitetura modernista brasileira. 

Painel de Athos Bulcão no Cine Brasília

É em Brasília que a arte de Bulcão pode ser plenamente apreciada. Seus azulejos decoram, por exemplo, o embarque do Aeroporto Internacional de Brasília, ou, ainda, sua arte pode ser admirada por quem segue o caminho da Universidade de Brasília, por quem passeia pelo Cine Brasília e pelo Teatro Nacional Cláudio Santoro, por exemplo. Em cada esquina, Bulcão deixou sua marca, tornando a cidade um museu ao ar livre. 

Athos Bulcão - Brasília Palace Hotel - Serigrafia

Assim se escreve a história de um artista corajoso, criativo, inovador, inquieto, expressivo e de uma excelência incomparável. 

Que privilégio poder admirar suas obras, não é mesmo? 

E você sabia que temos gravura de Athos Bulcão em nosso acervo? Clique aqui e confira!

E te convidamos a continuar navegando em mais histórias inspiradoras como essa, é só acessar o nosso blog para explorar outros conteúdos disponíveis.

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Claudio Tozzi

Os papagaios, com suas cores e “vozes” características, sempre fascinaram a humanidade, isso não é diferente do que podemos encontrar nos trabalhos marcantes de Claudio Tozzi e suas “Papagálias”. 

Na obra do artista plástico brasileiro Claudio Tozzi, essas aves encontram um lugar de destaque, tornando-se um dos símbolos mais icônicos de sua produção artística. Neste artigo, vamos ver cada detalhe do universo das papagalias de Claudio Tozzi, explorando suas características, o significado que carregam e o contexto histórico e artístico em que foram criadas.

Nascido em 1944, em São Paulo, Claudio Tozzi é um artista brasileiro contemporâneo. Sua formação profissional é em Arquitetura e Urbanismo, na Universidade de São Paulo, a USP. Talvez, essa formação tenha aflorado ainda mais a sua profunda sensibilidade artística, o que tornou sua obra ainda mais rica.

A década de 1970 talvez tenha sido o ponto alto de sua carreira, quando se debruçou sobre o trabalho artístico e, após uma viagem para a Europa, de onde trouxe muito aprendizado, explorou diversas linguagens artísticas, desde a pintura até a gravura. Nesse período, os papagaios de Claudio Tozzi, ou “As Papagálias”, como assinava, começaram a ganhar destaque em suas obras, tornando-se um elemento recorrente e emblemático de sua produção.

Claudio Tozzi - Papagalia 1 - Acrílica sobre Tela

As Papagalias de Claudio Tozzi e o Simbolismo

A escolha das papagálias como tema central de suas obras não foi casual. Tozzi vinha em um momento onde começava a trazer elementos da natureza em suas obras. Porém, ao contrário do que era comumente visto, ele dividia o estético do emocional, com a intenção de trazer um olhar quase que cetico ao seu trabalho. Na obra de Tozzi, as papagalias adquirem um significado ainda mais profundo, funcionando como um canal de comunicação direto entre o artista e o espectador, sem outros elementos da natureza.

Claudio Tozzi - Papagalia 2 - Acrílica sobre Tela

As Gravuras de Claudio Tozzi

As gravuras de Tozzi são conhecidas por sua técnica apurada e por suas cores vibrantes. A utilização de elementos da natureza, como as papagálias, é uma constante em suas obras, que se caracterizam por um forte apelo visual e por uma simbologia rica e complexa, unida à utilização de cores bem marcadas e vivas.

Claudio Tozzi - Xadrez - Serigrafia

O Processo Criativo de Tozzi

A técnica utilizada por Tozzi em suas gravuras é resultado de um longo processo de experimentação e aprimoramento. O artista utiliza diversas ferramentas e materiais, como xilogravura, serigrafia e litografia, para criar obras únicas e originais.

As cores vibrantes e contrastantes presentes em suas gravuras são uma característica marcante de sua obra. Essa escolha cromática não é aleatória, mas sim intencional, buscando transmitir emoções e sensações ao espectador.

Claudio Tozzi - Sem Título - Serigrafia

A evolução técnica e o Legado de Claudio Tozzi

A passagem de Claudio Tozzi pela pop-art foi um fator fundamental para a sua formação e para o decorrer de sua carreira como artista. A apropriação de elementos da cultura popular e a utilização da linguagem visual da publicidade permitiram que ele desenvolvesse um repertório visual rico e diversificado. No entanto, a necessidade de ir além da mera representação da realidade o levou a buscar novas formas de expressão. A pintura abstrata, com sua liberdade formal e sua capacidade de evocar emoções profundas, ofereceu a Tozzi um terreno fértil para experimentar e inovar.

É importante ressaltar que é interessante analisar que Tozzi foi um artista que passou pela arte pop e pela abstração, mas isso não representou, em nenhum momento,  uma ruptura em seu trabalho, pelo contrário, se pode analisar isso como um processo de evolução. Suas obras abstratas não traziam um tom extremamente diferente do que suas pinturas figurativas, para muitos críticos, é possível analisar e encontrar conceitos do figurativo em suas artes abstratas e vice-versa. Isso acontece da mesma maneira com as cores vibrantes, as formas geométricas e as composições.

As obras de Claudio Tozzi são expostas frequentemente em grande parte do mundo e, além disso, são apreciadas por amantes da arte também em todo o mundo. Suas gravuras com Papagálias são consideradas verdadeiras jóias do acervo de galerias de arte.

Claudio Tozzi - O Beijo - Serigrafia

As papagálias de Claudio Tozzi são muito mais do que simples representações de aves. Elas são um símbolo do artista. Que não queria ser conhecido apenas como o pintor dos papagaios, mas por todo o conteúdo de suas obras. Através de seu trabalho, Tozzi nos convida a celebrar a diversidade e a complexidade da existência, e a encontrar beleza e significado em cada detalhe da vida.

Se gostou de saber um pouco mais sobre as papagálias de Claudio Tozzi, fique sempre ligado no Blog da Galeria Livia Doblas, aqui você fica sabendo sobre todas as curiosidades do meio artístico e conhece a carreira dos mais importantes nomes da arte brasileira.

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Alfredo Volpi

As Madonas são uma expressão marcante da fase religiosa na arte de Volpi 

As Madonas de Volpi são um exemplo claro da temática religiosa que permeia uma parte significativa de sua obra. O artista, que passou grande parte de sua vida em São Paulo, imerso na comunidade italiana e nas tradições religiosas que ali viviam, encontrou na figura de Maria uma maneira de expressar essas vivências.

Litografia de Alfredo Volpi - Madona e Menino Jesus

Além disso, quando as Madonas surgiram, Volpi atravessava uma nova fase em sua arte, na qual deixava de lado a pintura de observação para se voltar à memória. Esse período coincidiu com seu fascínio pela arte colonial, o que o levou a se aproximar de temas populares e religiosos.

A abordagem religiosa e a figura materna foram fundamentais na construção de sua identidade artística. As Madonas, em sua maioria, são representadas de forma simples e imponente, com Maria, em seu semblante sereno e protetor, como a figura central.

Quais são as técnicas e características das Madonas de Alfredo Volpi? 

Ao contrário das representações mais convencionais e detalhadas da Virgem, Volpi optou por simplificar as formas, utilizando cores intensas e linhas bem delineadas, transmitindo uma sensação de serenidade e harmonia. Seu estilo nessas obras reflete uma fusão entre o espiritual, a tradição e a inovação.

Em vez de buscar o detalhamento e o sombreamento típicos de outras representações religiosas, o artista escolheu fundos monocromáticos, com tons de vermelho, amarelo e azul, criando profundidade e destacando a figura central de Maria e seu filho.

Alfredo Volpi - Madona - Serigrafia

As figuras não buscam a perfeição clássica, mas sim rostos expressivos, distantes da idealização humana. Essa simplicidade não é desleixo, mas sim uma maneira de acentuar a pureza e a transcendência da figura representada. Nas Madonas, Volpi coloca a espiritualidade da cena em evidência, centralizando a figura materna e divina, sem distrações.

Essa abordagem é um exemplo claro da habilidade de Volpi em transformar o simples em algo sublime.

As Madonas surgiram para marcar uma fusão nas gravuras de Alfredo Volpi

Nesse contexto de arte religiosa, o artista inovou, expressando sua própria visão, transformando a Virgem Maria em uma figura que se conecta de forma direta e acessível com o público. É uma verdadeira fusão entre o sagrado e o popular. 

A influência da cultura italiana e brasileira, suas vivências com festas tradicionais e a devoção religiosa, estão presentes nessas obras, que acabam refletindo sua história e identidade pessoal.

