Iberê Camargo

Em 18 de novembro de 1914, nascia em Restinga Seca, cidade do interior do Rio Grande do Sul, Iberê Bassani de Camargo, que viria a se tornar um dos artistas mais renomados do Brasil, conhecido simplesmente como Iberê Camargo.

Como muitos artistas célebres, Iberê teve um contato precoce com a arte e, aos 14 anos, iniciou sua formação artística na Escola de Artes e Ofícios de Santa Maria, no Rio Grande do Sul, onde teve aulas de pintura com o alemão Frederico Lobe e o italiano Salvador Parlagreco. 

Aos 18 anos, começou a trabalhar como aprendiz no Batalhão Ferroviário, onde subiu para o posto de desenhista técnico, aprendendo geometria e perspectiva. Em 1936, decidiu retomar os estudos, mudando-se para Porto Alegre, onde ingressou no curso técnico de arquitetura do Instituto de Belas Artes, sob a orientação do professor Fahrion. 

A partir de 1940, se dedicou com ainda mais constância às artes, começando a pintar com maior liberdade e espontaneidade. Nessa fase, passou a retratar cenas do cotidiano, como personagens das ruas e paisagens, com gestos fortes e pinceladas marcadas. Em obras como "Dentro do Mato" (1942), ele traçava a natureza com uma espessa camada de tinta, técnica que, na época, não se encaixava no ambiente artístico acadêmico do Rio Grande do Sul.  

“Dentro do mato” - Iberê Camargo 

Mas quando ganhou uma bolsa de estudos do governo do estado para estudar no Rio de Janeiro, conseguiu também uma oportunidade para expandir suas possibilidades.  

Por lá, seu círculo de contatos se ampliou consideravelmente ao conhecer artistas como Candido Portinari, Djanira e Milton Dacosta. Simplesmente teve uma orientação de Portinari, e passou a frequentar as aulas de desenho de Alberto da Veiga Guignard e, em 1943, fundou o Grupo Guignard, ao lado de outros artistas.

Em sua nova fase carioca, Iberê continuou a pintar paisagens urbanas, retratando cenas das ruas da cidade, como em Lapa (1947), obra que lhe rendeu o prêmio de viagem ao exterior do Salão Nacional de Belas Artes daquele ano. No ano seguinte, ele partiu para a Europa, onde teve aulas de pintura com o renomado italiano Giorgio de Chirico, em Roma, e com o francês André Lhote, em Paris. 

Iberê retorna para o Brasil e, em 1953, foi contratado como professor no Instituto Municipal de Belas Artes do Rio de Janeiro, atual Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV/Parque Lage), onde criou a cadeira de gravura e iniciou uma importante trajetória nesse campo. Entre seus alunos, destacam-se artistas como Regina Silveira, Eduardo Sued e Carlos Vergara. Em 1954, participou da organização do Salão Preto e Branco, ao lado de Djanira e Milton Dacosta, e, no ano seguinte, foi um dos organizadores do Salão Miniatura, ambos em protesto contra as altas taxas de importação de materiais artísticos.

As fases da arte de Iberê Camargo 

A produção artística de Iberê Camargo, que abrange pintura, gravura e desenho, é essencialmente moderna. A característica central que confere riqueza e profundidade à sua obra é a extraordinária capacidade do artista de se inserir em diferentes tempos e contextos, mantendo sempre uma linguagem inovadora e universal. 

Nos primeiros anos de sua carreira, Iberê apresentou o estilo figurativo, com gravuras de paisagens naturais e cenas do cotidiano, com figuras humanas e uma paleta de cores escuras, como cinza, marrom e preto.  

Iberê Camargo - “Manequins” - Serigrafia

Aos poucos, um pequeno objeto de sua infância, o carretel, passa a dominar suas telas: inicialmente, aparecendo em séries de naturezas-mortas, dispostas sobre a mesa e representadas de forma realista. E o carretel se tornou uma imagem recorrente na obra do artista, dando origem à famosa “Série dos Carretéis”. 

Iberê Camargo - “Carretéis em equilíbrio”

Até que Iberê começa a se afastar da representação literal e adota uma abordagem mais abstrata. As cores se tornam menos realistas e mais subjetivas, e ele passa a trabalhar com formas e gestos que privilegiam a expressão emocional. Nesse período, surge também uma nova característica em sua pintura: a exploração de contrastes fortes. Ele passa a pintar sobre fundos negros, utilizando cores saturadas e intensas, criando uma atmosfera de tensão e dramaticidade. 

Mas as mudanças na sua arte não pararam por aí... 

Figuras solitárias, sombrias e disformes, que habitam fundos indefinidos e atmosféricos passam a tomar conta de pinturas e gravuras de Iberê. As séries “Ciclistas” e “As Idiotas” são emblemáticas dessa fase, em que o artista explora a sensação de isolamento e distorção da forma humana.  

Iberê Camargo - “Ciclista” - Gravura

Iberê começa a produzir uma série de autorretratos que expressam solidão, angústia e medo.

Essas fases da obra de Iberê, mais sombrias e introspectivas, podem ser vistas como uma expressão de sua vivência pessoal, uma reflexão direta sobre a vida e os dilemas existenciais. No próximo capítulo, exploraremos mais detalhadamente como suas experiências se conectam com sua arte e influenciaram sua trajetória criativa.

A vida e a arte de Iberê Camargo não se distanciam 

Em uma noite de dezembro de 1980, no Rio de Janeiro, ocorreu um episódio que abalou profundamente a vida de Iberê Camargo e, consequentemente, sua carreira. Envolvido em uma briga, ele foi acusado de causar a morte de um homem. Ficou preso por um mês, mas foi absolvido por legítima defesa. 

Esse evento teve um impacto direto em sua arte: seus quadros passaram a retratar figuras humanas solitárias, com expressões melancólicas e temas mais sombrios. 

Essas figuras, muitas vezes desprovidas de traços nítidos, carregam uma forte carga emocional, expressando a crescente introspecção de Iberê. 

Iberê Camargo - “Miséria” - Óleo sobre a tela

Embora o episódio tenha refletido negaticamente e causado sofrimento, não comprometeu a relevância de sua carreira.

A obra de Iberê continuou a ser admirada e a ocupar um lugar fundamental na história da arte no Brasil. Mesmo após sua morte, em 1994, seu legado permanece vivo e é reverenciado mundialmente. Inclusive, em sua homenagem foi criada a "Fundação Iberê Camargo", com a missão de eternizar a sua arte, divulgar seu trabalho e conectar novas gerações com sua obra. 

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Gilvan Samico

Gilvan Samico, pernambucano de Recife, nascido em 1928, é uma das figuras mais importantes e que mais marcaram a arte brasileira, principalmente por suas gravuras, com foco na xilogravura. Por essa técnica, é considerado por muitos historiadores da arte brasileira como o principal nome. Além da técnica, traz a cultura do nordeste e símbolos religiosos para suas obras.

Entendendo um pouco mais sobre sua principal técnica, a xilogravura, podemos entendê-la como uma técnica da gravura pela qual uma imagem é gravada através de uma matriz de madeira, transferindo o que deve ser gravado para o impresso. A xilogravura e Gilvan se encontraram e se complementam, ele soube tirar o melhor da técnica e a técnica não foi a mesma após o seu primeiro trabalho. Foi, principalmente, através dela, que Gilvan Samico trouxe a cultura popular nordestina de forma caricata e até mesmo poética para a história da arte brasileira.

Gilvan Samico - “A Fonte” - Xilogravura

Os primeiros passos de Gilvan Samico e a carreira na arte

Gilvan Samico começou cedo na arte, como um autodidata e através da pintura. Ainda jovem caminha para a gravura, isso acontece principalmente por seus estudos, primeiro quando cria junto com outros artista o Ateliê Coletivo da Sociedade de Arte Moderna do Recife e em um segundo momento, através de sua ida a São Paulo, quando, na Escola de Artesanato do Museu de Arte Moderna, o MAM, começou a inserir as técnicas de gravura com madeira, com o auxílio de Lívio Abramo.

A partir da inserção desses conhecimentos, Samico passou a utilizar quase que exclusivamente a madeira em suas obras.

Gilvan Samico - “O Urubu de Pedro” - Xilogravura

A xilogravura por meio de Gilvan Samico

A xilogravura e a obras de Gilvan Samico como um todo é marcada por um elevado grau de detalhamento e pela precisão das linhas e traços, o que é de extremo valor em suas gravuras. O artista preferia utilizar a madeira pequiá-marfim para seu trabalho, assim como a impressão em papel japonês, para trazer mais leveza às impressões.

Podemos ver o contraponto da utilização da madeira, um material rústico ao nível de detalhamento presente em suas obras e às temáticas do dia a dia nordestino unido a figuras da cultura popular e religiosa.

Gilvan Samico - “Paisagem com Pavão” - Xilogravura

Os Temas nordestinos de Gilvan Samico

Mesmo que os temas nordestinos tomem conta das obras de Gilvan Samico, elas são marcadas por uma grande diversidade, da cultura popular do cordel, personagens fantásticos, animais e até a exploração de questões existenciais, religiosas e seres bíblicos. 

Mais detalhadamente, a literatura do cordel, foi uma grande influência sobre as gravuras de Gilvan Samico. Os versos e as histórias populares podem ser presenciados em suas telas e serviram de base para a criação de muitas de suas xilogravuras. Como falado anteriormente, a religiosidade também foi um tema recorrente em sua obra, com representações de santos, anjos e cenas bíblicas.

Gilvan Samico - “O Triunfo da virtude sobre o Demônio” - Xilogravura

A Influência de Samico para a arte brasileira

O legado e a influência de Gilvan Samico para a sequência da história da arte brasileira é indiscutível. Samico, ao mesmo tempo, valoriza a xilogravura e a cultura popular do nordeste. Além disso, se torna professor e leciona Xilogravura na Universidade Federal da Paraíba, a UFPA.

O pernambucano também integra o Movimento Armorial, que eleva a cultura popular nordestina, principalmente do cordel. Podemos entender que ao retratar e trazer a suas telas a vida e os costumes do povo nordestino, o artista contribuiu de forma única para a preservação da memória e da identidade cultural da região.

Gilvan Samico Renomado Nacional e Internacionalmente

Gilvan Samico foi um mestre da arte e principalmente da xilogravura no Brasil, sua obra foi além e fez com que ele se tornasse um símbolo da cultura popular nordestina. Tecnicamente, sua carreira é irretocável, o que o tornou referência para outros artistas das futuras gerações. Como falamos durante o artigo, os temas pelos quais ele caminhou, como a literatura de cordel, a religiosidade popular e a história do Brasil, criaram um universo estético único, que ainda encanta os admiradores de arte por todo o mundo.

A Galeria Livia Doblas possui em seu acervo, obras incríveis do artista pernambucano, se quiser conferir, clique aqui e não perca nenhum detalhe.

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Ricardo Homen é um dos artistas mais inovadores da arte contemporânea brasileira, cuja produção une sensibilidade, minimalismo e uma complexa reflexão sobre a condição humana. Com uma carreira sólida e uma pesquisa constante sobre formas e materiais, Ricardo Homen tem se destacado como um dos principais nomes da cena artística nacional, sendo representado pela Galeria Lívia Doblas.

Neste artigo, exploraremos um pouco mais sobre sua trajetória, seu estilo único e o impacto de suas obras, que têm conquistado admiradores e colecionadores de todo o mundo.

Ricardo Homen 7

A Trajetória Artística de Ricardo Homen

Natural de São Paulo, Ricardo Homen iniciou sua trajetória artística com uma abordagem que valoriza a experimentação e a constante busca por novas possibilidades de expressão. Influenciado por diferentes correntes da arte contemporânea, como o minimalismo e o abstracionismo, o artista tem se dedicado a explorar a relação entre o espaço e o espectador, desenvolvendo um trabalho caracterizado pela elegância e pela provocação sutil.

Homen não é apenas um pintor ou escultor, mas um criador que experimenta diferentes materiais e técnicas para explorar as fronteiras entre o tridimensional e o bidimensional, entre a pintura e a escultura. A obra de Ricardo Homen, marcada pela ausência de excessos, propõe uma reflexão sobre o vazio, o espaço e o tempo, criando um diálogo constante entre a arte e o observador.

Ricardo Homen 2

A Estética e os Conceitos de Ricardo Homen

A arte de Ricardo Homen é marcada pela utilização de formas geométricas e minimalistas, que dialogam com o espaço de maneira a desafiar a percepção do espectador. A simplicidade aparente de suas obras esconde uma complexidade profunda, onde cada elemento é cuidadosamente pensado para transmitir uma mensagem de introspecção e contemplação. O uso de cores sóbrias e de formas que se repetem de maneira quase ritmada são características que definem seu estilo único.

Suas obras, muitas vezes compostas de formas geométricas, buscam criar um ambiente que propicie uma experiência sensorial. O espaço vazio entre as formas se torna, em si, um elemento essencial, estimulando o observador a preencher esse vazio com suas próprias interpretações e sensações. Essa proposta reflete o interesse do artista pela ideia de que a arte não deve ser apenas observada, mas vivida e experienciada.

Ricardo Homen 3 (com moldura)

O Impacto de Suas Obras no Contexto Contemporâneo

O trabalho de Ricardo Homen desafia as convenções da arte contemporânea, propondo uma experiência estética que vai além da simples apreciação visual. Suas obras convidam o espectador a refletir sobre o espaço ao seu redor e sobre as relações entre o interior e o exterior. Ele cria obras que atuam como um espelho para o público, permitindo que cada pessoa projete suas próprias emoções e percepções, gerando uma relação única e íntima com a obra.

O caráter minimalista de suas peças, muitas vezes com um foco no vazio, no não-dito, explora a noção de ausência como um espaço criativo. Essa busca pela essência, pelo que está implícito e não visível, reflete as inquietações do próprio artista com relação à vida, ao ser humano e ao cosmos. O trabalho de Ricardo Homen, assim, transcende os limites da pintura e da escultura tradicionais, permitindo que cada obra seja uma reflexão sobre o silêncio, o espaço e o tempo.

Ricardo Homen 5

A Galeria Lívia Doblas e Ricardo Homen

A Galeria Lívia Doblas, reconhecida por seu compromisso com a arte de vanguarda, tem sido um espaço fundamental para a promoção do trabalho de Ricardo Homen. A galeria, que se destaca por seu olhar atento e curadoria de qualidade, tem sido um palco ideal para a exposição de obras que provocam e encantam os espectadores.

Com a colaboração da galeria, Ricardo Homen tem ganhado cada vez mais visibilidade no cenário nacional e internacional, ampliando seu público e promovendo um diálogo constante com o universo artístico contemporâneo. As exposições de Ricardo Homen na Galeria Lívia Doblas oferecem ao público uma oportunidade única de experienciar sua arte de forma intensa e imersiva, revelando as camadas e os significados que permeiam suas obras.

Ricardo Homen é, sem dúvida, um dos nomes mais destacados da arte contemporânea brasileira. Sua obra, marcada pela simplicidade das formas e pela complexidade das ideias que transmite, oferece ao público uma experiência única, onde o vazio e o espaço se tornam pontos centrais de reflexão. Ao ser representado pela Galeria Lívia Doblas, Homen tem a chance de levar sua arte a novos horizontes, promovendo uma experiência sensorial e intelectual para todos os que têm o privilégio de apreciar suas criações.

Se você ainda não conheceu o trabalho de Ricardo Homen, aproveite a oportunidade de visitá-lo na Galeria Lívia Doblas, onde a arte se torna uma experiência envolvente e única.

Geraldo de Barros

Geraldo de Barros, nascido em Chavantes, no interior de São Paulo, foi um artista único e de técnicas múltiplas, que marcou a arte brasileira por sua capacidade de explorar de forma característica e pioneira algumas vertentes das artes plásticas. Sua trajetória pode ser entendida como uma forma de experimentar o novo e por buscar aquilo que ainda não tinha sido expressado anteriormente. Isso o tornou um dos grandes e mais importantes nomes da arte concreta do Brasil.

Inquieto e subversivo, Geraldo de Barros deu seus primeiros passos nas artes plásticas através do exemplo e da experimentação, em 1945, quando frequentou ateliês de renomados artistas da época, como Clóvis Graciano, Colette Pujol e Yoshiya Takaoka. Em um primeiro momento, suas obras seguiam tendências figurativas, mas não demorou muito tempo para caminhar à abstração, principalmente pela influência de outros artistas, e também pela teoria da Gestalt.

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Banco em madeira de Geraldo de Barros

A fotografia e a gravura de Geraldo de Barros

Pouco tempo depois de iniciar no meio artístico, em 1946, Geraldo de Barros começou a se encantar pela fotografia e pela gravura, como de costume, através de experimentos que o levariam a criar um estilo próprio, caracterizado pela abstração e pelo feeling. Geraldo dava muita importância à naturalidade de suas obras, por se deixar levar pelos sentimentos e pelo pensamento atrativo, entendendo que se sentisse o que queria ilustrar, a capacidade de tornar aquilo palpável se multiplicaria e sairia para o papel, para as telas, ou para além das lentes de sua câmera. Três anos mais tarde, já realizaria a exposição "Fotoformas" no Museu de Arte de São Paulo, o MASP, por lá, apresentou trabalhos que desafiavam os limites entre a caneta, o papel, as telas e as lentes.

Serigrafia de Geraldo de Barros

A arte concreta, a industrialização e os móveis de Geraldo de Barros

Porém, uma de suas maiores marcas no cenário artístico brasileiro vem a partir dos anos 1950, nessa época, Geraldo de Barros torna-se completamente um artista concreto, e como não poderia ser diferente, busca inovar e explorar meios pelos quais ainda não havia passado. Utilizando materiais da indústria, como a madeira e a fórmica, criou obras de grande porte, sem deixar de lado a geometria muito presente em seus trabalhos. A indústria começou a tomar forma para além dos materiais e suas obras começaram partir para a larga escala, e podemos entender que é a partir daí que os móveis começam a ser explorados por Geraldo de Barros.

Além da pintura, da fotografia, e da gravura, tornou-se um grande designer de móveis, sua ideia era levar produtos de qualidade e funcionais para a população, algo não muito comum na época. Ou os produtos levavam qualidade, ou levavam bons preços, os dois ao mesmo tempo, até então, era inviável. Assim como em obras de outras técnicas, seus móveis também traziam e exploravam a geometria, e os materiais usados vão da madeira ao metal, com uma estética única.

Em 1954, Geraldo cria a Unilabor, uma fábrica de móveis que tem como principal mote a democratização de produtos de qualidade. Além do design diferenciado e da usabilidade dos móveis, Geraldo também inova na gestão da empresa, dividindo os lucros com seus funcionários.

Cadeiras de Geraldo de Barros

A Importância e a Influência de Geraldo de Barros para a arte brasileira

Para a arte brasileira, podemos considerar Geraldo de Barros como um pioneiro, que trouxe uma experimentação de diferenciadas técnicas e de materiais que não eram explorados até o momento, tudo isso de forma única. Isso foi primordial para sua importância para a sequência da história da arte brasileira.

A obra de Geraldo de Barros exerceu uma grande influência sobre a arte brasileira. Sua busca pela abstração e pela geometria inspirou diversos artistas, que passaram a explorar novas linguagens visuais. Além disso, sua preocupação com a relação entre arte e indústria contribuiu para o desenvolvimento da arte concreta no Brasil.

Conjunto de jantar idealizado por Geraldo de Barros

Toda a influência de Geraldo de Barros pode ser entendida através de alguns fatores. Barros trouxe a linguagem concreta ao meio artístico e, com isso, influenciou e instigou outros artistas a criarem novas formas de expressão. Seus trabalhos, através da geometria e da simplicidade da forma, trouxeram o poder de enriquecimento das telas através do pensamento de que o simples também traz valor. Assim como as técnicas, a utilização de materiais como a fórmica e o metal tem o mesmo valor para seu reconhecimento. 

Artistas como Lygia Clark e Tunga tem em Geraldo de Barros uma referência, a maneira como ele produziu móveis também influenciou designers brasileiros e de fora do Brasil, principalmente através da ideia de levar a união de qualidade e estética e tornar tudo isso escalável.

Estante da Unilabor, fábrica de móveis de Geraldo de Barros

Geraldo de Barros foi um artista único, visionário e completo, que deixou um importante e indiscutível legado para a arte brasileira, principalmente por explorar linguagens nunca utilizadas no meio. Versátil e transcendente, será sempre lembrado como um dos nomes mais importantes da arte concreta no país, mesmo transitando e passando por inúmeras vertentes da arte.

A Galeria Livia Doblas possui um acervo completo de obras de arte e uma Geraldo de Barros está disponível, clique aqui para vê-la.

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Emanoel Araújo - Artista Baiano

Homem negro, nordestino, de uma família de ourives e de origens humildes, Emanoel Araújo decidiu que ia fazer história – e fez. 

Nascido em Santo Amaro da Purificação, na Bahia, em 1940, Emanoel Araújo se tornou um dos mais importantes artistas do Brasil.  

Quando falamos que ele impactou não só a arte como também a nossa cultura nacional como um todo, é porque ele foi multiartista: escultor, desenhista, gravador, cenógrafo, museólogo, pintor, curador e diretor de arte. Essa versatilidade e toda a sua contribuição o tornou um dos artistas mais completos do cenário brasileiro e internacional. 

Assim, ele criou obras que se destacaram nos principais museus do Brasil e do mundo, tornando-se referência na arte contemporânea brasileira. 

Foram mais de 400 exposições nacionais e internacionais, e ele recebeu diversos prêmios ao longo de sua carreira. Além disso, o artista baiano escreveu vários livros de arte e teve à frente de diversas instituições, como diretor do Museu de Arte da Bahia (MAB), em Salvador, e da Pinacoteca de São Paulo. 

Mas sua maior criação foi o Museu Afro Brasil, em São Paulo, no qual ele assumiu o papel de criador e diretor. Esse é com certeza um dos maiores legados de Emanoel Araújo, com um acervo que celebra a cultura afro-brasileira e sua contribuição para a sociedade.

Museu Afro Brasil – fundado em 2004, a partir da coleção particular do Diretor Curador Emanoel Araújo

Várias de suas obras, que ressaltam o papel da herança negra na cultura da sociedade, estão expostas no Museu Afro Brasil, consolidando ainda mais a importância de sua trajetória para a arte e cultura brasileira. 

E neste próximo capítulo vamos falar um pouco mais sobre essa contribuição.  

A Influência de Emanoel Araújo na arte afro-brasileira: 

Como mencionamos, o Museu Afro Brasil foi fundado por Emanuel Araújo, e esse projeto passou a se chamar ‘Museu Afro Brasil Emanoel Araújo’, como uma homenagem a esse artista baiano tão relevante para a preservação e promoção da arte afro-brasileira. 

Corredor do Museu Afro Brasil com exposições que expressam a cultura afro

A ideia de reunir obras nacionais e internacionais relacionadas ao universo afro-brasileiro foi uma das grandes contribuições de Emanoel Araújo para o cenário cultural do Brasil.  

O artista, com sua visão única e compromisso com a valorização da cultura afro-brasileira, doou um acervo pessoal para iniciar a coleção do museu, ajudando a consolidar esse espaço como um dos mais importantes centros de arte e memória do país. 

Hoje, o museu conta com uma média de 10 mil obras, incluindo gravuras, pinturas e esculturas, que retratam a história e a influência da herança afro-brasileira na sociedade. O acervo do museu é um testemunho da rica contribuição dos povos africanos à cultura brasileira, e também do legado de Emanuel Araújo, oferecendo uma plataforma para o reconhecimento e a celebração dessa história essencial. 

A linha do tempo de Emanoel Araújo: de marceneiro a um dos maiores artistas brasileiros: 

A criação já estava no sangue de Emanoel Araújo, que desde muito jovem ajudava a família com trabalhos de marcenaria e linotipia.  

Essas experiências o levaram a trabalhar na Imprensa Oficial da Bahia, onde se dedicou ao trabalho de linotipia e composição gráfica. 

 Em 1959, realizou sua primeira exposição individual em sua terra natal, Santo Amaro da Purificação.

Emanoel ilustrou através da xilogravura a Bahia, sua terra natal, onde também iniciou sua carreira

E um ano depois, Emanoel se mudou para Salvador, onde ingressou na Escola de Belas Artes da Bahia (UFBA), onde aprofundou seus estudos em gravura. Durante esse período, também se aproximou da área da publicidade e começou a trabalhar com a produção de panfletos e cartazes, algo que influenciou suas produções gráficas e visuais mais tarde.  

Em 1966, Emanoel Araújo recebeu sua primeira premiação nacional ao participar da II Exposição Jovem Gravura Nacional, realizada no Museu de Arte Contemporânea de São Paulo, o que marcou um importante reconhecimento de seu talento e abriu portas para sua consolidação no cenário artístico brasileiro. 

Nos anos 1970, Emanoel Araújo começa a se aproximar das vertentes construtivistas, expandindo sua linguagem artística para obras abstratas, tanto em sua gravura quanto em suas esculturas.  

Escultura em acrílico de Emanoel Araújo

Nessa época, ele também se envolve profundamente com os movimentos de emancipação da identidade negra, participando de exposições que abordavam a cultura afro-brasileira, como o Festac’77 e o Festival Mundial de Artes e Cultura Negra e Africana. Suas referências começam a se voltar para a cultura africana, e sua obra ganha uma nova dimensão, com o uso de símbolos, cores e formas que refletem a religiosidade afro-brasileira, estabelecendo uma relação intensa entre sua arte e o fortalecimento da identidade negra no Brasil. 

Assim, a trajetória de Emanoel Araújo reflete não apenas sua evolução como artista, mas também o seu papel essencial na construção de um discurso artístico que une a arte contemporânea à história e cultura afro-brasileira. 

Qual era o estilo da arte de Emanoel Araújo? 

O trabalho de Emanoel Araújo explora correntes estéticas como o construtivismo, mas com um enfoque único: ele as adapta para expressar temas profundamente conectados à realidade brasileira. Tanto sua obra artística quanto sua atuação como curador e pesquisador ressaltam a importância da herança africana na formação da cultura nacional. 

A arte de Araújo também aborda questões locais e representa figuras femininas, frequentemente associadas à fecundidade.  

Xilografia de Emanoel Araújo - Figura Feminina

E com o gosto pelas obras abstratas, compostas por formas geométricas combinadas de maneira inovadora, o artista baiano se identifica com as vertentes construtivas, simplificando as formas e reduzindo-as a estruturas primárias. 

Durante essa fase, suas gravuras ganham uma nova dimensão, com segmentos ondulados colados sobre uma base maior, criando cortes, interferências e justaposições no plano. Essa experimentação demonstra seu interesse pelo tridimensional e por pontos de vista alternativos.  

Xilogravura - Gravura em Metal de Emanoel Araujo

A arte de Emanoel Araújo tem, sem dúvidas, o poder de ativar a subjetividade de cada contemplador, que é convidado a interpretar e sentir de maneira única a mensagem que o artista transmite. 

Assim, admiramos obras que possuem um forte caráter social e cultural. 

Sua vida e arte são uma verdadeira celebração da arte brasileira e da identidade negra. Por isso, neste mês da Consciência Negra, não poderíamos deixar de destacar essa figura tão valiosa para nossa arte. 

Você já conhecia a história desse artista baiano? Para prestigiar seu trabalho, confira nosso acervo de obras de Emanoel Araújo. 

E para saber mais sobre a arte e cultura brasileira, continue acompanhando nosso blog. E. para conferir todas as novidades exclusivas, siga as redes sociais! 

As gravuras de Eduardo Sued são como suas expressões pessoais

Eduardo Sued é um artista brasileiro que decidiu renunciar à representação da realidade. Sua obra não se limita a retratar paisagens ou narrar histórias, mas busca uma experiência plástica que se fundamenta em cores, planos, linhas e formas.

O artista brasileiro estabelece uma nova relação entre cor e espaço, entre subjetividade e imagem, criando uma arte que convida à reflexão e à interpretação. 

Seus trabalhos não são simplesmente para serem observados, mas experimentados. O que cada espectador vê depende diretamente de sua bagagem e do ponto de vista pessoal, sendo esse justamente o objetivo da arte de Sued: estimular uma percepção única e individual. A arte de Sued não se impõe, mas sugere, permitindo que a interpretação seja tão múltipla quanto as experiências de quem a contempla. 