Litografia de Alfredo Volpi - Madona e Menino Jesus 2

Ao criar suas Madonas, Volpi conquistou não apenas seus admiradores artísticos, mas também um público religioso. Essa conexão com uma estética mais simples e acessível torna as figuras de Maria facilmente reconhecíveis por qualquer espectador, independentemente de sua formação religiosa. 

Isso torna essas obras ainda mais poderosas, pois elas transcendem a arte sacra tradicional, tornando-se universais e atemporais.

O Legado das Madonas de Volpi

As Madonas de Alfredo Volpi são um exemplo clássico da diversidade e profundidade de sua obra. Elas refletem a dualidade entre o popular e o sagrado, entre o moderno e o tradicional, e convidam a uma apreciação mais forte e reflexiva sobre a arte religiosa no Brasil.

Alfredo Volpi - Madona e o Menino - 1940

Essas obras representam não apenas uma vertente importante de sua produção, mas também um meio de reflexão do espectador sobre fé, devoção e a beleza na arte. São peças que, além de enriquecerem exposições, museus e galerias, tocam profundamente quem as observa.

Entre as bandeirinhas e as formas geométricas, as Madonas formam uma parte essencial do legado desse grande mestre da pintura brasileira.

Você já teve contato com essas gravuras tão especiais? Se ainda não, clique e conheça as Madonas de Volpi, disponíveis em nosso acervo. É uma bela arte para a sua casa, você leva obras que transmitem bênçãos e fé para seus ambientes. Além de Madonas, você pode conferir também outras admiráveis gravuras do artista.

E, se você deseja descobrir mais histórias sobre arte e artistas, o nosso Blog está cheio de conteúdos fascinantes sobre artistas brasileiros e do mundo inteiro. 

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Paulo Pasta

Paulo Pasta, sem dúvidas, é um dos mais importantes nomes da arte contemporânea brasileira, além de suas obras, vem deixando um legado importantíssimo para a sequência da arte brasileira. Sua obra é marcada por um estudo contínuo e ininterrupto sobre a utilização da cor, da forma e dos materiais. Suas gravuras fogem do tradicional, principalmente por trabalhar a união entre a forma e a cor, com tonalidades ímpares, que criam ligações entre si. Neste artigo, traremos a história do artista e nos aprofundaremos em suas gravuras, além de, claro, analisando sua trajetória artística, suas técnicas preferidas e o impacto de sua obra no cenário artístico brasileiro.

Paulo Pasta - Big - Serigrafia

Os primeiros passos de Paulo Pasta na arte

Nascido em Ariranha, no interior de São Paulo, em 1959, Paulo Pasta se formou em Artes Plásticas pela Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, a ECA-USP, em 1983. Após sua formação incluiu em seu repertório diversos estudos em desenho e gravura em metal através de Evandro Carlos Jardim, em litografia e serigrafia pelas aulas de Regina Silveira, e também de pintura com aulas dos artistas Donato Ferrari e Carmela Gross. Através de ensinamentos robustos, teve uma sólida base teórica, teve a capacidade de criar um estilo próprio único e inconfundível.

As Gravuras de Paulo Pasta

Como dissemos no parágrafo anterior, a gravura ocupa um lugar de destaque na produção artística de Paulo Pasta. O artista explorou diversas técnicas, como a gravura em metal, a serigrafia e a xilogravura, buscando sempre novas possibilidades expressivas. Sua obra gráfica é marcada principalmente pelo uso de formas e cores.

Foi através da gravura que Paulo Pasta explorou as tonalidades e as cores. A serigrafia permitiu que ele criasse obras de grande formato e com cores vibrantes. O artista explorou as possibilidades da sobreposição de cores e da criação de texturas, resultando em composições visuais de grande impacto.

Paulo Pasta 2 - Serigrafia

O Estilo Artístico de Paulo Pasta

O estilo de Paulo Pasta é caracterizado por uma grande liberdade formal e por uma paleta de cores rica e variada. Ao mesmo tempo, ele é capaz de trazer algumas tonalidades dentro de uma mesma cor.

Paulo Pasta também teve grande Influência da Geração Oitenta e é um dos poucos que ainda faz parte dela. Essa geração nada mais é do que o grupo de artistas que emergiu na década de 1980 e que se destacou por sua produção marcada pela abstração e pela investigação formal. 

A obra de Pasta dialoga com a de outros artistas dessa geração, como José Rufino e Jarbas Lopes, mas apresenta um caráter distintivo, marcado por uma maior liberdade formal e por uma maior exploração da cor.

Paulo Pasta, um artista único

Paulo Pasta se diferencia dos demais artistas de sua geração por sua capacidade de unir a tradição da gravura com as inovações da arte contemporânea. Suas obras são marcadas por uma grande originalidade. O artista buscava, em suas gravuras, a criação de um universo visual próprio, marcado por um aspecto visual valioso e pelo trabalho da forma e das tonalidades de cor.

Paulo Pasta - Sem Título - Óleo e cera sobre tela

O Legado de Paulo Pasta para a arte brasileira

Paulo Pasta vem deixando um legado incontestável nas artes plásticas brasileiras. Sua obra, marcada por uma grande originalidade e por uma profunda investigação sobre a união entre a forma e a cor, continua a inspirar artistas e admiradores de arte. As gravuras de Paulo Pasta trazem consigo a vitalidade da arte brasileira e conversam com as tendências presentes na arte contemporânea.

Além disso, as obras de Paulo Pasta são marcadas por uma grande diversidade de técnicas e temas, elas nos convidam a uma imersão profunda trazendo aspectos da arte passada, o que nos permite uma sensação nostálgica ao ponto que elas são observadas. Ao explorar, observar e analisar as diferentes facetas da produção gráfica de Paulo Pasta, podemos compreender melhor a importância de sua obra para a arte brasileira contemporânea.

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Rubens Gerchman

Neste artigo do Blog da Galeria Livia Doblas traremos a história e a carreira do artista Rubens Gerchman, um dos mais importantes da história da arte brasileira do século XX. Seu legado é incontestável para a arte nacional e suas obras trazem um olhar crítico e reflexivo sobre o Brasil no qual viveu, abordando temas como a cultura popular, o cotidiano e a até mesmo a criminalidade. Além de seus temas, vamos nos aprofundar em três aspectos fundamentais de sua produção artística: as gravuras, os beijos e a influência da pop art.

Rubens Gerchman e “Os Beijos”, um símbolo do artista

O beijo, para Gerchman foi além de um gesto universal e carregado de sentimentos e significados, foi um de seus principais temas. Através das telas, Rubens Gerchman trouxe o beijo como um espectador, como quem ve um casal de forma a não ser percebido.

Rubens Gerchman - Beijo 2 - Serigrafia

A influência da pop-art para Rubens Gerchman

A pop-art foi movimento artístico que surgiu nos Estados Unidos na década de 1950. Esse movimento trouxe uma profunda influência para diversos brasileiros, e não foi diferente para a obra de Rubens Gerchman. O artista brasileiro incorporou elementos da cultura de massa, como jogadores de futebo. Essa temática foi incorporada por ele após sua viagem aos Estados Unidos, onde em Nova Iorque, participou de exposições do movimento.

Ao utilizar imagens e ícones da cultura popular, Gerchman teve a capacidade de estreitar a sua comunicação com o espectador, convidando-o a refletir sobre outros temas que trazia em seus trabalhos. As obras de Gerchman que fazem referência à pop-art são marcadas por uma estética vibrante e colorida, assim como a característica do movimento.

Rubens Gerchman e sua obra da Pop-art - Ronaldinho Gaúcho

As gravuras de Rubens Gerchman

A gravura desempenhou um papel crucial na obra de Rubens Gerchman. A técnica permitiu que ele explorasse a multiplicação da imagem e trouxesse maior escala aos seus trabalhos, além de difundir suas telas por mais amantes de seus trabalhos. Muitas vezes, Rubens trouxe obras de tamanho de médio para grande, com composições vibrantes e repletas de referências visuais da cultura popular brasileira, assim como as cores vibrantes, utilizadas de forma característica, com traços fortes e rústicos.

A técnica da serigrafia foi muito utilizada por Rubens Gerchman. Através dessa técnica, ele trouxe texturas e contrastes marcantes, conferindo às suas obras um caráter expressivo, sem deixar de lado suas características marcantes e únicas.

Rubens Gerchman - Beijo Roubado - Serigrafia

As Conexões artísticas de Rubens Gerchman

Rubens Gerchman teve uma carreira cheia de trocas de conhecimento com importantes nomes da Arte Brasileira. Essas colaborações, tanto nacionais quanto internacionais, contribuíram significativamente para o desenvolvimento de seu trabalho e de sua carreira, além de consolida-lo indiscutivelmente como uma importante nome da arte brasileira também fora do Brasil.

Rubens Gerchman - Carro Verde - Serigrafia

O Legado de Rubens Gerchman para a arte brasileira

O legado de Rubens Gerchman para a arte brasileira é imenso, principalmente quando olhamos para alguns fatores, como a importancia da cultura popular, a crítica que trazia ao meio no qual se inseria, e a crítica que trazia a falta ou a maneira que se davam os estudos artísticos, tudo isso unido a trabalhos multifacetados, com técnicas e tematicas relevantes e divergentes.

Gerchman demonstrou que a cultura popular pode ser fundamental para a transformação do olhar da sociedade para temáticas muitas vezes esquecidas, e tornou isso uma das principais fontes de inspiração para seus trabalhos. Ao incorporar elementos da vida cotidiana, da publicidade e dos quadrinhos em suas obras, ele abriu caminho para uma arte mais acessível e engajada.

Podemos ver sua obra como instrumento de crítica social a partir do momento em quem observamos trabalhos, muitas vezes provocativos e polêmicos, mesmo que sutilmente, isso, unido às tematicas populares, trouxe poder de reflexão e de conscientização para a sociedade.

A diversidade de técnicas e linguagens também são fatores importantes para entendermos a importancia de Gerchman. Ele não se limitou a um único estilo ou técnica, analisando seus trabalhos, vemos uma grande diversidade de linguagens, o que demonstra sua versatilidade e sua capacidade artística única.

Gerchman foi um crítico do sistema de ensino artístico do Brasil e além do questionamento sobre isso, dedicou grande parte de sua vida à educação artística. Como diretor da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, ele contribuiu para a formação de novos artistas e para a democratização do acesso à arte.

Rubens Gerchman - Namoro no carro verde - Serigrafia

Rubens Gerchman foi um artista que sempre buscou novos meios e novas técnicas, foi completo, inovador e multifacetado. Além de suas obras e seus trabalhos, de suas gravuras, de suas telas, e de seus famosos beijos, ele deixou um grande legado para a arte brasileira. Os temas que explorou e o aprendizado resultante da troca de experiências com outros artistas trouxeram grande relevância e enriquecimento às suas obras, assim como a exploração de temas como a cultura popular de grandes centros urbanos. Além de sua época, sua obra ainda inspira as novas gerações de artistas.

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Tomie Ohtake

Tomie Ohtake sem dúvidas é um dos nomes mais lembrados da história da arte brasileira, deixou um legado único, inigualável, marcado por uma forma ímpar de utilizar as formas e as cores, além de se expressar artisticamente através de uma característica inconfundível. Nascida no Japão, Tomie Ohtake se difundiu no meio artístico no Brasil. Em um período onde muitos japoneses migraram com a finalidade de trabalhar em fazendas e em plantações, já que o Japão não vivia suas melhores épocas.

Por aqui, Tomie foi responsável por mudar o cenário artístico nacional até então visto, se transformando em uma das personalidades mais lembradas quando o assunto é arte. Neste artigo, traremos inúmeros fatos sobre sua carreira, o legado que trouxe para meio artístico e, claro, os detalhes de suas técnicas e de sua obra, que passou por algumas facetas, desde a pintura, até a gravura e a escultura, o que a torna uma artista excelente, no significado mais simples da palavra.

Óleo sobre tela de 1959 de Tomie Ohtake

A Chegada de Tomie Ohtake ao Brasil

Ao contrário da maior parte dos japoneses que aterrissaram em solo brasileiro, Tomie Ohtake não iniciou sua trajetória profissional no campo, nas fazendas, nem em plantações, afinal, sua estadia seria curta, visitaria um irmão e voltaria para o Japão, mas seus planos foram impedidos pelo seu irmão que temia a participação do Japão na Segunda Guerra Mundial.

Pouco tempo depois de sua chegada, se casaria com um engenheiro brasileiro e desabrocharia profissionalmente o seu lado mais sensacional, o artístico, trazendo o legado da cultura brasileira e a unindo ao meio cultural brasileiro. 

Uma das partes mais importantes para sua inserção no meio artístico se deu com a sua integração a um grupo artístico com outros importantes nomes da arte nipo-brasileira, como Manabu Mabe. 

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Tomie Ohtake - Lito Pin - Litografia

A Início da trajetória profissional artística de Tomie Ohtake

Mesmo chegando ao Brasil aos 23 anos, Ohtake daria seus primeiros passos na arte como profissional apenas entre 38 e 39 anos, passando por 15 anos onde se dedicou profissionalmente única e exclusivamente aos cuidados domésticos. Porém, não demorou até que seus trabalhos ganhassem o gosto do público e fossem observados como algo inovador em relação à época.

A Obra de Tomie Ohtake

Antes de ingressar no meio como profissional, Tomie Ohtake teve outro importante mentor: Keisuke Sugano, que teve grande influência para que ela tivesse gosto pela arte, incentivando seu aprendizado e suas primeiras obras, que tinham quase todas o figurativo como temática principal. 

Daí em diante, podemos observar que a obra de Tomie Ohtake é marcada por uma grande diversidade de técnicas e temas. Seus trabalhos e suas obras vão desde pinturas e gravuras até grandes esculturas, sempre com sua característica inconfundível.

Tomie Ohtake - Lito Ver - Litografia

As pinturas e as gravuras de Tomie Ohtake têm algo em comum: as cores vibrantes e as formas orgânicas e não geométricas estão muito presentes, se unindo e criando composições. Além disso, através da gravura, Tomie Ohtake se mostrou completa e com uma técnica refinada, utilizando materiais de forma a tirar o máximo de cada um deles e compreendendo sua utilização com grande maestria, trazendo muita qualidade e padrão às suas impressões.

Observando as esculturas de Tomie Ohtake, podemos verificar a presença de formas sinuosas, que trazem movimento e, em muitas, o ar cultural japonês. As obras trazem o espectador para sua proximidade, e se apresentam de forma única. Tecnicamente, Tomie Ohtake também se mostrou tecnicamente refinada, utilizando materiais complexos, como o bronze e o aço, criando, muitas vezes, obras de grande porte, em vias e espaços públicos e impactantes visualmente.

Tomie Ohtake e diversas obras de sua autoria

Tomie Ohtake e seu legado para a história da arte brasileira

Podemos entender a obra de Tomie Ohtake como a união da cultura japonesa com a brasileira, assim como a de muitos outros artistas nipo-brasileiro, porém, Tomie fez isso de forma única. Os símbolos presentes em suas obras se remetem às suas origens e, ao mesmo tempo, a cultura de seu povo e o que ela soube implementar em si mesmo com a vida no Brasil.

Além do Brasil, o trabalho de Tomie Ohtake é reconhecido internacionalmente. Suas pinturas, gravuras e esculturas fazem parte de importantes coleções, são expostas constantemente em importantes exposições, ou abrigadas em grandes centros.

Além de sua produção artística, a artista contribuiu para o desenvolvimento da arte no Brasil, apoiando novos talentos e promovendo a cultura. Um grande exemplo é a inauguração do Instituto Tomie Ohtake, em 2001, um centro cultural que abriga grande parte da obra da artista e traz ao público diversas atividades artísticas e educativas. O instituto é um ponto de referência para a arte contemporânea em São Paulo e no Brasil.

“Curitiba” - Escultura de Tomie Ohtake na Capital Paranaense

A técnica e a utilização de materiais de Tomie Ohtake

Tomie Ohtake foi, sem sombra de dúvidas, uma artista multifacetada. Isso pode ser facilmente identificado quando olhamos para a diversidade de técnicas e de materiais que ela utilizou durante sua carreira. A pintura a óleo, a gravura em madeira, a litografia e a escultura em diferentes tipos de metal são o grande exemplo de que seu trabalho se divide em importâncias equivalentes entre a técnica e o lado cultural.

A escolha dos materiais e das técnicas era sempre determinada pela intenção artística e pela busca por novas formas de expressão. A artista experimentou com diferentes combinações de cores, texturas e formas, buscando criar obras que fossem ao mesmo tempo belas e carregadas de sentimento e culturalidade.

Escultura de 20 toneladas de Tomie Ohtake no Aeroporto de Guarulhos

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Rubem Valentim com algumas de suas gravuras e totens

Se tem um nome que precisamos falar, é Rubem Valentim, o artista baiano que levou sua cultura para o mundo afora. Ele foi escultor, pintor e gravador, e é considerado um dos mestres do Construtivismo no Brasil. 