As gravuras de Sued, longe de serem apenas reproduções, mostram que podem ser tão expressivas quanto uma pintura. As cores são elementos que somam e subtraem, exprimindo tudo o que o artista está pensando. Como ele mesmo disse: "Eu não falo falando, falo pintando". Essa frase encapsula a essência de sua arte: uma forma de comunicação que vai além das palavras, mas que transmite ideias e emoções por meio da ação plástica. 

Obra de Eduardo Sued - Gravura em Serigrafia

Nos trabalhos de Sued, percebe-se a transcendência de uma abordagem pessoal e introspectiva, comum nas obras de importantes pintores modernos brasileiros, como Alfredo Volpi e Milton Dacosta. Sued se distancia das características presentes em muitos artistas de sua geração e adota uma abordagem mais abrangente, incorporando elementos geométricos e abstração para ir além do pessoal e atingir uma expressão mais intensa e inovadora, mas atemporal.

A trajetória de Eduardo Sued: da formação à contribuição na arte brasileira  

O artista carioca iniciou sua trajetória na arte em 1949, quando estudou desenho e pintura com Henrique Boese. Entre 1950 e 1951, trabalhou como desenhista no escritório de Oscar Niemeyer. Em 1951, foi a Paris, onde frequentou as academias La Grande Chaumière e Julian, e teve contato com obras de Picasso, Miró, Matisse e Braque. 

Ao retornar ao Rio de Janeiro em 1953, começou a trabalhar com gravura no ateliê de Iberê Camargo, onde teve seu primeiro contato com as gravuras de metal e se tornou assistente de Camargo.  

Eduardo Sued em uma visita ao Ateliê de Gravura da Fundação Iberê

Em 1958, mudou-se para São Paulo e passou a lecionar desenho, pintura e gravura na Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP) até 1963. 

Ao longo de sua carreira, Sued participou de diversas exposições individuais e coletivas no Brasil e no exterior. Em 1964, publicou o álbum de águas-fortes "25 Gravuras", um marco importante em sua carreira e na história da gravura brasileira. Entre 1974 e 1980, foi professor de gravura em metal no Museu de Arte Moderna (MAM) do Rio de Janeiro. 

Embora tenha passado por uma fase figurativa, Sued se inclinou para a abstração geométrica, explorando influências de Piet Mondrian e da Bauhaus nos anos 1970. 

Em resumo, a arte de Eduardo Sued não apenas influenciou, mas também formou e inspirou, deixando um legado duradouro no ensino e na prática da gravura no Brasil. 

A exploração das cores e a ressignificação do preto na arte  

Eduardo Sued, de forma ousada e inovadora, não se limita às restrições cromáticas de mestres como Piet Mondrian, que usava uma paleta restrita, baseada em cores primárias e branco.  

O artista carioca sempre buscou uma exploração mais ampla, utilizando uma paleta vibrante que abrange tons como verde, roxo, rosa, entre outros, criando um campo visual muito mais dinâmico e diverso.  

Gravura em serigrafia de Eduardo Sued

Mas sua exploração das cores vai além da paleta: o preto, em sua obra, deixa de ser apenas um elemento de fundo ou limitação. Ele se transforma em um recurso crucial, usado não só para contornar formas, mas para dar volume e profundidade à composição. 

Quando você pensa na cor preta, você associa à sombra e à escuridão, uma uma cor "negativa"?! Historicamente, ela foi representada assim na arte. No entanto, a partir do século XIX, começou a ser vista de forma diferente, passando a ser considerada como uma cor autônoma, com potencial para criar luminosidade e não apenas escurecer a tela.  

Sued ressignifica o preto, tornando-o uma cor com identidade própria. Para ele, essa cor é trabalhada e há um entendimento complexo: ao misturar o preto com outros tons, como o azul, ele cria um preto mais profundo, mais intenso, que carrega consigo um novo significado. 

Eduardo Sued em uma exposição com gravuras em diferentes tons de preto

Para Sued, a experiência com a cor envolve uma dimensão de profundidade emocional e estética. O preto, para ele, não é apenas a ausência de cor, mas uma cor em si, vibrante e cheia de possibilidades expressivas. É uma tonalidade rica, capaz de evocar intensidade e complexidade, trazendo à obra uma carga de significado que vai além do que é visível e da superfície. 

Gravura de Eduardo Sued em que as cores criam profundidade e movimento

Assim, Sued nunca se limitou a aplicar cores, ele as transformou, conferindo a elas uma nova dimensão e profundidade em sua arte. 

O legado de vida e arte de Eduardo Sued 

Eduardo Sued enfrentou os inúmeros desafios de criar arte no Brasil em uma época de grandes dificuldades para os artistas. Quando iniciou sua carreira, as primeiras exposições aconteciam em livrarias, pois não havia galerias de arte no país, e, na verdade, tinham poucos pintores. 

No entanto, sua persistência e inovação levaram-no a um caminho único, rompendo barreiras e transformando a arte brasileira. 

Hoje, aos 99 anos, Eduardo Sued continua a afirmar que precisa estar em seu ateliê, imerso em sua arte, pois para ele, o ateliê é mais do que um espaço de trabalho: é um verdadeiro santuário. Lá, ele se sente em paz e, para Sued, a criação artística é uma necessidade vital, quase como respirar. Sua arte não é apenas uma atividade, mas uma forma de manter seu bem-estar.  

A arte de Sued segue forte, relevante e inovadora, sendo uma das mais procuradas por colecionadores. Sua obra continua a inspirar, sendo uma das mais significativas do cenário artístico brasileiro e ele é um ícone cuja influência ultrapassa gerações. 

Agora que você conhece mais sobre sua história e obra, aproveite para conferir o nosso acervo de Eduardo Sued.

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Cildo Meireles

Cildo Meireles é um dos mais importantes e renomados artistas brasileiros contemporâneos, ele é conhecido, principalmente, por suas obras que desafiam as convenções da arte tradicional, provocando e trazendo reflexões sobre o meio, sobre a sociedade e sobre o que se vivia, principalmente durante o período da ditadura militar. 

Nascido no Rio de Janeiro em 1948, Cildo Meireles se desenvolveu na arte e trouxe ao meio um estilo único, se tornou artista conceitual e ficou marcado pela utilização de objetos do cotidiano, causando um circuito, realizando intervenções nesses objetos, e trazendo-os de volta ao meio, com novas mensagens. Suas obras, também são caracterizadas pela inserção do espectador, tornando-o parte dela e o instigando à interação e à experiência artística.

Seus trabalhos, especialmente aqueles produzidos durante a ditadura militar, foram marcados por uma forte crítica social e política, utilizando a arte como ferramenta para denunciar a injustiça, a desigualdade e a opressão que era vivida naquele recorte da história do Brasil.

Meireles abriu caminho para novas possibilidades de expressão artística, explorou a globalização e trouxe uma reflexão cultural, questionando o que era entendido como cultura, e o que aquela cultura trazia ou não de bom à sociedade. Além disso, também foi capaz de, com seus trabalhos, questionar a relação do ser humano e da sociedade como um todo com os bens materiais.

“Quem Matou Herzog?” - Cildo Meireles

Cildo Meireles e as garrafas de Coca-Cola

Alguns de seus trabalhos com objetos do cotidiano mais marcantes são com a utilização de garrafas de Coca-Cola. Nas séries, além de trazer o cotidiano e a reflexão ao meio artístico, questiona o poder das grandes corporações. Nas obras, ele começa a trazer mensagens ocultas, com a finalidade de escondê-las da censura militar. Em um desses trabalhos, inseriu uma receita de “Coquetel Molotov” no vidro da garrafa.

Em outra obra marcante, inseriu a pergunta “Quem matou Herzog?”, artista perseguido pela ditadura militar, em cédulas vigentes, e as colocou em circulação novamente.

Em resumo, a maior marca dessas obras de Cildo Meireles é o apoio ao pensamento reflexivo, ao questionamento interno e externo e ao sentimento. Cildo Meireles nomeia esse estilo de obra como Inserções em Circuitos Ideológicos

Cildo Meireles - Projeto Coca-Cola

A Formação e os Primeiros Trabalhos de Cildo Meireles

Cildo Meireles teve seus primeiros contatos com o aprendizado artístico na Fundação Cultural do Distrito Federal, em Brasília, onde teve contato com a arte moderna e contemporânea. Influenciado pelas propostas da arte conceitual, instalações e performances, o artista desenvolveu um trabalho que dialoga tanto com as questões poéticas e sociais específicas do Brasil, quanto com os problemas gerais da estética e do objeto artístico.

Seus primeiros trabalhos foram marcados por uma forte influência da arte concreta, com uma busca pela pureza formal e pela geometrização das formas. No entanto, rapidamente o artista se voltou para uma linguagem mais aberta e experimental, explorando diferentes materiais e técnicas.

O Estilo Único e a gravura de Cildo Meireles

O estilo de Cildo Meireles é caracterizado por uma grande diversidade de materiais e, consequentemente, de técnicas, que vão desde a escultura e a instalação até a fotografia. Como dito anteriormente, a principal marca de seus trabalhos são por a forte carga política e de crítica social.

Cildo Meireles se diferencia dos demais artistas de sua geração por sua capacidade de criar obras que transcendem as fronteiras da arte e se conectam com a vida cotidiana, questionando as estruturas de poder. 

A gravura também ocupa um lugar importante na obra de Cildo Meireles. O artista utiliza a técnica tanto para a facilitação de outras obras, como para a inserção da frase “Quem matou Herzog?” nas cédulas de 1 cruzeiro, tanto para criação de telas, permitindo que suas ideias alcancem um público mais amplo. Suas gravuras não fogem do restante de seus trabalhos, elas também instigam o pensamento e através delas, Meireles explora temas como a memória, a história e o meio cultural, utilizando uma linguagem visual rica em simbologia e referências.

Serigrafia de Cildo Meireles

A Importância e a influência de Cildo Meireles para a Arte Brasileira

Cildo Meireles é considerado um dos artistas brasileiros mais importantes da sua geração. Suas obras são exibidas em importantes museus e bienais do mundo todo, e ele é reconhecido como um dos principais expoentes da arte conceitual brasileira. A obra de Meireles é uma referência para as novas gerações de artistas, que encontram em seu trabalho uma fonte de inspiração e um exemplo de como a arte pode ser utilizada como uma ferramenta de transformação social.

A obra de Cildo Meireles exerce uma influência profunda e duradoura sobre a história da arte brasileira e para as seguintes gerações de artistas. Meireles mostrou que a arte pode ir além dos museus e das galerias, ocupando espaços públicos e caminhando para o dia a dia da população. Essa abordagem trouxe novos olhares à arte e encorajou artistas mais jovens a manter essa relação nem um pouco amistosa entre a arte e os limites tradicionalmente vistos.

As instalações imersivas e as obras interativas de Meireles também incentivaram uma nova geração de artistas a criar experiências artísticas que envolvem o espectador de forma mais ativa, convidando-o a participar da criação e da vida da obra.

Obra interativa e sensorial de Cildo Meireles

A Arte Conceitual de Meireles para a Arte Brasileira

A arte conceitual, da qual Cildo Meireles é um dos principais expoentes, desempenhou um papel fundamental na transformação da arte brasileira. Ela desafiou os valores estéticos tradicionais, colocando em primeiro plano a ideia por trás da obra de arte. Essa nova abordagem abriu caminho para uma arte mais livre, experimental e crítica.

Ao mesmo tempo, Cildo Meireles ganhou reconhecimento internacional e contribuiu para a visibilidade da arte brasileira no cenário global. É reconhecido por sua qualidade artística e por sua relevância histórica, se tornando cobiçado por colecionadores e instituições.

Seus trabalhos são reconhecidos por sua originalidade e capacidade de desafiar as convenções, eles estão intrinsecamente ligados a momentos importantes da história brasileira, o que aumenta seu valor histórico e cultural para o mundo artístico, além disso, Cildo foi capaz de gerar um grande interesse e demanda por suas obras.

Obra de Cildo Meireles que reflete sobre o espaço da vida humana

Cildo Meireles é um artista completo, que domina diversas técnicas e linguagens artísticas. Sua obra é marcada por uma grande diversidade temática e formal, e por uma profunda preocupação com as questões sociais e políticas. Através de suas obras, Meireles nos convida a refletir sobre o mundo em que vivemos e a questionar as nossas próprias crenças e valores.

Se interessou pela história e pelos trabalhos do contemporâneo artista brasileiro Cildo Meireles? Então confira uma das obras do artista que está disponível na Galeria Livia Doblas.

Cildo Meireles é um dos artistas brasileiros mais importantes da sua geração, cuja obra continua a inspirar e a desafiar artistas e espectadores em todo o mundo. Sua influência na arte brasileira e sua relevância no mercado de arte são a tradução do seu talento e da importância de sua contribuição para a arte.

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A Galeria de Arte Lívia Doblas tem o privilégio de apresentar o trabalho de Marcelo Solá, um dos artistas mais provocadores e inovadores da cena contemporânea. Nascido em 1982, em São Paulo, Marcelo Solá desenvolveu uma carreira sólida e distinta que se destaca por sua abordagem única no desenho e na arte abstrata. Sua obra, marcada por traços espontâneos e uma profunda conexão com o emocional e o sensorial, transita por um universo de descobertas e experimentações visuais que vão além da estética, buscando, antes de tudo, despertar uma reflexão genuína no espectador.

A Trajetória de Marcelo Solá: De São Paulo ao Mundo da Arte Contemporânea

Marcelo Solá começou sua jornada artística de maneira autodidata, sendo, desde cedo, envolvido pelo universo do desenho e da arte visual. Crescendo em São Paulo, um dos maiores centros culturais do Brasil, Solá teve contato com diferentes formas de expressão artística, mas foi no campo do desenho que encontrou sua verdadeira paixão. Sua educação formal foi marcada por uma curiosidade insaciável e pela busca por novos meios de se expressar, o que o levou a explorar a arte de forma independente, experimentando técnicas, materiais e estilos até encontrar a sua linguagem única.