Autodidata, começou a pintar aos 18 anos e encontrou na ancestralidade africana e no ativismo negro os seus pontos de partida. Desde o início seu trabalho teve profundo significado cultural, reflete uma visão única sobre a arte e o mundo, sempre conectada à sua ancestralidade africana e ao ativismo negro. Essa característica se firmou e se reflete em sua vasta produção, que inclui pinturas, gravuras, serigrafias, totens e esculturas.  

Rubem Valentim - Serigrafia 4

Além disso, sua obra está imersa nas questões de sua história e cultura, incluindo o sincretismo religioso e as questões políticas e sociais do Brasil, que se tornaram também marcas de seu trabalho. 

Assim, Rubem Valentim nos apresentou uma linguagem particular, pois ele representou tudo isso em uma arte de abstração geométrica que dialoga com o Construtivismo e o Concretismo.

A geometria e a abstração na arte de Valentim 

A arte de Rubem Valentim é marcada pela geometria e pela abstração. Ele soube combinar o Construtivismo e o Concretismo com sua própria linguagem, criando composições geométricas compostas por linhas horizontais e verticais, triângulos, círculos e quadrados. 

Rubem Valentim - Serigrafia 1

Ao utilizar esses elementos de forma criativa, Valentim construiu um repertório visual único, que se abre a diversas possibilidades formais e interpretativas, explorando a relação entre forma e cor.  

E não é à toa que ficou reconhecido como um dos mestres do Construtivismo no Brasil.

Nunca é demais para fazer o que amamos: Rubem Valentim encontra novas formas de se dedicar à arte 

O artista baiano sempre foi apaixonado por conhecimento e expressão, o que o levou a cursar Jornalismo na Universidade Federal da Bahia (UFBA), onde se formou em 1953.  

Você pode se perguntar se ele atuou nessa profissão e se abandonou a arte para isso... 

Valentim, como jornalista, começou a publicar artigos e crônicas, e sobre qual tema ele escrevia? Claro que arte.  

Matéria de Rubem Valentim no Jornal Distrito Federal

Mas sua busca por novos desafios não parou por aí. Entre 1957 e 1963, ele viveu no Rio de Janeiro, onde se tornou professor assistente de Carlos Cavalcanti no curso de História da Arte, no Instituto de Belas Artes. Esse período foi importante para a ampliação de sua atuação artística e acadêmica, permitindo-lhe transmitir seu conhecimento e suas ideias para outras gerações de artistas e estudantes.

A história de Rubem Valentim vai se escrevendo e ficando marcada

Em 1962, uma exposição individual, realizada no Rio de Janeiro, concedeu a Rubem Valentim uma premiação de melhor exposição do ano pela Associação Brasileira dos Críticos de Arte.  

Em 1966, participou do Festival Mundial de Artes Negras em Dakar, Senegal.  

Seis anos depois, produziu outra obra icônica, que se tornaria um novo registro importante da sua trajetória: executou um mural de mármore de 120 metros quadrados para a sede da Novacap, em Brasília, considerada sua primeira obra pública.  

Em 1974, Rubem Valentim recebe uma homenagem, um sinal claro de reconhecimento por tudo o que ele estava construindo e impactando: o crítico de arte Frederico Morais produziu o documentário A Arte de Rubem Valentim. 

Em 1977, na XVI Bienal Internacional de São Paulo, apresentou o Templo de Oxalá, com relevos e elementos simbólicos brancos.  

Um ano depois, criou uma escultura de concreto aparente na Praça da Sé, em São Paulo, conhecida como o "Marco Sincrético da Cultura Afro-Brasileira". 

Escultura de Rubem Valentim “Marco sincrético da cultura afro-brasileira” - Praça da Sé/SP

No mesmo ano, foi escolhido por uma comissão de críticos para recriar símbolos afro-brasileiros em medalhões de ouro, prata e bronze, que foram produzidos para a Casa da Moeda do Brasil. 

A partir de 1991, Rubem Valentim não escreveu mais novos capítulos pessoalmente, mas sua história continuou a ser contada e celebrada. Uma das homenagens mais significativas após sua morte ocorreu em 1998, quando o Museu de Arte da Bahia (MAM/BA) inaugurou a Sala Especial Rubem Valentim no Parque de Esculturas. 

E sua obra se perpetua, integrando importantes coleções em todo o país, como as do Museu Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro, e da Pinacoteca do Estado de São Paulo. Além disso, um de seus painéis pode ser admirado no saguão do auditório do Palácio do Itamaraty, sede do Ministério das Relações Exteriores, em Brasília.

Um espaço para celebrar a arte de Rubem Valentim 

Um dos sonhos de Rubem Valentim era fundar um instituto para eternizar e divulgar sua arte. E ele o realizou: em 1977, nasceu o Centro Cultural Rubem Valentim, em Brasília, com o propósito de ser um espaço dedicado à produção, exposição e reflexão sobre a arte brasileira. 

O objetivo era valorizar as manifestações artísticas e culturais ligadas às nossas tradições, vistas de maneira dinâmica, acolhendo as influências de todo o Brasil. 

Após sua morte, a família não deu continuidade ao projeto, e a ideia foi deixada de lado. 

No entanto, o sonho de Rubem foi reavivado pelo seu amigo Celso Albano, que fundou o Instituto Rubem Valentim. 

Celso Albano amigo de Rubem Valentim fundou o Instituto Rubem Valentim

Esse grande amigo de Rubem herdou os documentos do Centro Cultural e usou esses materiais para criar o estatuto do Instituto, mantendo-se fiel à proposta original. A lista de membros do projeto também foi transferida para a nova instituição. 

Dessa forma, a memória de Rubem Valentim é eternizada, não apenas através do Instituto, mas também por tudo que ele criou, que continua a inspirar e a encantar. 

Você quer conferir as gravuras de Rubem Valentim? Acesse nosso acervo online, ele está repleto de trabalhos exclusivos e admiráveis. 

Para saber mais sobre a história de artistas, continue acompanhando nosso blog. E para ficar por dentro das novidades, clique aqui para nos acompanhar nas redes sociais.  

Speto

Em 1971, nascia, em São Paulo, Paulo Cesar Silva, que mais tarde ficaria conhecido como Speto, um dos mais renomados nomes da arte e do grafite brasileiro.

Desde cedo, não havia como negar que Speto seguiria o caminho da arte – isso estava no sangue. Seu avô e pai eram grandes apaixonados pela música, enquanto seus irmãos também se dedicavam ao meio artístico, sendo um pintor e o outro músico.

Speto é um artista plástico, ilustrador e um dos maiores nomes do grafite brasileiro. Além disso, ele se destacou por seus trabalhos em gravuras e xilogravuras, onde conseguiu integrar elementos da arte de rua, do folclore, da cultura africana, da nordestina à sua visão única.

Sua trajetória artística começou em 1985 e, desde então, Speto ajudou a moldar o estilo da arte brasileira, trazendo influências tanto da cultura tradicional quanto das tendências contemporâneas. Ele foi pioneiro na fusão entre o hip hop e o cordel nordestino, criando um estilo exclusivo que remete às xilogravuras, como uma manifestação cultural.

A Influência da música brasileira na arte de Speto:

A paixão de Speto pela cultura brasileira e pela música foi fundamental para sua formação artística.  

Como mencionamos, desde pequeno, ele foi influenciado por seu avô sambista, o que despertou seu amor pelo samba e pelas expressões culturais que ele carrega. À medida que crescia, sua admiração pela música brasileira só aumentava. 

Na adolescência, praticava skate e viajava para competições, o que o levou a se conectar ainda mais com a cena musical da época. Ele se inspirava especialmente nas bandas em ascensão, como Raimundos, Planet Hemp e O Rappa, e sua arte passou a refletir essa conexão, com ilustrações baseadas nas letras e nas mensagens dessas músicas. 

Foi nesse período que Speto começou a criar capas de discos para essas bandas, utilizando a técnica da xilogravura (mesmo sem que ele soubesse). Uma das mais marcantes foi a capa do álbum da banda Raimundos, na qual desenhou caveiras com características típicas da arte nordestina, o que já representou o início de seu estilo visual, que mistura o popular com o urbano. 

O aperfeiçoamento do estilo de Speto e seu encontro com o grafite 

Durante esse processo, Speto percebeu que seus traços eram mais grossos, e começou a experimentar novas técnicas para melhorar seus acabamentos. Ele usava materiais como líquido corretivo em papéis pretos, carvão e outros instrumentos, até que, finalmente, testou o spray e gostou dos resultados.   

Ao longo de suas viagens pelo Brasil, Speto observava atentamente as diversas culturas e manifestações artísticas que encontrava. Ele analisava como a música de cada região se expressava, observava os artesanatos locais e absorvia os movimentos artísticos que estavam em ascensão.  