Nos primeiros anos de sua carreira, Solá dedicou-se a aprimorar seu domínio do desenho, absorvendo influências do modernismo e das vanguardas do século XX, mas com uma abordagem pessoal que se distanciava das convenções. Ele não se limitou a reproduzir a realidade de maneira fiel, mas buscou a abstração, transformando o desenho em uma ferramenta para explorar a subjetividade e a sensibilidade do espectador. Seus primeiros trabalhos eram mais intimistas, focando em figuras e formas que evocavam um mundo interno cheio de contrastes e tensões. Ao longo dos anos, suas obras foram se tornando mais fluidas, com uma intensidade crescente que refletia a evolução de sua prática artística.

A marca registrada de Solá é a forma como ele explora a linha como elemento central em suas composições. Para ele, o desenho não é apenas uma representação do real, mas uma linguagem capaz de comunicar os sentimentos e as complexidades da experiência humana. Em vez de se apegar a uma visão rígida e definida da realidade, Solá dá liberdade ao traço, permitindo que ele se desenvolva de forma orgânica, muitas vezes em uma relação de fluxo entre o consciente e o inconsciente. Essa fluidez é uma das características mais fascinantes de sua obra, pois o desenho parece ter vida própria, criando uma conexão direta com a emoção e a percepção do espectador.

A Arte de Marcelo Solá: Intuição, Abstração e Emoção

O estilo de Marcelo Solá pode ser descrito como uma síntese entre o abstrato e o figurativo, onde as formas ganham vida e se desprendem da realidade concreta para criar uma nova dimensão de sentido. Em suas obras, as linhas não são apenas traços; elas têm uma qualidade que remete à própria natureza do movimento, ao fluxo da vida, aos pensamentos e às emoções que se manifestam de maneira livre e imprevisível.

A abstração é um elemento fundamental na obra de Solá, mas ela não se dá de forma arbitrária. Cada linha, cada forma, cada espaço vazio dentro de suas composições tem um propósito claro: criar uma narrativa visual que dialogue com o observador. A tensão entre o caos e a ordem, o preenchido e o vazio, o claro e o escuro, é um jogo constante nas obras de Solá. Ele utiliza o espaço de maneira inteligente, sabendo que a ausência de elementos é tão significativa quanto a presença deles. Esse jogo entre presença e ausência faz com que suas obras adquiram uma força única, capaz de captar a atenção e provocar reflexões profundas.

Um dos aspectos mais fascinantes do trabalho de Solá é a maneira como ele emprega a cor e a linha para expressar uma realidade emocional e sensorial. Enquanto a maioria dos artistas se dedica a transmitir uma ideia clara através da cor, Solá utiliza a cor de forma mais intuitiva, muitas vezes aplicando-a de maneira espontânea e não necessariamente realista. Esse uso de cores vibrantes e contrastantes é um reflexo de sua busca por intensificar a experiência emocional que a obra proporciona, criando um ambiente visual que estimula o espectador a se conectar com o lado mais sensível e visceral de sua percepção.

As obras de Marcelo Solá não buscam uma explicação imediata ou uma leitura fácil. Elas são construídas para desafiar a visão tradicional da arte e do desenho, convidando o público a entrar em um espaço de questionamento e introspecção. Para o artista, a obra de arte não é um objeto estático, mas sim um ponto de partida para uma jornada de descoberta, tanto para ele quanto para o espectador. Ao criar suas peças, Solá não se preocupa com a necessidade de responder a perguntas já estabelecidas. Ele prefere permitir que o desenho se desenvolva de maneira livre, permitindo que ele evoque diferentes respostas e interpretações de quem o observa.

Marcelo Solá na Galeria de Arte Lívia Doblas: Uma Experiência Sensorial

A Galeria de Arte Lívia Doblas, com sua proposta de promover a arte contemporânea e abrir espaço para novos talentos, tem o prazer de receber o trabalho de Marcelo Solá em que promete ser uma verdadeira imersão no universo do desenho e da abstração. Ao adentrar a galeria, o público é imediatamente convidado a entrar em um espaço onde o tempo parece desacelerar, onde a arte se torna uma experiência sensorial e emocional.

Cada obra de Marcelo Solá na galeria traz consigo a energia e a vitalidade que são características da sua produção. Não se trata apenas de observar imagens; trata-se de vivenciar as linhas, as cores, as formas, os vazios e os preenchimentos. A ideia é que você se conecte com a própria sensibilidade, permitindo que as obras despertem sensações que vão além do racional. A fluidez das linhas, as cores que se misturam e os espaços que se criam entre os elementos da composição fazem com que cada obra se revele de maneira única a cada olhar.

Marcelo Solá e o Desafio de Ver o Mundo de Outra Forma

A arte de Marcelo Solá é um convite para enxergar o mundo de uma maneira diferente. Ele não nos oferece respostas prontas, mas nos leva a questionar, sentir e refletir. Suas obras são um convite à experiência sensorial e emocional, uma oportunidade de nos conectar com o lado mais profundo e instintivo de nossa percepção. O trabalho de Solá é um reflexo de sua jornada pessoal e de sua busca constante pela liberdade criativa.

Na Galeria de Arte Lívia Doblas, o público tem a chance de vivenciar essa arte de perto, de se perder nas linhas e formas que ganham vida diante dos olhos. Ao conhecer as obras de Marcelo Solá, você não está apenas vendo arte, está entrando em um universo onde a sensibilidade e a criatividade se encontram e se tornam parte de sua própria experiência.

Seja parte dessa jornada artística única e não perca a chance de conhecer o trabalho de Marcelo Solá. A Galeria de Arte Lívia Doblas está pronta para recebê-lo e convidá-lo a experimentar a arte de uma maneira inovadora e inesquecível.

Gostou? Então venha conhecer as obras de Marcelo Solá que estão no nosso acervo.

Carlos Cruz-Díez um dos maiores inspiradores da Op Art e arte Cinética

Carlos Cruz-Díez, “O Mestre da Cor Venezuelano” é amplamente reconhecido como uma das figuras mais influentes da arte cinética e da Op Art. E não à toa, já que sua obra vai além da simples exploração da cor, ela desafia e redefine os limites tradicionais da percepção visual. 

Sua habilidade única de manipular a cor e a luz não apenas marcou sua carreira, mas também promoveu uma transformação na maneira como compreendemos a cor dentro do contexto artístico. 

Por isso, as obras de Cruz-Díez não se limitaram à representação estática, pois o que era obrigatório em todas elas era proporcionar a experiência e diversas possibilidades de interpretação. Elas interagem com o espectador, mudando conforme o movimento e a intensidade da luz, criando uma experiência visual dinâmica e em constante transformação. 

Carlos Cruz-Díez: O “Mestre da Cor” que se encontrou nas gravuras

Embora tenha começado sua trajetória artística com a pintura, foi na gravura que ele encontrou o meio ideal para expressar sua visão única. "Me custou muitos anos para estruturar essas informações, o que me permitiu conhecer outras possibilidades do mundo cromático. Uma das mais importantes, consegui no mundo da gravura, da multiplicação de imagens", revelou o artista. 

Assim, entre gravuras e gravuras, ele criou uma forma valiosa de admiração da arte, com uma nova forma de diálogo entre a arte e a percepção do espectador. 

Cor é ciência: as gravuras de Carlos Cruz-Díez são eventos cromáticos

Carlos Cruz-Díez entende a cor como algo subjetivo e evolutivo, em que a interação dos nossos sentidos revela eventos cromáticos que se desenvolvem ao longo do tempo.  

 Assim, as cores nas obras de Cruz-Díez incentivam uma forma distinta de conhecimento, onde o espectador pode explorar sua capacidade de criar e destruir cores através de seus próprios meios perceptivos, ao mesmo tempo em que experimenta uma ressonância emocional baseada em sua experiência pessoal. 

Serigrafia de Carlos Cruz-Díez

Talvez você já tenha se deparado com algo assim, nas redes sociais, por exemplo: você vê uma imagem e você vê determinadas cores, e quando mostra para outra pessoa, ela enxerga uma cor diferente. Ou em outro momento, você mesmo olha para a mesma imagem e vê uma cor completamente nova. 

Mas essa experiência não depende só de cores, também de luz, movimento das imagens e texturas. Díez descobriu isso por meio de seus próprios olhos, que sempre exploravam as artes e as possíveis ferramentas para criá-las. 

Você conhece os “moduladores de cores?” O Mestre da Cor Venezuelano as utiliza, e tudo começou quando, em um momento de observação, ele percebeu o reflexo de uma cor sobre o papel branco. 

A partir desse insight, Cruz-Díez passou a integrar em suas gravuras uma estrutura em relevo, posicionada verticalmente à tela, composta por moduladores de cor. Esses elementos alteram a percepção cromática do espectador, dependendo do movimento e da intensidade da luz do ambiente. Ao combinar esse fenômeno com os eventos cromáticos, a gravura de Cruz-Díez cria uma experiência visual que se aproxima da forma como as cores se transformam naturalmente.  

E você sabia que a maneira como Carlos Cruz-Díez aplica e manipula as cores em suas obras é estudada e estratégica? Vamos explicar como se estrutura o seu trabalho

A arte de Carlos Cruz-Diez: mais do que uma exploração de cores, uma linha de pesquisa visual

O trabalho do artista é baseado em três condições fundamentais da cor: subtrativa, aditiva e reflexiva. Para aplicá-las e explorá-las, ele desenvolveu oito linhas de pesquisa, que incluem Couleur Additive, Physichromie, Induction Chromatique, Chromointerférence, Transchromie, Chromosaturation, Chromoscope e Couleur à l'Espace. Cada uma trata de um comportamento específico da cor e ajuda a aprofundar o entendimento de como podem se comportar de maneiras surpreendentes. 

Exposição de Carlos Cruz-Díez 

Além disso, não podemos deixar de mencionar a importância do fenômeno da persistência retiniana no trabalho do artista Venezuelano. Esse fenômeno acontece quando você olha fixamente para uma cor e, ao desviar o olhar para uma superfície branca, vê a cor complementar da cor observada. Cruz-Díez usou esse princípio a seu favor para criar uma técnica que induz o espectador a ver cores que não estão fisicamente no quadro. 

Enquanto na física tradicional esse fenômeno ocorre em duas etapas, Cruz-Díez foi capaz de reduzi-lo a uma única etapa. Ele faz isso ao sobrepor cores como preto, azul e branco, criando uma impressão de amarelo virtual na retina do espectador, uma cor que não existe de fato na obra. É como se a cor estivesse surgindo diretamente da nossa percepção, e não da gravura em si. 

Gravura de Carlos Cruz-Díez

Por isso, “experiência” nas gravuras e na arte de Cruz-Díez abarca os dois significados da palavra: é uma experiência dele, como artista, que testa e aplica cores, luzes e texturas e também uma experiência do espectador, que contempla sua obra e nunca a verá da mesma forma. Como ele mesmo disse: “Existe um mundo infinito de transformações na menor mudança de luz. Quero fazer obras que mudam conforme a natureza muda. Mais do que uma composição ou uma forma, uma obra moderna, para mim, é acima de tudo uma metamorfose.” 

Carlos Cruz-Díez - Gravura em serigrafia com movimento e cor

Então, podemos entender que a arte de Carlos Cruz-Díez é aquela que exige uma interpretação de cada detalhe, e que nos pede, mesmo que por breves momentos, um desligamento para realmente captar sua mágica. 

Uma coisa é certa: suas gravuras nunca envelhecem nem perdem o sentido. Elas estão sempre surpreendendo, conectando e despertando novas emoções. 

E se você deseja levar essa experiência para contemplar na sua casa, confira o nosso acervo de gravuras do artista venezuelano.

E para saber mais curiosidades de Carlos Cruz-Díez e também de outros artistas, continue acompanhando nosso blog e nossas redes sociais. 

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Hércules Barsotti em seu Ateliê

Hércules Barsotti, figura fundamental para a História da arte brasileira, foi um artista de vasto repertório que deixou sua marca em diversas linguagens artísticas. Pintor, desenhista, e gravador, Barsotti explorou vertentes da abstração e da geometria em suas obras e foi um artista construtivo por essência. Através desse artigo, você poderá saber, além de um pouco de sua trajetória nas artes plásticas, mais detalhes de suas produções como gravador, entendendo as técnicas e os resultados de suas gravuras, que se destacaram de forma única, pela precisão técnica, linearidade e pela marca única.

Os primeiros passos de Hércules Barsotti na arte

Paulistano de 1914, Hércules Barsotti ainda jovem teve suas primeiras aulas de arte, seu primeiro professor foi o também artista Enrico Vio que introduziu conceitos de desenho e composição. Por curiosidade, ao final da década de 30, se formou em Química Industrial na Faculdade Mackenzie, de São Paulo, porém, o seguimento na profissão não aconteceu. Poucos anos depois decide se dedicar inteiramente ao meio artístico, que para ele se deu como “um trabalho como qualquer outro”. 

Seus primeiros trabalhos revelam influência surrealista, com naturezas mortas e paisagens, mas em pouco tempo faz uma transição para uma linguagem cada vez mais abstrata e geométrica, aproximando-se do movimento concretista e seguindo essa vertente até o final de sua carreira.

A gravura passou a ser explorada por Barsotti a partir da década de 1950, através da técnica, ele pode ter mais capacidade de multiplicação de seus trabalhos.

Hércules Barsotti - CB - Serigrafia

As Gravuras de Hércules Barsotti: uma linguagem única

Para Barsotti, a gravura era muito mais do que apenas uma técnica de reprodução. Era um meio de expressão que lhe permitia explorar as relações entre forma e espaço, luz e sombra, e as possibilidades da cor. O artista trabalhou com inúmeras vertentes da gravura, como a xilogravura, a gravura em metal e, principalmente, a serigrafia, buscando sempre novas formas de ampliar as possibilidades de se expressar através da técnica.

Para Barsotti, em suas gravuras, assim como na maior parte de seus trabalhos, a utilização da geometria foi um elemento fundamental. Linhas, formas simples e formas complexas se entrelaçam, criando composições equilibradas e que possuíam harmonia entre si. A cor, grande parte das vezes aplicada de forma plana e uniforme, servia como algo que dava ainda mais sensação de ordem e da racionalidade que ele empregava em seus trabalhos. 

Hércules Barsotti - VL - Serigrafia

Porém havia algo que contrabalançou seus trabalhos: sua sensibilidade, tanto no momento da escolha dos materiais, quanto através de seus traços e, principalmente, na escolha das cores.

A escolha e utilização das cores para a obra de Hércules Barsotti representou muito para sua carreira. Inicialmente, Barsotti era focado na pureza da forma e da linha, com a utilização apenas do branco e do preto. A falta de cor, principalmente em épocas mais antigas, se dava também pela otimização do tempo, já que as tintas a óleo coloridas levavam um longo período até a secagem.

Hércules Barsotti - PB2 - Serigrafia

Com o passar do tempo, do surgimento de materiais de manipulação mais fácil e secagem mais rápida, e, claro, também através das técnicas da gravura, o artista passou a explorar as infinitas possibilidades cromáticas, utilizando a serigrafia como principal técnica. 

A cor, em suas gravuras, não é apenas um elemento decorativo, mas sim um elemento construtivo que define formas, cria volumes e define espaços. A paleta de cores vibrantes e que se contrastam, criando sentido através das formas presentes em suas telas, associada à precisão das figuras geométricas características de suas obras, confere às suas gravuras uma energia e uma vitalidade únicas, convidando o espectador a uma imersão completa.

A obra de Barsotti como gravador é marcada pela navegação nos mais amplos moldes dos temas mais abstratos, como um bom concretista. 

Hércules Barsotti - B2 - Serigrafia

Como Barsotti trabalhou com a Serigrafia

A serigrafia foi uma técnica fundamental para a produção das gravuras de Hércules Barsotti. A possibilidade de obter tiragens maiores e a precisão nas linhas permitiram ao artista explorar possibilidades da cor e da composição.

A sobreposição de cores, característica marcante de suas serigrafias, o permitiu criar efeitos de profundidade e nuances cromáticas e visuais, ampliando as possibilidades trazidas para as telas. A serigrafia também permitiu a Barsotti produzir obras em grande escala, aproximando a arte concreta de um público mais amplo.

Hércules Barsotti - B1 - Serigrafia

Além disso, a cor não era apenas um elemento decorativo, mas sim um elemento construtivo que definia formas e espaços. As cores vibrantes e contrastantes, associadas às formas geométricas, tornaram as suas serigrafias um trabalho único por essência, e que convidava o espectador a uma imersão completa na obra.

A obra de Hércules Barsotti como gravador é um convite à reflexão sobre as formas e sobre a maneira de criar. Através de suas gravuras, o artista foi capaz de elevar a arte concreta no Brasil, e nos instigou a entender a construção de um pensamento através da geometria, a complexidade de um trabalho que é abstrato ao mesmo tempo em que é racional e que é idealizado com um objetivo.

Hércules Barsotti - XX - Serigrafia

Suas obras, marcadas pela rigorosa e constante busca por novas formas de expressão, influenciaram gerações de artistas. As gravuras de Barsotti são um testemunho da importância da arte concreta no Brasil e de sua capacidade de dialogar com as mais diversas linguagens artísticas.

Se você se interessou pelo trabalho e pelas gravuras de Hércules Barsotti, clique aqui e confira todos os trabalhos do artista que temos em nosso acervo.

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Julio Le Parc - Artista Argentino

Quando falamos de Julio Le Parc, podemos resumir sua arte em duas palavras: prazer estético. Suas gravuras, assim como a integridade de suas obras são meticulosamente organizadas, profundas, coloridas e hipnotizantes, repletas de efeitos visuais impressionantes. 

As criações de Le Parc parecem estar em constante movimento, transmitindo a sensação de que estão vivas. 

E como ele consegue? Explorando as mais diversas formas de percepção e utilizando o movimento e a luz de maneira inovadora. Mas tudo isso só é possível porque o artista sempre se recusou a se limitar. 

Embora suas obras sejam diversas e variáveis em técnica e forma, há algo inconfundível em todas elas: quem as observa certamente reconhece seu estilo único e inconfundível.  

A arte de Julio Le Parc nunca deixa dúvida de quem a criou, pois, seu estilo é tão característico que, independentemente de como aplicar, a sua assinatura está sempre presente. 

O que encontramos nas contagiantes gravuras de Julio Le Parc?  

O tradicional nunca foi a sua “praia”, tudo está muito além de tinta e papel.   

Sua criatividade e expressão o levaram a experimentar diversas técnicas e materiais, criando efeitos surpreendentes e texturas únicas.  

Um de seus métodos é a forma como manipula a construção das camadas, criando uma profundidade visual que adiciona complexidade e dinamismo.  

Gravura - Julio Le Parc 12 - Serigrafia

Os efeitos criados exigem uma exploração contínua, mas para o artista argentino, essa é uma tarefa natural. Diversificar e explorar novas possibilidades faz parte do seu processo criativo.  

Uma técnica marcante de seu trabalho é a maneira como a luz é utilizada para criar as famosas ilusões de movimento. A luz, combinada com os elementos visuais, faz com que suas gravuras parecem ganhar vida diante dos olhos do espectador, mudando de forma conforme o ângulo e a iluminação com que são vistas.  

Portanto, a ilusão do movimento não é apenas um aspecto, mas uma parte essencial da experiência proposta.  

Os padrões geométricos repetitivos, linhas e formas também são empregados nas artes de Le Parc, e eles provocam o cérebro humano a perceber o movimento, mesmo quando a obra está estática.

Suite 2 - Julio Le Parc - Serigrafia

Esses nem exigem do espectador que o espectador se mova para sentir os efeitos, basta focar o olhar em um ponto específico ou até mesmo na tela inteira, e as ilusões se manifestam instantaneamente.   

 Dessa forma, Le Parc captura a atenção de quem observa, deixando-o obcecado, intrigado e, acima de tudo, cativado pela experiência que ele proporciona com suas peças.

O Legado das gravuras e arte de Julio Le Parc 

As gravuras de Julio Le Parc são convites para uma experiência imersiva. Inovadoras não apenas em suas características visuais, mas também pela maneira única com que convidam o espectador a se engajar ativamente.  

Estimulam a interação, o questionamento e a sensação, desafiando os limites da observação passiva. E isso é inovação.  

Julio Le Parc - Suite 4 - Serigrafia

No entanto, a arte de Le Parc só é um legado graças a visão única de seu criador, que é o verdadeiro inovador por trás de tudo. Sua percepção do mundo e a maneira como a transmite são essenciais para a força transformadora de sua arte. 

Ao falarmos do artista argentino, que hoje está com 96 anos, não estamos apenas discutindo o estilo do seu trabalho, estamos celebrando o seu papel. Sua contribuição para diversos movimentos foi imensa e continua a ecoar.  

O legado da sua arte é ser sinônimo de inspiração e fascinação, para todos os públicos ao redor do mundo. O impacto é imenso, consolidando-se como um marco na história da arte.

Julio Le Parc: o mestre de tocar as pessoas com sua arte 

Julio Le Parc é um dos nomes mais influentes da Op Art, também conhecida como Arte Óptica ou Arte Cinética.  

Seguindo a essência desse movimento, suas obras despertam uma série de sensações únicas em quem as observa.

Julio Le Parc durante uma exposição

É impossível passar por uma gravura sem ser imediatamente atraído, pois o olhar parece ser "capturado" pela intensidade das formas e movimentos, ficando totalmente focado na arte. Esse efeito cria uma experiência envolvente e única. 

E esse impacto é exatamente o que Le Parc sempre buscou, pois o artista argentino considera que o público era uma "parte ausente" da arte contemporânea, portanto, seu principal objetivo era criar uma relação direta entre a obra e o espectador. 

Ele alcança isso de forma brilhante: quem observa suas telas não apenas vê, mas vive uma imersão na interpretação, sendo levado a uma experiência sensorial profunda. 

As gravuras de Le Parc parecem flutuar, vibrar e até explodir, provocando reações que não são apenas visuais, mas físicas, mexendo com a percepção, envolvendo a mente e o corpo de uma forma única e peculiar. 

Serigrafia de Julio Le Parc

Cada uma é uma surpresa, pois Le Parc é mestre em criar "plot twists" visuais, desafiando a absorção do espectador, ao proporcionar uma experiência nova a cada interação. 

Por isso, Le Parc é considerado um mestre em tocar as pessoas, pois nada é apenas para ser visto, tudo é para se sentir.  

Já imaginou ter uma gravura de Le Parc em sua casa? Uma peça que não apenas representa a história da arte, mas também te convida a refletir, te desconecta e te inspira constantemente. Você pode conferir diversas gravuras de Julio Le Parc em nosso acervo.

E para mais histórias sobre arte e artistas, continue acompanhando nosso blog e nossas redes sociais. 

Hector Carybé e Pierre Verger juntos

Pierre Verger, francês, parisiense, fotógrafo. Hector Carybé, argentino, de Lanús, desenhista em sua essência. Qual o ponto de encontro destes dois personagens? 

Friamente, podemos imaginar que a única coisa que os unia seria o gosto pela arte, mesmo que através de métodos, visões e técnicas completamente diferentes, um através das lentes de suas câmeras, outro através do lápis, do papel, da tinta e de seus materiais para produção de gravuras.

Mas, não apenas a arte foi o ponto em comum e de encontro entre os dois artistas, mas um dos locais mais característicos do Brasil, a Bahia. Uma Bahia que, na época, era consideravelmente distante culturalmente dos dias de hoje.

Se hoje, a cidade de Salvador carrega muitos traços característicos e culturais ainda bem fortes, não se compara ao momento em que o francês e o argentino chegaram por lá. A luminosidade, a capoeira ainda presente nas ruas e as expressões de religião ainda muito fervorosas.

Hector Carybé - Pelourinho - Serigrafia

Os primeiros passos de Hector Carybé e Pierre Verger na arte

A fotografia, para Pierre Verger, surge com seu professor Pierre Boucher, em 1932. Após o período de aprendizagem, o francês trabalhou por um longo período de tempo em periódicos da Europa e da América.

Já o argentino inicia sua jornada artística já no Brasil. Antes de Salvador, Carybé mora no Rio de Janeiro e completou seus estudos na Escola Nacional de Belas Artes. Como profissional da arte, seus primeiros trabalhos vieram através também de periódicos. Carybé viajava por várias regiões enviando desenhos que retratavam o local. 

Hector Carybé - Roda de Samba - Serigrafia

Daí, surge algo em comum em suas carreiras, o interesse pelas pessoas, pelo povo, pelos bichos, e pelo conhecimento de diversas culturas através de seu trabalho. Isso a Bahia levou a eles como nenhum outro lugar foi capaz, além da alegria, da felicidade natural e espontânea e isso é de muito fácil percepção através da análise de suas obras.

A chegada de Hector Carybé e Pierre Verger a Salvador

Ao contrário do surgimento de suas profissões, onde a pintura e o desenho precederam a fotografia, a chegada do pintor e desenhista Hector Carybé a Salvador foi posterior a do fotógrafo Pierre Verger. 

Pierre Verger já tinha residência fixa em Salvador desde 1946, no início, Verger trabalha na Revista Cruzeiro, mas seu trabalho se move consideravelmente da fotografia para estudos etnológicos e à escrita. Isso se dá principalmente pelo sentimento de unidade que sentiu junto ao povo baiano.

Foto de Pierre Verger na Exposição “Verger e o Mercado Modelo”

Vindo de terras mais próximas, o argentino fixou residência em  solos soteropolitanos em apenas em 1950, seis anos mais tarde de sua primeira visita e quatro anos depois do Francês, após vir do Rio de Janeiro, onde já tinha dado seus primeiros passos no meio artístico. Após sua chegada, Carybé produz painéis para o Centro Educacional Carneiro Ribeiro, pinta murais e obras públicas e se insere completamente no cotidiano local.

É curioso que mesmo não como motivo principal, os dois foram instigados a conhecer a capital baiana também por uma influência em comum: Jorge Amado. A descrição e as obras escritas de um dos maiores escritores brasileiros de todos os tempos sobre a capital baiana e seu modo de viver único trouxeram ainda mais curiosidade para os artistas estrangeiros. 

Além disso, é mais curioso ainda que, mesmo que sendo o último a fixar residência, Hector Carybé, que já conhecia a capital baiana, em uma das conversas quando se conheceram, levou o assunto “Bahia e Salvador” ao diálogo entre os recém amigos, que se conheceram no Rio de Janeiro, inserindo o francês a cultura baiana, levando-o a um terreiro de umbanda no Rio.

A partir daí, foram mais de 50 anos de amizade, de trabalhos que tinham muito em comum e que elevaram a cultura baiana e africana dentro e fora do Brasil.

Hector Carybé - Mercado - Serigrafia

O Cotidiano Baiano nas Obras de Carybé e Verger

Logo que chegou, mesmo partindo para outras vertentes da arte, as fotografias de Verger começam a retratar a cultura negra da capital baiana e o cotidiano da cidade, como as ruas, as moradias, as pessoas, os homens e as mulheres que trabalham e movimentam a cidade. com seu trabalho etnológico e como escritor, também se aproxima do povo, observa nos primeiros trabalhos, e depois disso vai a campo como pesquisador. Em pouco tempo já se torna parte do local, se inclui completamente na cultura local, se converte e participa ativamente das manifestações religiosas do Candomblé.

Foto de um pescador por Pierre Verger

Essa curiosidade pelas culturas afro e baianas fazem com que o francês se interesse a procurar as raízes africanas e baianas no continente africano. Na África, buscou retratar imagens dessas raízes e as comparou com o que era visto em solo brasileiro.

O desenhista, pintor e gravador Hector Carybé igualmente se interessou pelos temas cotidianos e os inseriu em seus desenhos e pinturas rapidamente. 

Hector Carybé - Pesca - Serigrafia

Por fim, um trabalho em conjunto entre os amigos é o que melhor retrata a parceria e as trocas de influência e conhecimento de anos e anos, o livro “Carybé & Verger - Gente da Bahia”. Na obra, estão vários retratos em preto e branco do francês, que ganharam vida e cor pelas maos do argentino, ambos que de estrageiro tinham muito pouco, mas da Bahia, viveram e retratam tudo.