Foi assim que ele conheceu o grafite, e ele percebeu que era uma arte feita com o spray, o qual ele havia se identificado.  

Speto começou ainda jovem a grafitar nas ruas

Foi essa descoberta que o levou a se aprofundar no grafite, técnica que ele viu como a mais adequada para dar forma ao seu estilo único. 

Isso se tornou uma parte essencial de sua obra, proporcionando-lhe a liberdade de criar de maneira mais fluida e espontânea. Serigrafia - Speto

Speto se aprofundou cada vez mais no universo do grafite e, ao longo do tempo, passou a integrar essa técnica em seu repertório, criando obras que falam não apenas de sua visão artística, mas também de sua conexão com a cultura urbana e popular brasileira. 

Como Speto se tornou pioneiro do grafite no Brasil:  

À medida que Speto foi se aprofundando no grafite, percebeu que vinha com um estilo americano, e isso não o satisfazia por completo. Ele queria algo mais próximo de sua realidade, algo com uma identidade genuinamente brasileira. 

Na época, o hip hop estava chegando ao Brasil, e Speto se identificava muito com essa cultura. Além disso, quando olhava para as bandas que ele acompanhava, via uma forte raiz brasileira, algo que representava o povo e as suas tradições. E foi isso que ele quis trazer para o grafite: uma linguagem própria que tivesse a cara do Brasil. 

Com isso, Speto começou a incorporar elementos da cultura brasileira em seu trabalho: hip hop, o folclore, a cultura nordestina e o cordel passaram a ser referências essenciais em sua arte.

Grafite em São Paulo - Speto

Esse processo fez com que ele desenvolvesse um estilo próprio, que se tornaria uma marca registrada de sua arte. Hoje, suas xilogravuras são símbolos de uma expressão no grafite. Junto com outros grandes nomes, como Binho, Vitché e Os Gêmeos, Speto é parte da geração vanguardista do grafite brasileiro. 

Com o tempo, o seu trabalho foi sendo cada vez mais reconhecido. Ele começou a ser convidado para campanhas publicitárias e colaborações que refletiam seu estilo de vida e seu olhar único sobre a arte urbana.  

Hoje, Speto é reconhecido mundialmente. Suas obras já passaram por mais de 14 países e foram expostas em cidades como Paris, Nova York, Moscou e Londres. Ele é considerado um dos pioneiros do grafite como o conhecemos hoje: uma arte vibrante, conceitual, rica em representatividade e muita expressão. Isso se estende também às suas gravuras e xilogravuras, que continuam a inspirar e encantar pessoas ao redor do mundo.

Speto - Pássaros - Serigrafia

Você já conhecia a história desse artista? Mais um talento que valoriza nossa cultura e leva o Brasil para o mundo com suas obras incríveis! 

Se você quer conferir suas artes, clique aqui e acesse nosso acervo digital.

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Manabu Mabe

Manabu Mabe nasceu em 1924, na cidade de Kumamoto, no Japão. Aos dez anos, ele se mudou para o Brasil com os pais e três irmãos, para Lins, no interior de São Paulo, para trabalhar em uma lavoura de café. Foi nesse cenário que sua trajetória artística começou a se desenhar.

A razão? A chuva.

Os dias chuvosos impediam o trabalho no campo, então Manabu e a família ficavam em casa. Nessas ocasiões, ele transformava o tempo livre em um exercício de criatividade: desenhando e pintando. Esse hábito foi essencial para desenvolver o talento que ele já demonstrava desde a infância.

Manabu Mabe: o artista autodidata  

O nome "Manabu" significa "aprender" em japonês, e esse significado reflete diretamente o espírito do artista Manabu Mabe, conhecido por sua capacidade autodidata de explorar, observar e criar. 

Desde o início de sua trajetória, Manabu demonstrou um talento nato para a arte, mesmo sem dedicar anos a estudos formais. Ele explorava o que via ao seu redor e expressava suas percepções em suas obras. Suas primeiras gravuras apresentavam características figurativas, retratando paisagens, a natureza, objetos e figuras humanas. Para ele, pintar, gravar e ilustrar eram formas de capturar a vida.

Manabu Mabe - “Colheita de Café” - Óleo sobre tela

Mas como forma de evoluir, Manabu passou a buscar inspiração e aprendizado. Em uma viagem para São Paulo conheceu o pintor Tomoo Handa, que o incentivou a explorar ainda mais a natureza como tema artístico.  

Em 1948, começou a estudar com o pintor Yoshiya Takaoka, que lhe transmitiu conhecimentos técnicos e teóricos. Nesse período, integrou o Grupo Seibi e participou de estudos com o Grupo 15, ao lado de artistas como Shigeto Tanaka e Tomoo Handa. 

Assim, novas características surgem no seu repertório artístico: o nu, paisagens e naturezas-mortas, evoluindo de um estilo conservador para influências impressionistas e fauvistas.  

Mesmo com essas influências, Manabu manteve sua essência autodidata. Ele era um eterno aprendiz, incorporando o aprendizado às suas criações e deixando um legado artístico único.

Do artista da figurativa à mestre do abstrato: a ascensão artística de Manabu Mabe

Como mencionamos, Manabu Mabe começou sua trajetória artística com obras figurativas, criando desenhos com crayon e aquarelas que capturavam paisagens, figuras humanas e as cores vibrantes da natureza. A simplicidade e beleza dessas primeiras criações davam a impressão de que sua inspiração vinha facilmente.  

Manabu Mabe - “Maternidade” - Óleo sobre tela

Porém, com o tempo, Manabu demonstrou que sua arte era muito mais do que representação visual: era expressão pura. 

Suas obras evoluíram para um estilo marcado pela gestualidade, manchas expressivas e uma sofisticada paleta de cores. Tons vivos e intensos, combinados a traços ousados, começaram a dar forma a composições abstratas, algumas delas remetendo à caligrafia japonesa. 

Manabu Mabe - Serigrafia

Ao incorporar formas caligráficas, desenvolveu uma linguagem lírica única, onde as cores transmitem emoção e poesia. Ele também experimentou formas geometrizadas, aproximando-se do cubismo, e usou traços negros marcantes para contornar figuras. 

Manabu Mabe 2 - Serigrafia

Com o tempo, Manabu Mabe se aproximou de aspectos do tachismo, outra vertente do expressionismo abstrato, e essa combinação de técnicas e emoções fez com que suas obras conquistaram não só o Brasil, mas o mundo, estabelecendo-o como um dos grandes mestres do abstracionismo. 

E, se seu nome é sinônimo de aprendiz, o artista se torna, na verdade, um grande mestre. Considerado o pioneiro do abstracionismo no Brasil, tem a trajetória marcada com traços que emocionam e técnicas que inspiram. 

Serigrafia de Manabu Mabe

Manabu Mabe: gravuras, arte e expressão que levam a títulos e reconhecimento

Manabu Mabe e sua família precisaram correr riscos para que ele pudesse seguir seu caminho artístico. Um desses grandes passos foi a venda do cafezal da família no interior de São Paulo, um ato que trouxe incertezas, mas também abriu portas para um futuro promissor. 

A aposta logo mostrou resultados. Apenas dois anos depois, Manabu começou a colher os frutos de sua dedicação. Em 1959, recebeu o Prêmio Leirner de Arte Contemporânea com suas pinturas abstratas Grito e Vitorioso, criadas em 1958. 

E ambas gravuras têm contextos interessantes: “Grito” representava a sua alegria por participar do evento. E “Vitorioso” foi uma homenagem ao desempenho de Pelé na Copa do Mundo de 1958. 

Manabu Mabe - “Grito” - Laca sobre Tela

O sucesso não parou por aí. Ainda em 1959, Manabu participou da 5ª Bienal Internacional de São Paulo com as obras “Composição Móvel”, Pedaço de luz e Espaço branco, todas daquele ano, e foi premiado como Melhor Pintor Nacional.

A consagração nacional e internacional veio em seguida: ele foi premiado na 1ª Bienal dos Jovens de Paris; teve um artigo dedicado a ele na revista Time, intitulado The Year of Manabu Mabe (O Ano de Manabu Mabe) e, em 1960, foi premiado na 30ª Bienal de Veneza, consolidando-se como um dos maiores nomes do abstracionismo informal brasileiro.

Nos anos 1980, o talento de Manabu ultrapassou ainda mais fronteiras. Ele pintou um painel para a Pan American Union em Washington, nos Estados Unidos; ilustrou O Livro de Hai-Kais, traduzido por Olga Salvary; e criou a cortina de fundo do Teatro Provincial, em Kumamoto, no Japão.