A Galeria Livia Doblas tem diversas obras do artista baiano e argentino Hector Carybé. Clique aqui para conferir as peças disponíveis. 

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Pablo Picasso, Cícero Dias e sua filha

Ele passou a visitar frequentemente o ateliê de Picasso, onde foi apresentado a um círculo de intelectuais, mas foi com Picasso que ele desenvolveu uma amizade mais próxima, a partir de suas afinidades artísticas e culturais, com almoços e jantares repletos das melhores discussões sobre arte.  

Essa amizade foi se fortalecendo e se tornou tão verdadeiramente sinônimo de parceria que, por 12 anos, os dois até usaram o mesmo telefone, já que o número de Picasso foi registrado em nome de Cícero na lista telefônica francesa, para evitar importunação. Assim, é provável que muitos que tentaram contatar Cícero acabaram ouvindo o “alô” do próprio Picasso.  

Esse laço se tornou tão íntimo que, quase como um membro da família, Picasso foi padrinho do casamento da filha de Cícero, Silvinha, em 1972.  

Em outro momento marcante dos verdadeiros amigos, Picasso presenteou Cícero com dois desenhos e algumas telas para seu amigo vender e financiar sua nova casa na Avenue Longchamps. 

Essa amizade, marcada por um profundo apoio mútuo, perdurou até os últimos dias de suas vidas.

Como eram as gravuras de Cícero Dias e Pablo Picasso?

As gravuras de Cícero Dias tinham cores vivas que conferiam dinamismo às suas obras, e sua linguagem visual era uma fusão de surrealismo com as tradições folclóricas e o cotidiano do Nordeste brasileiro.

Serigrafia “Descanso” de Cícero Dias

Em suas gravuras, ele representava figuras humanas, principalmente mulheres, animais e elementos da natureza de forma estilizada e, ao mesmo tempo, abstrata, criando imagens que remetiam tanto à realidade quanto ao imaginário.

Serigrafia “Figura Feminina” de Cícero Dias

Cícero também se destacava por seu caráter experimental, explorando sempre novas técnicas e materiais.

As gravuras de Pablo Picasso também refletiam a vasta gama de interesses e experimentações do artista.

“Le Rêve” gravura de óleo sobre a tela, de Pablo Picasso

Para Picasso, a gravura era uma forma privilegiada de expressar seus pensamentos e memórias, e ele explorava uma grande diversidade de temas, como touradas, figuras femininas, paisagens espanholas, cenas eróticas e mitológicas.

“Paisagem Mediterrânea” de Pablo Picasso

Através da gravura, Picasso conseguiu dar voz a suas reflexões e a seu estilo singular, que mesclava diferentes técnicas e abordagens.

Cícero Dias e Pablo Picasso: juntos em momentos cruciais de seus trabalhos

Com 349 cm de altura por 776,5 cm de comprimento, "Guernica" é uma das obras mais admiradas de Pablo Picasso e uma poderosa expressão política, carregando uma mensagem vigorosa contra regimes totalitários e opressores. E você sabia que na época em que Picasso estava criando essa obra-prima, Cícero Dias já era seu amigo e teve a honra de acompanhar o processo em seu ateliê?  

Assim como neste, ambos estiveram em muitos momentos significativos na vida um do outro inclusive de diversos processos criativos, em que era inegável que a arte de um inspirava a do outro.  

Outro momento em que os trabalhos se entrelaçaram, foi quando Picasso cedeu mais de 30 obras para uma exposição relevante de Cícero Dias.   

Pode-se afirmar que essa amizade transcendia a presença de um na vida e na arte do outro. Muitos observadores diziam que a arte de um influenciava a do outro, que inclusive, havia uma característica "picassiana" nas obras de Cícero Dias.

“Eu vi o mundo... Ele começava em Recife” de Cícero Dias, apelidada de Guernica Brasileira. 

Uma de suas criações mais famosas e polêmicas, "Eu vi o mundo... Ele começava em Recife", foi apelidada de "Guernica Brasileira" devido aos aspectos semelhantes com a célebre obra de Picasso. 

E, por falar em Guernica, claro que não podemos deixar de mencionar a influência de Cícero na vinda histórica dessa obra ao Brasil. Esse é o tema do próximo capítulo, que exemplifica de maneira marcante essa parceria.  

“Guernica” de Pablo Picasso

A influência de Cícero Dias na trajetória de "Guernica" no Brasil  

"Guernica" era muito estimada por seu criador, que só a levou para a Espanha e para o Museu de Arte Moderna de Nova York, mas não por falta de oportunidades, pois dizem que Picasso recebeu diversos convites para levá-la a outros países, mas negou todos.  

Guernica exposta na Segunda Bienal de Arte de São Paulo de 1953

Claro que o convite para a levar ao Brasil chegou, e a princípio também foi negado. Mas isso mudou, e a obra foi exposta na 2ª Bienal de São Paulo, em 1953, trazida ao Brasil por “Ciccillo” Matarazzo, junto com dona Iolanda Penteado.  

Mas como conseguiram esse feito? É claro que Cícero Dias teve um papel fundamental. Ele teve a missão de obter a autorização necessária do próprio Picasso, que estava em retiro no sul da França. Cícero relatou que o processo de convencimento não foi nada fácil, ele foi pessoalmente até Picasso e argumentou sobre a importância de “Guernica” estar no Brasil.

Ele contou que, entre os motivos, disse ao amigo que, devido ao seu sentido universal, a obra deveria percorrer o mundo, incluindo o Brasil, pois expressava o clamor do homem pela liberdade e servia como um marco da arte e da cultura diante da violência e da opressão.  

E o discurso deu certo e Picasso concordou. Esse dia ainda rendeu uma história engraçada para Cícero: após a conversa, Picasso o convidou para um almoço, mas, temendo que o amigo mudasse de ideia durante a refeição, Dias optou por recusar o convite, alegando ter outro compromisso. Mais tarde ele voltou ao ateliê de Picasso e confirmou que a autorização ainda estava em vigor. Assim, foi providenciado um documento para o Museu de Arte Moderna de Nova York, autorizando a entrega de “Guernica” para ser exibida na Bienal de São Paulo.  

 Cícero Dias e Pablo Picasso: o último encontro

Cícero Dias recordou com carinho do seu último encontro com Picasso, em que ele, a sua esposa Raymonde e a filha Silvinha foram à casa do artista, que estava em reunião com diretores do MAM de Nova York.   

Cícero lembra que logo quando chegaram já foram recebidos pelo amigo que apresentou aos membros, que estavam ali com eles, Cícero como alguém da família. Entre taças de vinho, relembraram momentos passados, causando uma emoção mútua na sala, e relembrara a apoteose da presença de "Guernica" no Brasil.   

Ao se despedirem, Picasso acompanhou Cícero até a porta e, com um carinhoso “Hasta luego, Dias”, ali se despediram eternamente. O que deixou uma marca indelével na memória do artista brasileiro.   

Essa amizade não apenas cruzou fronteiras, mas também deixou um legado na história da arte.  

Você já conhecia esses capítulos e curiosidades sobre essa amizade? Inspiradora, não é?! Dois artistas tão relevantes e eternos, de mundos diferentes, unidos pela arte e pela genialidade.  

Imagine como foi para Cícero Dias, alguém que saiu de uma vida simples no Brasil, chegar à França e se tornar amigo de uma das figuras mais influentes da arte.  

Além de celebrarmos essa amizade, também nos orgulhamos da trajetória de Cícero Dias. Você sabia que na Galeria Livia Doblas temos diversas obras do artista?

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Anna Bella Geiger

Com 75 anos de contribuição para as artes visuais, Anna Bella Geiger é uma das artistas mais proeminentes da cena artística brasileira dos séculos XX e XXI, sendo parte da primeira geração de artistas conceituais na América do Sul.

É conhecida pela arte inovadora que abrange diversos meios, incluindo o vídeo, a gravura, a performance, instalações e a pintura.

A carreira de Geiger começou com os estudos na década de 1950, tendo simplesmente a renomada pintora Fayga Ostrower como sua professora.

Em seu início, as suas obras eram caracterizadas por sua abstração informal e, com o tempo, ela passou a se dedicar a outras técnicas, inserindo a gravura em metal e a utilização do guache em seu repertório.

Anna Bella Geiger com sua primeira professora Fayga Ostrower

Uma década após seus estudos, ela desenvolveu uma série que se tornaria um marco em sua carreira, conhecida como sua "Fase Visceral", na qual explorou a relação entre as partes do corpo humano e representações geopolíticas.

Anna Bella Geiger - Visceral - Ponto Central - Guache e Nanquim

Por meio dessa abordagem, refletiu e idealizou sobre como partes fragmentadas do corpo poderiam se compor em mapas, criando obras multimídia que ilustram a intersecção entre cartografia e o corpo, como um território em disputa.

Por ser professora, sua prática artística se entrelaça ao pensamento pedagógico, tornando seu trabalho ainda mais significativo.  

Geiger sempre foi engajada no mundo da arte, participando de debates contemporâneos sobre cultura, identidade e história, desafiando narrativas estabelecidas. 

E vive uma abordagem verdadeiramente experimental, navegando por dimensões políticas e pessoais, corporais e conceituais, formais e estéticas. 

Entre suas muitas contribuições, destaca-se seu papel como uma das pioneiras da arte abstrata no Brasil, gravurista e inovadora na videoarte. 

Suas obras podem ser encontradas em diversos museus tanto no Brasil quanto no exterior. Hoje, aos 91 anos, Anna Bella Geiger continua ativa, expondo e participando do cenário artístico.

A história e carreira de Anna Bella Geiger

Anna Bella Geiger nasceu em 1933, no Rio de Janeiro, onde cresceu, estudou e iniciou sua carreira.

Após apenas três anos de estudos no renomado ateliê de Fayga Ostrower, a carioca já se destacava na cena artística ao participar da histórica e inaugural exposição de arte abstrata no Brasil, realizada no hotel Quitandinha, em Petrópolis, no Rio de Janeiro.

Com sua carreira em ascensão, em 1954, ela se mudou para Nova York, onde estudou história da arte no The Metropolitan Museum of Art, o MET, sob a orientação de Hannah Levy e, como ouvinte, na New York University. Durante cinco anos na Big Apple, aprofundou seus conhecimentos, expandiu suas influências e então retornou ao Brasil.

Nessa volta, Geiger passou a trabalhar no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, o MAM, integrando o ateliê de gravura em metal e lecionando como professora. 

Entre 1962 e 1966, ela vivenciou uma fase intensa, marcada por bienais e exposições que trouxeram reconhecimento ao seu trabalho.

Destacam-se, por exemplo, o 1º Concurso Interamericano de Gravura, em Havana, Cuba, em 1962, onde recebeu o primeiro e único Prêmio “Casa de Las Américas”. A exposição "Brazilian Art Today", no Royal College of Art, em Londres, em 1965; e a 1ª Bienal Latino-Americana de Gravura, em Santiago do Chile, em 1966, na qual conquistou uma menção honrosa.

Fase Visceral de Anna Bella Geiger

Entre 1965 e 1968, ela iniciou um novo capítulo em seu estilo artístico, conhecido como sua "fase visceral", onde explorava a realidade orgânica por meio da representação fragmentada do corpo, sugerindo uma conexão com mapas do microcosmo.

Anna Bella Geiger - América Latina

Essa fase antecipa sua utilização da cartografia, centrando-se no questionamento das limitações territoriais e culturais impostas por fronteiras geográficas.

Anna Bella Geiger - Garganta - 1967

Ao mesmo tempo, suas obras são compostas por chapas de metal recortadas, revelando e explorando artisticamente o próprio processo da gravura em metal. Exemplos dessa fase incluem as obras "Garganta" (1967) e "Limpeza de ouvido com cotonete" (1968).

Anna Bella Geiger - Limpeza De Ouvido Com Cotonete

A partir dessa sutil reapropriação do corpo como espaço, surge um novo interesse pela representação territorial, que se expande para uma dimensão cósmica das imagens espaciais. Isso culminou em um novo tema em sua produção artística: a cartografia cósmica, manifestada em uma série considerável de fotosserigrafias intitulada "Polaridades/Lunares".

A partir de 1970, Geiger expande ainda mais suas contribuições ao campo artístico, dedicando-se a diversas mídias, como fotogravura, fotografia clichê, fotomontagem, serigrafia, xerox, cartões-postais, vídeo e Super-8.

Nos anos 2000, o avanço da tecnologia a inspirou  e seu interesse foi voltado a explorar novos métodos, aumentando o uso do vídeo em combinação com gravuras (clichês de metal) e arquivos de ferro na instalação "Indiferenciados" (2001).

Anna Bella Geiger – Indiferenciados – Gavetas de ferro

As Polaridades Lunares de Anna Bella Geiger

A artista carioca começou a explorar uma nova linguagem artística a partir de um material recebido do consulado dos Estados Unidos no Rio de Janeiro: fotografias do planeta Terra e da superfície lunar, capturadas durante as missões espaciais da NASA.

Anna Bella Geiger – Polaridades - Serigrafia e fotogravura em metal e clichê

Com esse material, ela desenvolveu uma aplicação no formato da letra X, e a relacionou com as imagens fotográficas.

Embora as fotos apresentassem baixa nitidez e fossem passíveis de descarte, nas mãos da artista, essa rejeição foi reinterpretada e transformada em um sinal que representa a barreira de acesso aos espaços que essas imagens evocam, mapeando a superfície sob uma perspectiva geopolítica.

Anna Bella Geiger – Ponto Fixo - Serigrafia 

Dessa forma, ela desenvolve exposições excêntricas, únicas e inconfundíveis, que revelam a interpretação pessoal de Anna Bella. Essa produção continua a ser admirada atualmente, e peças exuberantes dessa série você encontra na galeria Livia Doblas, clique aqui para conferir.

Você já conhecia essa artista brilhante? Ainda podemos contar muito mais sobre ela e sua arte, continue acompanhando nosso blog e nossas redes sociais para conhecer mais sobre ela e demais artistas. 

O artista brasileiro e mineiro Amilcar de Castro é um dos grandes nomes da escultura na história da arte do Brasil. 