E este é mais um artista cuja história temos a honra de compartilhar, aplaudir a sua vida e admirar a sua arte.

Se você quer conferir algumas gravuras de Manabu Mabe, confira nosso acervo de suas artes.

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Kazuo Wakabayashi

Kazuo Wakabayashi é um nome muito para a história da arte brasileira, ele foi um artista nipo-brasileiro único, que passou por diversas fases, que valorizou e muito os aprendizados e suas referências artísticas e que, através de tudo isso, deixou uma marca única para a cultura nipo-brasileira. Sua trajetória na arte é caracterizada por sua diversidade de trabalhos, através de várias técnicas.

Neste artigo, falaremos sobre os fatos mais importantes da carreira de Kazuo Wakabayashi, desde seus primeiros passos, ainda em solo japonês, até sua afirmação como um dos maiores artistas da história da arte brasileira.

A Juventude de Kazuo Wakabayashi e os primeiros passos artísticos

Nascido em Kobe, no Japão, em 1931, Kazuo Wakabayashi começou a se inserir no meio artístico ainda muito novo. Aos 16 anos, quando ainda habitava sua terra natal, começou a dar seus primeiros passos artísticos em Tóquio, quando ingressou em aulas de desenho e de pintura. Podemos entender a trajetória de aprendizado artístico de Kazuo como uma constante busca pelo aprendizado de novas técnicas e inserção de novas ideias, passando por diversas escolas e diversos professores, tendo contato com diferentes estilos.

Kazuo Wakabayashi - Gavura

A Chegada ao Brasil e a Integração ao cenário artístico brasileiro

Seu caminho como profissional da arte é iniciado ainda no Japão, por lá trabalha intensamente, e decide caminhar ao Brasil ainda jovem. Essa mudança seria crucial para o legado de seu trabalho artístico. Wakabayashi chega ao Brasil em 1961, aos 30 anos, dois anos mais tarde, em 1963, teve sua primeira exposição individual no Rio de Janeiro.

Porém, o momento de sua chegada ao Brasil é muito interessante para entendermos o êxito e a futura relevância que sua carreira teria. Kazuo Wakabayashi chega ao Brasil com uma carta de indicação para dois artistas, que o acompanhariam durante boa parte de sua carreira, Tomie Ohtake e Manabu Mabe.

Críticos de arte consideram seu trabalho como uma revolução para a cultura artística brasileira, principalmente por imprimir técnicas e texturas únicas, como uma espécie de casamento entre a cultura popular japonesa e a cultura brasileira.

Kazuo Wakabayashi - Temari Rosa - Serigrafia

A Gravura na Obra de Kazuo Wakabayashi

A gravura desempenhou um papel muito relevante para o andamento da carreira e também para o entendimento das obras de Kazuo Wakabayashi. Assim como o restante de suas telas, é possível verificar composições extremamente complexas e cheias de texturas, detalhes e cores. A riqueza do trabalho das gravuras de Wakabayashi é algo muito importante para entender que, talvez, o elemento mais importante de seu trabalho seja o detalhe.

Kazuo Wakabayashi - Temari Azul - Serigrafia

As Texturas, as Técnicas e os Materiais de Kazuo Wakabayashi

Com tudo que foi abordado até o presente momento no artigo, podemos entender que Wakabayashi era um artista extremamente multifacetado, que trazia diferentes técnicas e materiais em um mesmo trabalho. Neles, podemos verificar a inserção desde óleos e acrílicos até colagens de acrílicos e estampas. Experimentar novos materiais e novas técnicas era algo comum para seus trabalhos, com isso desenvolver um estilo único e próprio.

A utilização de texturas através de colagens em plásticos é uma de suas características, trazendo detalhes únicos, com diversas camadas de tinta. Ao mesmo tempo, essas obras eram de extremo trabalho, já que Kazuo produzia os próprios plásticos e elementos que introduziria aos seus trabalhos. Isso fazia com que uma tela pudesse levar meses até a finalização.

Kazuo Wakabayashi - Folhas - Serigrafia

Influências, Temas e Referências de Wakabayashi

Inicialmente, principalmente quando ainda estava no Japão, suas obras tinham caráter figurativo, o que foi mudando em conjunto com a sua chegada ao Brasil, quando implementou a abstração. O que não mudou durante as duas fases, foi sua extrema capacidade de criação.

Ele considerou a mudança do figurativo para o abstrato extremamente difícil, porém, liga completamente a virada de chave a sua mudança de país. Na mudança, também é possível verificar a alteração na forma de utilizar as cores, por aqui as cores usadas são mais vivas e mais diversificadas.

Imagem de Kazuo trabalhando em seu ateliê

O Legado e a Importância de Kazuo Wakabayashi para a Arte Brasileira

Os trabalhos de Kazuo Wakabayashi, suas técnicas e seus materiais deixaram um legado indiscutível para a história da arte brasileira. Suas características telas, trazem sensibilidade através de uma abstração com cores vivas, brilhantes e detalhes até mesmo em papéis de ouro. Por isso, seu trabalho e seu legado inspiraram e continuam inspirados artistas da nova geração.

Podemos entender o trajeto de Kazuo Wakabayashi na arte como um exemplo de utilizar do meio artístico e das telas como uma forma de expressão e de conexões culturais.

A Galeria Livia Doblas possui em seu acervo inúmeras obras do artista Kazuo Wakabayashi, acesse e confira!

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Iberê Camargo

Em 18 de novembro de 1914, nascia em Restinga Seca, cidade do interior do Rio Grande do Sul, Iberê Bassani de Camargo, que viria a se tornar um dos artistas mais renomados do Brasil, conhecido simplesmente como Iberê Camargo.

Como muitos artistas célebres, Iberê teve um contato precoce com a arte e, aos 14 anos, iniciou sua formação artística na Escola de Artes e Ofícios de Santa Maria, no Rio Grande do Sul, onde teve aulas de pintura com o alemão Frederico Lobe e o italiano Salvador Parlagreco. 

Aos 18 anos, começou a trabalhar como aprendiz no Batalhão Ferroviário, onde subiu para o posto de desenhista técnico, aprendendo geometria e perspectiva. Em 1936, decidiu retomar os estudos, mudando-se para Porto Alegre, onde ingressou no curso técnico de arquitetura do Instituto de Belas Artes, sob a orientação do professor Fahrion. 

A partir de 1940, se dedicou com ainda mais constância às artes, começando a pintar com maior liberdade e espontaneidade. Nessa fase, passou a retratar cenas do cotidiano, como personagens das ruas e paisagens, com gestos fortes e pinceladas marcadas. Em obras como "Dentro do Mato" (1942), ele traçava a natureza com uma espessa camada de tinta, técnica que, na época, não se encaixava no ambiente artístico acadêmico do Rio Grande do Sul.  

“Dentro do mato” - Iberê Camargo 

Mas quando ganhou uma bolsa de estudos do governo do estado para estudar no Rio de Janeiro, conseguiu também uma oportunidade para expandir suas possibilidades.  

Por lá, seu círculo de contatos se ampliou consideravelmente ao conhecer artistas como Candido Portinari, Djanira e Milton Dacosta. Simplesmente teve uma orientação de Portinari, e passou a frequentar as aulas de desenho de Alberto da Veiga Guignard e, em 1943, fundou o Grupo Guignard, ao lado de outros artistas.

Em sua nova fase carioca, Iberê continuou a pintar paisagens urbanas, retratando cenas das ruas da cidade, como em Lapa (1947), obra que lhe rendeu o prêmio de viagem ao exterior do Salão Nacional de Belas Artes daquele ano. No ano seguinte, ele partiu para a Europa, onde teve aulas de pintura com o renomado italiano Giorgio de Chirico, em Roma, e com o francês André Lhote, em Paris. 

Iberê retorna para o Brasil e, em 1953, foi contratado como professor no Instituto Municipal de Belas Artes do Rio de Janeiro, atual Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV/Parque Lage), onde criou a cadeira de gravura e iniciou uma importante trajetória nesse campo. Entre seus alunos, destacam-se artistas como Regina Silveira, Eduardo Sued e Carlos Vergara. Em 1954, participou da organização do Salão Preto e Branco, ao lado de Djanira e Milton Dacosta, e, no ano seguinte, foi um dos organizadores do Salão Miniatura, ambos em protesto contra as altas taxas de importação de materiais artísticos.

As fases da arte de Iberê Camargo 

A produção artística de Iberê Camargo, que abrange pintura, gravura e desenho, é essencialmente moderna. A característica central que confere riqueza e profundidade à sua obra é a extraordinária capacidade do artista de se inserir em diferentes tempos e contextos, mantendo sempre uma linguagem inovadora e universal. 

Nos primeiros anos de sua carreira, Iberê apresentou o estilo figurativo, com gravuras de paisagens naturais e cenas do cotidiano, com figuras humanas e uma paleta de cores escuras, como cinza, marrom e preto.  

Iberê Camargo - “Manequins” - Serigrafia

Aos poucos, um pequeno objeto de sua infância, o carretel, passa a dominar suas telas: inicialmente, aparecendo em séries de naturezas-mortas, dispostas sobre a mesa e representadas de forma realista. E o carretel se tornou uma imagem recorrente na obra do artista, dando origem à famosa “Série dos Carretéis”. 

Iberê Camargo - “Carretéis em equilíbrio”

Até que Iberê começa a se afastar da representação literal e adota uma abordagem mais abstrata. As cores se tornam menos realistas e mais subjetivas, e ele passa a trabalhar com formas e gestos que privilegiam a expressão emocional. Nesse período, surge também uma nova característica em sua pintura: a exploração de contrastes fortes. Ele passa a pintar sobre fundos negros, utilizando cores saturadas e intensas, criando uma atmosfera de tensão e dramaticidade. 

Mas as mudanças na sua arte não pararam por aí... 

Figuras solitárias, sombrias e disformes, que habitam fundos indefinidos e atmosféricos passam a tomar conta de pinturas e gravuras de Iberê. As séries “Ciclistas” e “As Idiotas” são emblemáticas dessa fase, em que o artista explora a sensação de isolamento e distorção da forma humana.  

Iberê Camargo - “Ciclista” - Gravura

Iberê começa a produzir uma série de autorretratos que expressam solidão, angústia e medo.

Essas fases da obra de Iberê, mais sombrias e introspectivas, podem ser vistas como uma expressão de sua vivência pessoal, uma reflexão direta sobre a vida e os dilemas existenciais. No próximo capítulo, exploraremos mais detalhadamente como suas experiências se conectam com sua arte e influenciaram sua trajetória criativa.

A vida e a arte de Iberê Camargo não se distanciam 

Em uma noite de dezembro de 1980, no Rio de Janeiro, ocorreu um episódio que abalou profundamente a vida de Iberê Camargo e, consequentemente, sua carreira. Envolvido em uma briga, ele foi acusado de causar a morte de um homem. Ficou preso por um mês, mas foi absolvido por legítima defesa. 

Esse evento teve um impacto direto em sua arte: seus quadros passaram a retratar figuras humanas solitárias, com expressões melancólicas e temas mais sombrios. 

Essas figuras, muitas vezes desprovidas de traços nítidos, carregam uma forte carga emocional, expressando a crescente introspecção de Iberê. 

Iberê Camargo - “Miséria” - Óleo sobre a tela

Embora o episódio tenha refletido negaticamente e causado sofrimento, não comprometeu a relevância de sua carreira.

A obra de Iberê continuou a ser admirada e a ocupar um lugar fundamental na história da arte no Brasil. Mesmo após sua morte, em 1994, seu legado permanece vivo e é reverenciado mundialmente. Inclusive, em sua homenagem foi criada a "Fundação Iberê Camargo", com a missão de eternizar a sua arte, divulgar seu trabalho e conectar novas gerações com sua obra. 

Se você deseja conferir gravuras e pinturas deste grande artista, acesse: Iberê Bassani de Camargo.

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Gilvan Samico

Gilvan Samico, pernambucano de Recife, nascido em 1928, é uma das figuras mais importantes e que mais marcaram a arte brasileira, principalmente por suas gravuras, com foco na xilogravura. Por essa técnica, é considerado por muitos historiadores da arte brasileira como o principal nome. Além da técnica, traz a cultura do nordeste e símbolos religiosos para suas obras.

Entendendo um pouco mais sobre sua principal técnica, a xilogravura, podemos entendê-la como uma técnica da gravura pela qual uma imagem é gravada através de uma matriz de madeira, transferindo o que deve ser gravado para o impresso. A xilogravura e Gilvan se encontraram e se complementam, ele soube tirar o melhor da técnica e a técnica não foi a mesma após o seu primeiro trabalho. Foi, principalmente, através dela, que Gilvan Samico trouxe a cultura popular nordestina de forma caricata e até mesmo poética para a história da arte brasileira.

Gilvan Samico - “A Fonte” - Xilogravura

Os primeiros passos de Gilvan Samico e a carreira na arte

Gilvan Samico começou cedo na arte, como um autodidata e através da pintura. Ainda jovem caminha para a gravura, isso acontece principalmente por seus estudos, primeiro quando cria junto com outros artista o Ateliê Coletivo da Sociedade de Arte Moderna do Recife e em um segundo momento, através de sua ida a São Paulo, quando, na Escola de Artesanato do Museu de Arte Moderna, o MAM, começou a inserir as técnicas de gravura com madeira, com o auxílio de Lívio Abramo.

A partir da inserção desses conhecimentos, Samico passou a utilizar quase que exclusivamente a madeira em suas obras.

Gilvan Samico - “O Urubu de Pedro” - Xilogravura

A xilogravura por meio de Gilvan Samico

A xilogravura e a obras de Gilvan Samico como um todo é marcada por um elevado grau de detalhamento e pela precisão das linhas e traços, o que é de extremo valor em suas gravuras. O artista preferia utilizar a madeira pequiá-marfim para seu trabalho, assim como a impressão em papel japonês, para trazer mais leveza às impressões.

Podemos ver o contraponto da utilização da madeira, um material rústico ao nível de detalhamento presente em suas obras e às temáticas do dia a dia nordestino unido a figuras da cultura popular e religiosa.

Gilvan Samico - “Paisagem com Pavão” - Xilogravura

Os Temas nordestinos de Gilvan Samico

Mesmo que os temas nordestinos tomem conta das obras de Gilvan Samico, elas são marcadas por uma grande diversidade, da cultura popular do cordel, personagens fantásticos, animais e até a exploração de questões existenciais, religiosas e seres bíblicos. 

Mais detalhadamente, a literatura do cordel, foi uma grande influência sobre as gravuras de Gilvan Samico. Os versos e as histórias populares podem ser presenciados em suas telas e serviram de base para a criação de muitas de suas xilogravuras. Como falado anteriormente, a religiosidade também foi um tema recorrente em sua obra, com representações de santos, anjos e cenas bíblicas.

Gilvan Samico - “O Triunfo da virtude sobre o Demônio” - Xilogravura

A Influência de Samico para a arte brasileira

O legado e a influência de Gilvan Samico para a sequência da história da arte brasileira é indiscutível. Samico, ao mesmo tempo, valoriza a xilogravura e a cultura popular do nordeste. Além disso, se torna professor e leciona Xilogravura na Universidade Federal da Paraíba, a UFPA.

O pernambucano também integra o Movimento Armorial, que eleva a cultura popular nordestina, principalmente do cordel. Podemos entender que ao retratar e trazer a suas telas a vida e os costumes do povo nordestino, o artista contribuiu de forma única para a preservação da memória e da identidade cultural da região.

Gilvan Samico Renomado Nacional e Internacionalmente

Gilvan Samico foi um mestre da arte e principalmente da xilogravura no Brasil, sua obra foi além e fez com que ele se tornasse um símbolo da cultura popular nordestina. Tecnicamente, sua carreira é irretocável, o que o tornou referência para outros artistas das futuras gerações. Como falamos durante o artigo, os temas pelos quais ele caminhou, como a literatura de cordel, a religiosidade popular e a história do Brasil, criaram um universo estético único, que ainda encanta os admiradores de arte por todo o mundo.

A Galeria Livia Doblas possui em seu acervo, obras incríveis do artista pernambucano, se quiser conferir, acesse: Gilvan Samico e não perca nenhum detalhe.

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Ricardo Homen é um dos artistas mais inovadores da arte contemporânea brasileira, cuja produção une sensibilidade, minimalismo e uma complexa reflexão sobre a condição humana. Com uma carreira sólida e uma pesquisa constante sobre formas e materiais, Ricardo Homen tem se destacado como um dos principais nomes da cena artística nacional, sendo representado pela Galeria Lívia Doblas.

Neste artigo, exploraremos um pouco mais sobre sua trajetória, seu estilo único e o impacto de suas obras, que têm conquistado admiradores e colecionadores de todo o mundo.

Ricardo Homen 7

A Trajetória Artística de Ricardo Homen

Natural de São Paulo, Ricardo Homen iniciou sua trajetória artística com uma abordagem que valoriza a experimentação e a constante busca por novas possibilidades de expressão. Influenciado por diferentes correntes da arte contemporânea, como o minimalismo e o abstracionismo, o artista tem se dedicado a explorar a relação entre o espaço e o espectador, desenvolvendo um trabalho caracterizado pela elegância e pela provocação sutil.