O Advogado Amilcar de Castro

Filho de um juiz, Amilcar deu seus primeiros passos profissionais seguindo os passos de seu pai. A vivência de sua infância e adolescência, o fez admirar o caminho do seu progenitor o que o instigou a iniciar o curso de Direito no qual se formou. Assim se deu o início de sua vida profissional, como advogado, porém, não se adaptou a profissão, Amilcar de Castro se viu com pouca paciência pela advocacia e decidiu reavaliar seu caminho profissional.

Amilcar de Castro 4  - Litografia

Seu caminho na arte é iniciado através dos ensinamentos de Alberto Da Veiga Guignard com quem Amilcar aprendeu a desenhar ainda durante o curso de Direito. Esse fato é extremamente curioso para os críticos de arte, já que Guignard trouxe para a história da arte obras com teor muito mais realista, com traços bem mais leves e delicados, Amilcar, com o passar do anos, apresentou algo muito mais pesado, abstrato, com formas e traços marcados e rústicos.

Eles, portanto, ficaram muito mais próximos na ideologia, na forma de pensar e no perfeccionismo de seus trabalhos do que na semelhança de suas obras.

As obras e vasto repertório de Amilcar de Castro

Apesar de deixar sua formação acadêmica de lado, para ele, a justiça não foi esquecida completamente, já que considerava a arte uma demonstração de justiça, sem ela não haveria arte. Por isso, o que é mais nítido no seu modo de viver e que automaticamente é refletido em suas obras, a forma direta de pensar, falar, se manifestar, agir e de sentimento que suas obras trazem.

Um dos trabalhos mais interessantes de Amilcar de Castro foi a construção da identidade e da diagramação do Jornal do Brasil. Instigado pela mandatária do jornal, Amilcar idealizou um projeto a frente de seu tempo, trazendo mais leveza, fluidez e ao mesmo tempo seriedade para o periódico.

Gravura e Escultura de Amilcar de Castro

Amilcar de Castro também foi um dos participantes do Manifesto Neoconcreto que, segundo ele, funcionou muito mais para entender e tornar mais claras as obras de arte brasileiras. De opinião forte, o Manifesto Neoconcreto teve muito mais importância que a Semana de Arte Moderna de São Paulo.

O Desenhista Amilcar de Castro

Amílcar se considerava um desenhista por essência. Para ele, o pintor observa e traduz o mundo pela cor, já ele, organiza suas obras pela linha e pela forma, por isso se auto declarava um desenhista,  um gráfico, um construtor de ideias através da junção desses elementos.

Suas obras podem ser observadas como extremamente organizadas e sensíveis, algo que, segundo seu olhar crítico, faltou no dia a dia dos brasileiros, principalmente para quem comandava o nosso país. Amilcar considerava o Brasil como um país que, com o passar do tempo, foi sendo jogado fora, um local cheio de riquezas, mas que não foi observado com inteligência para que fosse “bem aproveitado”.

Exposição "Matéria e Luz" com Esculturas e Gravuras de Amilcar de Castro em Minas Gerais

O Escultor Amilcar de Castro

Em 1953, na Bienal de São Paulo, Amilcar de Castro apresentou a primeira de uma que seria uma de suas maiores marcas na arte, as Esculturas Dobradas. Após isso, apresentou uma série de esculturas que davam sequência à apresentada na Bienal.

As suas esculturas também trazem o seu gosto pelo trabalho com o metal, que para ele “eram doces”, algo fácil de trabalhar, sem mistério. Esse gosto pelo ferro também traduz um pouco mais de sua personalidade direta. Talvez, o ferro seja um dos materiais mais simples e comuns, todos já viram, todos tem algo produzido através dele, todos conhecem sua textura e o que sentem ao tocar.

Esculturas em ferro de Amilcar de Castro

Com várias obras ao ar livre, Amilcar de Castro considera que a ferrugem e o desgaste do ferro fazem parte da sua idealização da obra e mantê-los por lá faz parte de sua vontade. Algo como a utilização da tinta que interromperia a ação do tempo, não é algo que o interessa, pelo contrário, ver o tempo agir sobre sobre suas esculturas era o desejado.

Ao final de sua carreira, as obras grandiosas deram lugar ao pequeno, produzindo uma série de jóias baseadas em suas esculturas.

A Galeria Livia Doblas possui um vasto acervo de obras de diversos artistas de renome nacional e internacional, como Amilcar de Castro, com inúmeras opções para quem deseja ter em casa uma das obras de um dos maiores desenhistas da História da Arte do Brasil.

Conferir as obras de Amilcar de Castro disponíveis na Galeria.

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Alfredo Volpi em seu Ateliê

A vida e a obra de Alfredo Volpi podem ser analisadas de formas muito parecidas, como algo único, de fácil reconhecimento, desde sua voz marcante com um sotaque italiano carregado, até suas linhas e formas, que quando em conjunto fizeram algo único na história da arte brasileira. 

Muito conhecido pelas "Bandeirinhas de Volpi", e por suas obras abstratas e cheias de formas geométricas, Volpi, unanimemente, foi um dos grandes artistas da segunda geração da Arte Moderna Brasileira e curiosamente não iniciou sua trajetória na abstração, pelo contrário, iniciou sua carreira produzindo inúmeras obras realistas e paisagens por diversas questões culturais e experienciais.

Alfredo Volpi - Bandeirinhas IV

Alfredo Volpi também inseriu diversos conhecimentos com o passar dos anos de sua carreira e foi ficando com o repertório cada vez mais vasto. Utilizou técnicas da gravura como a serigrafia e a litografia em seu repertório e hoje, temos diversas obras únicas de sua autoria.

Alfredo Volpi - Fachada 3

O Pequeno Alfredo Volpi

Veio para o Brasil muito novo,  em 1897, com um ano e alguns meses de idade, seus pais, que vinham da Itália com o intuito de fugir das dificuldades que a Europa enfrentava naquele momento, fixaram residência em São Paulo. A partir daí, Volpi passa toda sua vida em território brasileiro.

Sua personalidade criativa já podia ser vista ainda muito novo, na Escola Profissional Masculina do Brás, onde teve seu primeiro contato com a tinta, algo que caminharia ao seu lado pelo restante de sua vida, por lá Volpi já gostava de misturar e descobrir novas cores. Anos mais tarde, em busca de seus primeiros passos profissionais, Alfredo encontrava, nos trabalhos manuais, algo que afloraria ainda mais o seu lado artista.

O trabalho em uma gráfica, além de deixá-lo mais próximo de materiais artísticos e do manuseio de elementos que ficariam ao seu lado por anos, permitiu que ele comprasse suas primeiras aquarelas. Antes disso, Volpi já havia trabalhado como assistente de marcenaria, e fazendo trabalhos de entalhador. 

Pouco tempo depois, sua relação com as tintas ficaria ainda mais próxima. A partir daí, já era possível perceber que os trabalhos manuais e muito próximos aos artísticos já deixavam de ser apenas uma oportunidade para o jovem Alfredo Volpi, mas começavam a fazer parte de seu planejamento de vida. Volpi, então, começou a pintar muros de casas e a auxiliar em trabalhos de decoração em casarões, que eram muito comuns na época.

Alfredo Volpi - Linhas

As primeiras telas de Alfredo Volpi

Com a relação extremamente aflorada com elementos artísticos, Volpi produz suas primeiras obras pouco tempo depois. Na época, a tinta óleo dava vida a telas muito distintas do que o decorrer de sua carreira mostraria. As paisagens e casas eram os elementos mais presentes, suas obras traziam um teor mais realista. De qualquer forma, se compararmos com as obras mais reconhecidas de sua carreira, é possível analisar semelhanças em suas pinceladas mais fortes e rústicas, que o acompanharam em todo decorrer de sua carreira. 

Pouquíssimos anos depois, na segunda metade dos anos 30, Volpi já fazia parte do Grupo Santa Helena, fazendo desenhos de modelo vivo e trabalhando em um ateliê conjunto, algo que seria muito relevante para o andamento de sua carreira, já que poderia receber e dar ensinamentos valiosos aos participantes, ao mesmo tempo em que começavam a participar de exposições mais relevantes no meio artístico paulista.

Alfredo Volpi - Paisagem - Óleo sobre Tela 

A carreira consolidada de Alfredo Volpi e Itanhaém

É no início dos anos 40 que pode ser notado que Volpi atingiu a marca de “Artista Consolidado”. Nesta época, ganha um concurso do Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional, ainda com obras que já começavam a trazer o viés de temas mais populares e de religião. Poucos anos mais tarde, o reconhecimento se torna ainda mais claro, e Volpi realiza sua primeira exposição individual, na Galeria Itá, em São Paulo.

Logo em seguida, surge uma inesperada surpresa na vida de Volpi, uma sequência de visitas à cidade de Itanhaém para visitar sua esposa, que vivia por lá para cuidar de uma doença. Por lá, Alfredo Volpi integra o litoral de São Paulo a suas paisagens. As obras que tinham  tonalidades escuras começam a trazer tons mais claros e com mais leveza. Mas não foi apenas nas paisagens que a cidade de Itanhaém enriqueceu o repertório de Volpi, pelo contrário, a cidade seria a responsável por trazer um dos pontos mais característicos de suas obras, as famosas “Bandeirinhas de Volpi”.

Alfredo Volpi - Paisagem de Itanhaem - Óleo sobre Tela

Foi em um dos finais de semana que passava por lá que Alfredo se deparou com as bandeirinhas de São João, algo que estaria em suas idéias por anos.

Alfredo Volpi - Bandeiras Brancas e Rosas - Serigrafia

A visita à Itália e as Bandeirinhas de Alfredo Volpi

Mesmo com a ideia das Bandeirinhas em mente, a inserção em suas telas não é imediata. Antes disso, Volpi viaja para a Itália e de lá traz mais conhecimento e repertório artístico, se interessa pelo abstracionismo e pelo renascentismo e começa a pintar fachadas com teor muito mais figurativo que realista. As cores já começam a ser muito mais um elemento que um reflexo da realidade e os traços começam a ser muito mais geométricos que curvos e lineares.

Essa talvez fosse a maior virada de chave na carreira de Volpi, isso se as Bandeirinhas não fizessem tanto sucesso. Com a abstração já muito empregada em suas obras, principalmente em conjunto com linhas e formas geométricas, tudo parece perfeito para a inserção das Bandeirinhas. 

Alfredo Volpi - Fachada XX - Serigrafia

Alfredo Volpi premiado, famoso e reconhecido

Alfredo Volpi foi um artista muito reconhecido durante a sua carreira. Participou das três primeiras Bienais Internacionais de São Paulo e, em 1953 chegou a receber o prêmio de melhor pintor nacional. Em 1958, recebeu o Prêmio Guggenheim e realizou a exposição retrospectiva. Também recebeu o prêmio de melhor pintor brasileiro pela crítica de arte do Rio de Janeiro em 1962 e 1966.

Podemos considerar Alfredo Volpi como um pintor por essência, artista completo e que soube escalar a capacidade de produção das suas obras através das técnicas da gravura, como a serigrafia e a litografia. 

A Galeria Livia Doblas possui um vasto acervo de obras de Alfredo Volpi, com inúmeras opções para quem deseja ter em casa uma das obras de um dos maiores artistas coloristas do Brasil.

Clique aqui para conferir todas as obras de Alfredo Volpi que estão disponíveis na Galeria.

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A vida e a obra do artista brasileiro Aldemir Martins são um testemunho da pluralidade que está presente no universo artístico do Brasil. Seu repertório parte do desenho e transcende por vários âmbitos da arte, caminhando da gravura à pintura de forma livre, lúdica e única.

Nascido em 8 de novembro de 1922, no sertão do Cariri, no Ceará, Aldemir deixou uma marca permanente na cultura e no meio artístico do país, ganhou prêmios, participou de diversas exposições e marcou a arte figurativa do Brasil.

Aldemir Martins – Por do Sol - Serigrafia

O Desenho e os primeiros passos de Aldemir Martins

Desde cedo, o artista cearense mostrou seu talento. Em 1934, com apenas 12 anos, enquanto estudava no colégio militar de Fortaleza, ele já começava a se dedicar ao desenho.

Como muitos jovens brasileiros, ele serviu ao exército de 1941 a 1945, onde também encontrou oportunidade para se inspirar e expressar sua arte: desenhou o mapa aerofotogramétrico de Fortaleza e conquistou seu primeiro prêmio ao vencer um concurso da Oficina de Material Bélico da 10ª Região Militar, por uma pintura de viaturas do exército. Como reconhecimento por seu talento, recebeu o título de "Cabo Pintor".

Nesse período sua trajetória artística tomava forma com a sua participação na fundação do Centro Cultural de Belas Artes (CCBA), ao lado de nomes como Mário Baratta e Antônio Bandeira, que depois seria conhecida como SCAP, a Sociedade Cearense de Artistas Plásticos. 

Esse espaço não apenas promovia exposições permanentes, mas também organizava salões e cursos de arte, contribuindo para a formação de uma nova geração de artistas. Dois anos mais tarde, expõe suas obras pela primeira vez, no Segundo Salão de Pintura do Ceará. Assim, Martins iniciava algo que seria um dos pontos mais relevantes do cenário da arte do Ceará.

Aldemir Martins - Flor do Ceará - Serigrafia

O Enriquecimento do Repertório Artístico de Aldemir Martins

Em 1943, Aldemir começou a colaborar como ilustrador na imprensa cearense, um passo fundamental para desenvolver seu repertório artístico. Em 1946, vivendo em São Paulo, ele realizou sua primeira exposição individual no instituto dos arquitetos do Brasil. O reconhecimento veio rapidamente: em 1947, participou da exposição "19 pintores", onde conquistou o terceiro lugar, marcando sua ascensão no cenário artístico.

A partir de então, Aldemir não parou mais. Em 1951, seus desenhos de paus-de-arara e cangaceiros foram premiados na 1ª Bienal Internacional de São Paulo, lá ganhou o Prêmio Aquisição “Dona Olívia Guedes Penteado” e uma premiação em dinheiro, que seria utilizada para voltar às suas raízes, o Nordeste, com o intuito de reviver a cultura nordestina e trazer de volta essa inspiração para suas obras.