Homen não é apenas um pintor ou escultor, mas um criador que experimenta diferentes materiais e técnicas para explorar as fronteiras entre o tridimensional e o bidimensional, entre a pintura e a escultura. A obra de Ricardo Homen, marcada pela ausência de excessos, propõe uma reflexão sobre o vazio, o espaço e o tempo, criando um diálogo constante entre a arte e o observador.

Ricardo Homen 2

A Estética e os Conceitos de Ricardo Homen

A arte de Ricardo Homen é marcada pela utilização de formas geométricas e minimalistas, que dialogam com o espaço de maneira a desafiar a percepção do espectador. A simplicidade aparente de suas obras esconde uma complexidade profunda, onde cada elemento é cuidadosamente pensado para transmitir uma mensagem de introspecção e contemplação. O uso de cores sóbrias e de formas que se repetem de maneira quase ritmada são características que definem seu estilo único.

Suas obras, muitas vezes compostas de formas geométricas, buscam criar um ambiente que propicie uma experiência sensorial. O espaço vazio entre as formas se torna, em si, um elemento essencial, estimulando o observador a preencher esse vazio com suas próprias interpretações e sensações. Essa proposta reflete o interesse do artista pela ideia de que a arte não deve ser apenas observada, mas vivida e experienciada.

Ricardo Homen 3 (com moldura)

O Impacto de Suas Obras no Contexto Contemporâneo

O trabalho de Ricardo Homen desafia as convenções da arte contemporânea, propondo uma experiência estética que vai além da simples apreciação visual. Suas obras convidam o espectador a refletir sobre o espaço ao seu redor e sobre as relações entre o interior e o exterior. Ele cria obras que atuam como um espelho para o público, permitindo que cada pessoa projete suas próprias emoções e percepções, gerando uma relação única e íntima com a obra.

O caráter minimalista de suas peças, muitas vezes com um foco no vazio, no não-dito, explora a noção de ausência como um espaço criativo. Essa busca pela essência, pelo que está implícito e não visível, reflete as inquietações do próprio artista com relação à vida, ao ser humano e ao cosmos. O trabalho de Ricardo Homen, assim, transcende os limites da pintura e da escultura tradicionais, permitindo que cada obra seja uma reflexão sobre o silêncio, o espaço e o tempo.

Ricardo Homen 5

A Galeria Lívia Doblas e Ricardo Homen

A Galeria Lívia Doblas, reconhecida por seu compromisso com a arte de vanguarda, tem sido um espaço fundamental para a promoção do trabalho de Ricardo Homen. A galeria, que se destaca por seu olhar atento e curadoria de qualidade, tem sido um palco ideal para a exposição de obras que provocam e encantam os espectadores.

Com a colaboração da galeria, Ricardo Homen tem ganhado cada vez mais visibilidade no cenário nacional e internacional, ampliando seu público e promovendo um diálogo constante com o universo artístico contemporâneo. As exposições de Ricardo Homen na Galeria Lívia Doblas oferecem ao público uma oportunidade única de experienciar sua arte de forma intensa e imersiva, revelando as camadas e os significados que permeiam suas obras.

Ricardo Homen é, sem dúvida, um dos nomes mais destacados da arte contemporânea brasileira. Sua obra, marcada pela simplicidade das formas e pela complexidade das ideias que transmite, oferece ao público uma experiência única, onde o vazio e o espaço se tornam pontos centrais de reflexão. Ao ser representado pela Galeria Lívia Doblas, Homen tem a chance de levar sua arte a novos horizontes, promovendo uma experiência sensorial e intelectual para todos os que têm o privilégio de apreciar suas criações.

Se você ainda não conheceu o trabalho de Ricardo Homen, aproveite a oportunidade de visitá-lo na Galeria Lívia Doblas, onde a arte se torna uma experiência envolvente e única.

Geraldo de Barros

Geraldo de Barros, nascido em Chavantes, no interior de São Paulo, foi um artista único e de técnicas múltiplas, que marcou a arte brasileira por sua capacidade de explorar de forma característica e pioneira algumas vertentes das artes plásticas. Sua trajetória pode ser entendida como uma forma de experimentar o novo e por buscar aquilo que ainda não tinha sido expressado anteriormente. Isso o tornou um dos grandes e mais importantes nomes da arte concreta do Brasil.

Inquieto e subversivo, Geraldo de Barros deu seus primeiros passos nas artes plásticas através do exemplo e da experimentação, em 1945, quando frequentou ateliês de renomados artistas da época, como Clóvis Graciano, Colette Pujol e Yoshiya Takaoka. Em um primeiro momento, suas obras seguiam tendências figurativas, mas não demorou muito tempo para caminhar à abstração, principalmente pela influência de outros artistas, e também pela teoria da Gestalt.

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Banco em madeira de Geraldo de Barros

A fotografia e a gravura de Geraldo de Barros

Pouco tempo depois de iniciar no meio artístico, em 1946, Geraldo de Barros começou a se encantar pela fotografia e pela gravura, como de costume, através de experimentos que o levariam a criar um estilo próprio, caracterizado pela abstração e pelo feeling. Geraldo dava muita importância à naturalidade de suas obras, por se deixar levar pelos sentimentos e pelo pensamento atrativo, entendendo que se sentisse o que queria ilustrar, a capacidade de tornar aquilo palpável se multiplicaria e sairia para o papel, para as telas, ou para além das lentes de sua câmera. Três anos mais tarde, já realizaria a exposição "Fotoformas" no Museu de Arte de São Paulo, o MASP, por lá, apresentou trabalhos que desafiavam os limites entre a caneta, o papel, as telas e as lentes.

Serigrafia de Geraldo de Barros

A arte concreta, a industrialização e os móveis de Geraldo de Barros

Porém, uma de suas maiores marcas no cenário artístico brasileiro vem a partir dos anos 1950, nessa época, Geraldo de Barros torna-se completamente um artista concreto, e como não poderia ser diferente, busca inovar e explorar meios pelos quais ainda não havia passado. Utilizando materiais da indústria, como a madeira e a fórmica, criou obras de grande porte, sem deixar de lado a geometria muito presente em seus trabalhos. A indústria começou a tomar forma para além dos materiais e suas obras começaram partir para a larga escala, e podemos entender que é a partir daí que os móveis começam a ser explorados por Geraldo de Barros.

Além da pintura, da fotografia, e da gravura, tornou-se um grande designer de móveis, sua ideia era levar produtos de qualidade e funcionais para a população, algo não muito comum na época. Ou os produtos levavam qualidade, ou levavam bons preços, os dois ao mesmo tempo, até então, era inviável. Assim como em obras de outras técnicas, seus móveis também traziam e exploravam a geometria, e os materiais usados vão da madeira ao metal, com uma estética única.

Em 1954, Geraldo cria a Unilabor, uma fábrica de móveis que tem como principal mote a democratização de produtos de qualidade. Além do design diferenciado e da usabilidade dos móveis, Geraldo também inova na gestão da empresa, dividindo os lucros com seus funcionários.

Cadeiras de Geraldo de Barros

A Importância e a Influência de Geraldo de Barros para a arte brasileira

Para a arte brasileira, podemos considerar Geraldo de Barros como um pioneiro, que trouxe uma experimentação de diferenciadas técnicas e de materiais que não eram explorados até o momento, tudo isso de forma única. Isso foi primordial para sua importância para a sequência da história da arte brasileira.

A obra de Geraldo de Barros exerceu uma grande influência sobre a arte brasileira. Sua busca pela abstração e pela geometria inspirou diversos artistas, que passaram a explorar novas linguagens visuais. Além disso, sua preocupação com a relação entre arte e indústria contribuiu para o desenvolvimento da arte concreta no Brasil.

Conjunto de jantar idealizado por Geraldo de Barros

Toda a influência de Geraldo de Barros pode ser entendida através de alguns fatores. Barros trouxe a linguagem concreta ao meio artístico e, com isso, influenciou e instigou outros artistas a criarem novas formas de expressão. Seus trabalhos, através da geometria e da simplicidade da forma, trouxeram o poder de enriquecimento das telas através do pensamento de que o simples também traz valor. Assim como as técnicas, a utilização de materiais como a fórmica e o metal tem o mesmo valor para seu reconhecimento. 

Artistas como Lygia Clark e Tunga tem em Geraldo de Barros uma referência, a maneira como ele produziu móveis também influenciou designers brasileiros e de fora do Brasil, principalmente através da ideia de levar a união de qualidade e estética e tornar tudo isso escalável.