Mesmo já premiado em eventos internacionais, suas primeiras premiações nacionais vieram 2 anos mais tarde, em 1953, no Salão Nacional de Arte Moderna, no Rio de Janeiro, quando recebeu o Certificado de Isenção do Júri e da IIª Bienal de São Paulo. No ano seguinte, ele produziu o cenário da peça "Lampião", de Rachel de Queiroz.

Melhor desenhista internacional

O ponto mais alto de sua carreira veio em 1956, quando foi considerado o Melhor Desenhista Internacional na 28ª Bienal de Veneza, neste mesmo ano, no V Salão Internacional de Arte Moderna do Rio de Janeiro, já tinha recebido a Medalha de Ouro, como Melhor Expositor.

O ano de 1958 foi muito marcante para a sua carreira, quando ele realizou uma série de exposições nos Estados Unidos, e foi convidado pelo Departamento de Estado Americano, a ficar no país por três meses para visitar a Filadélfia, Chicago, Detroit, Boston e New York.

Ainda neste ano, recebeu o Prêmio Jabuti na categoria Melhor Capa de Livro do Ano, atribuído pela Câmara Brasileira do Livro, pela capa de "História do Modernismo Brasileiro’.

Na década de 1960, Aldemir se destacou ainda mais ao criar cenários para produções teatrais e, posteriormente, focou em esculturas de cerâmica.

Mas a sua versatilidade artística não parou por aí, nos anos 70, ele também foi responsável por criar imagens de aberturas icônicas de novelas da rede globo, como "Gabriela" e "Terras do sem fim".

Aldemir Martins - Cangaceiro PB - Serigrafia

Os costumes e a cultura popular na obra de Aldemir Martins

A arte de Aldemir Martins é um retrato de tudo o que seus olhos admiravam: a cultura, como o cangaço e o futebol, a vida sertaneja, os animais como galos e gatos, sem deixar de lado algo corriqueiro e cotidiano, presente no dia a dia das pessoas, como as flores e as frutas.

Assim firmou a estética de Aldemir: uma representação figurativa rica em paisagens, cultura brasileira, flores e animais, com cada obra carregando uma explosão de cores, linhas e traços.

Aldemir Martins - Galo colorido 2 - Serigrafia

A cultura sertaneja foi uma marca na carreira de Aldemir Martins, e os galos são uma boa representação disso, animais presentes no cotidiano das pessoas mais simples e no meio rural do nordeste.

Outro tema que evidencia seu amor pelo Brasil é a sua relação com o futebol. Para ele, esse esporte era uma parte essencial da arte do país, algo que não poderia deixar de lado.

O próprio artista destacou que, até então, nenhum artista brasileiro havia se permitido realmente ver, sentir e ilustrar o futebol - um esporte que todos os brasileiros amam e, que inclusive, tinha o maior ícone reconhecido mundialmente, como um símbolo dessa paixão coletiva, se referindo a Pelé.

Aldemir Martins – Jogador Camisa 10 - Gravura

Então, já em 1965, começou a trazer o futebol para suas obras, e suas gravuras começaram a expressar o valor do esporte que era associado apenas a pessoas humildes e negras. Com isso, ele não apenas celebrou o futebol, mas também destacou sua importância social e cultural no Brasil, unindo o que para ele, fazia parte de mundos completamente distintos.

Outro símbolo importante foi a ilustração de Gatos de Aldemir Martins, em serigrafias que mostram suas características de traços fortes e cores vibrantes, que conquistou muitos fãs. Mesmo representando a cultura popular, os gatos vieram da encomenda de uma senhora que gostava de suas obras, a partir daí, caiu no gosto de seus clientes, e Aldemir inseriu em seu repertório.

Aldemir Martins - Gato escondido - Serigrafia

Assim podemos considerar que a trajetória de Aldemir Martins não é apenas a história de um artista, mas o retrato de uma vida dedicada a transformar suas experiências em arte, que foi conhecida pelo mundo todo.

A Galeria Livia Doblas possui um vasto acervo de obras de Aldemir Martins, com inúmeras opções para quem deseja ter em casa uma das obras deste que é um dos nomes mais lembrados da Arte brasileira!

Gostou e não quer perder nada sobre inúmeros artistas? Fique atento ao Blog e às Redes Sociais da Galeria de Livia Doblas e não perca nenhuma novidade.

Claudio Tozzi é uma figura de destaque na arte brasileira, amplamente reconhecido por suas obras que dialogam com o movimento da pop art. No entanto, sua contribuição vai muito além da estética colorida e gráfica que caracteriza esse estilo. Tozzi une com maestria elementos visuais populares a uma crítica social afiada, criando uma arte acessível, mas profundamente reflexiva. Neste artigo, vamos explorar como Tozzi fez da arte pop um meio de interpretar e criticar a realidade brasileira e global, especialmente em tempos de convulsões políticas e sociais.

A Arte Pop: Releituras do Cotidiano e da Mídia de Massa

A pop art surgiu nos anos 1950 e 1960, especialmente nos Estados Unidos e no Reino Unido, como uma reação às artes abstratas e elitistas da época. Ao abraçar imagens do cotidiano, da mídia e da cultura de consumo, artistas como Andy Warhol e Roy Lichtenstein criaram uma nova estética que celebrava o banal e o massificado. No Brasil, Claudio Tozzi encontrou nesse movimento uma oportunidade de explorar as questões políticas e sociais de maneira inovadora.

Tozzi abraçou os elementos da pop art, como o uso de cores vibrantes, formas simplificadas e a repetição de imagens, mas com uma diferença marcante: enquanto a pop art internacional muitas vezes celebrava a cultura de consumo, Tozzi a usava como um meio para discutir a alienação e a opressão que permeavam o Brasil durante a ditadura militar.

A Crítica Social em Cores Vibrantes

A produção de Tozzi é marcada por uma crítica constante ao contexto político e social brasileiro. Nos anos 1960 e 1970, o país estava sob o regime militar, e muitos artistas utilizaram suas obras como uma forma de resistência. Tozzi, em suas pinturas, serigrafias e instalações, abordava temas como a repressão, a censura e a alienação, mas sempre com uma estética acessível, utilizando ícones do cotidiano e da mídia.

Um exemplo marcante desse processo é a obra "Multidão" (1968), onde Tozzi cria uma série de imagens repetidas de pessoas amontoadas. Esse uso da repetição, característica da pop art, aqui é um comentário direto sobre a massificação e a perda da individualidade em regimes autoritários. A multidão anônima de Tozzi é, ao mesmo tempo, um símbolo de força coletiva e de vulnerabilidade frente ao poder.

A Iconografia de "Os Astronautas"

Outra série icônica de Tozzi, “Os Astronautas”, se apropria de uma das grandes imagens da época: a corrida espacial. Naquele período, as viagens espaciais representavam o ápice do progresso tecnológico e da conquista humana. Contudo, Tozzi subverte essa narrativa ao retratar os astronautas de maneira distante e fria, flutuando em um espaço sem contexto ou conexão.

Para Tozzi, o astronauta não era apenas um símbolo do avanço científico, mas também uma metáfora para o isolamento humano e a alienação política. Enquanto o mundo celebrava os feitos espaciais, o Brasil vivia sob censura e repressão. O contraste entre o avanço tecnológico e a estagnação política era evidente, e Tozzi, com suas cores vibrantes e formas estilizadas, fazia questão de evidenciá-lo.

A Influência da Mídia e da Cultura de Massa

Um dos elementos centrais da arte pop é a apropriação de imagens da mídia de massa, e Tozzi soube utilizar isso de maneira brilhante. Ele era fascinado pela forma como as imagens da televisão, dos jornais e dos cartazes publicitários moldavam a percepção das pessoas. Mas, em vez de simplesmente reproduzir essas imagens, Tozzi as questionava.

Seu trabalho mostra como a mídia pode ser usada como uma ferramenta de controle, manipulando narrativas e obscurecendo a realidade. Suas obras frequentemente utilizam imagens conhecidas – como soldados, multidões, ícones da tecnologia – para questionar a maneira como a sociedade se relaciona com o poder e a informação. Essa crítica não poderia ser mais relevante em uma época de censura oficial e manipulação midiática, como era o Brasil dos anos de chumbo.

A Pop Art de Tozzi: Diálogo com a Cultura Brasileira

Embora claramente influenciado pelo movimento pop internacional, a arte de Claudio Tozzi não pode ser vista como uma simples adaptação local desse estilo. Ele deu à pop art um toque brasileiro, incorporando questões que refletiam a realidade do país e utilizando a linguagem visual de forma politizada e engajada.

Se, na pop art americana, as cores e formas serviam para celebrar o consumismo e a cultura de celebridades, na obra de Tozzi, essas mesmas ferramentas são usadas para criticar a alienação e a opressão. Ele transformou a linguagem pop em uma plataforma para discutir as complexidades da vida política e social no Brasil, tornando sua obra atemporal e relevante até hoje.

A Atualidade da Obra de Claudio Tozzi

Claudio Tozzi é um dos artistas mais significativos da arte brasileira por sua habilidade de unir estética e crítica social em um diálogo constante com a realidade de seu tempo. Sua pop art não apenas capturou a efervescência cultural e política dos anos 1960 e 1970, mas também continua a nos fazer refletir sobre as tensões entre poder, controle e a experiência humana.

A Galeria Livia Doblas tem o prazer de apresentar as obras de Claudio Tozzi, proporcionando aos visitantes uma oportunidade única de entrar em contato com a profundidade e a relevância da pop art brasileira.

Gostou? Então venha conhecer as obras de Claudio Tozzi que estão no nosso acervo.

Claudio Tozzi é um dos nomes mais importantes da arte contemporânea brasileira. Suas obras, marcadas pelo diálogo entre o político, o popular e o poético, são reflexos das inquietações sociais e culturais do Brasil desde a década de 1960. Uma de suas séries mais icônicas, Os Astronautas, continua a ser uma referência quando se fala da produção visual de Tozzi. Neste artigo, exploramos essa obra e seu impacto na arte brasileira.

O Contexto de “Os Astronautas”

Criada em meados dos anos 1960, a série Os Astronautas surgiu em um contexto de grande transformação política e tecnológica no mundo. A corrida espacial entre Estados Unidos e União Soviética dominava o imaginário global, especialmente com a missão Apollo 11, que levou o homem à Lua em 1969. No Brasil, por outro lado, o cenário era de repressão militar, censura e resistência cultural.

Tozzi, que desde o início de sua carreira se interessou por temas urbanos e sociais, captou essa dualidade ao transformar o astronauta – símbolo do avanço tecnológico e da conquista espacial – em uma figura de reflexão sobre o poder, a alienação e as mudanças sociais da época. Suas obras não eram meramente ilustrações dos eventos globais, mas críticas sutis às distâncias entre as conquistas tecnológicas e as crises humanas que ocorriam em paralelo.

A Estética de Tozzi: Entre o Pop e o Político

Uma das características marcantes de Os Astronautas é a utilização de uma estética influenciada pelo movimento pop art, com cores vibrantes, repetições e a apropriação de imagens da mídia de massa. Tozzi se inspirou na linguagem visual da comunicação de massa, como pôsteres e quadrinhos, para criar uma iconografia própria.

O astronauta, nessa série, é representado de forma estilizada, quase sempre com o capacete refletindo um vazio ou uma paisagem abstrata, o que gera uma sensação de isolamento. Essas figuras estão inseridas em composições que parecem desconexas, flutuando em ambientes que podem remeter tanto ao espaço exterior quanto à alienação urbana. Ao explorar essa estética pop, Tozzi coloca a figura do astronauta como um símbolo não apenas de conquista, mas de distanciamento humano e político.

Simbolismo e Crítica Social

Embora o astronauta fosse um símbolo de progresso para o mundo desenvolvido, nas mãos de Claudio Tozzi ele também se tornou um emblema de crítica ao autoritarismo e à alienação social. Ao mesmo tempo em que o homem chegava à Lua, no Brasil, a ditadura militar controlava o espaço político e cultural, reprimindo a liberdade de expressão.

Tozzi usa o astronauta para questionar esse contexto. A figura, embora moderna e poderosa, também parece frágil e isolada, refletindo a condição de alienação do indivíduo sob regimes autoritários. Em suas obras, o astronauta flutua solitário, desconectado de seu ambiente, sugerindo um paralelo com a sensação de impotência e distanciamento da população brasileira em relação ao governo e aos avanços sociais.

Inovação Técnica e Composição

Além de seu conteúdo conceitual, a série Os Astronautas também se destaca pela inovação técnica de Tozzi. Ele explora diferentes materiais e técnicas, como o uso de tinta acrílica, colagem e serigrafia, criando uma linguagem visual que combina elementos gráficos e pictóricos. A repetição de imagens, com variações sutis de cor e forma, também remete à estética industrial, ressaltando o caráter serial e massificado da produção visual da época.

Essa fusão de técnicas permite que Os Astronautas seja ao mesmo tempo uma crítica ao culto ao progresso tecnológico e uma reflexão sobre o papel do artista na sociedade moderna, onde a arte, assim como a comunicação de massa, precisa ser compreendida e reproduzida em larga escala para alcançar seu público.

O Legado de “Os Astronautas”

A série Os Astronautas é um dos trabalhos mais emblemáticos de Claudio Tozzi e ainda ressoa fortemente na arte brasileira contemporânea. Suas obras podem ser vistas em museus e galerias de todo o Brasil, incluindo a Galeria Livia Doblas, que exibe um rico acervo de Tozzi.

Ao trazer uma visão crítica sobre a modernidade e os avanços tecnológicos, Os Astronautas continua a inspirar discussões sobre o papel da arte em tempos de transformação social e política. A obra de Tozzi não só capturou um momento específico da história, mas também nos lembra que as conquistas humanas – sejam elas espaciais ou terrestres – devem ser acompanhadas de uma reflexão sobre nossa humanidade e nosso compromisso com a liberdade e a justiça.

Por fim, Claudio Tozzi, com Os Astronautas, não só consolidou sua relevância na arte brasileira, mas também ofereceu uma poderosa crítica visual e social que continua a ser pertinente. Suas obras, disponíveis aqui na Galeria de Arte Lívia Doblas, são um convite à reflexão sobre as tensões entre progresso e alienação, liberdade e controle, arte e poder.

Gostou? Então venha conhecer "Os Astronautas" e outras obras de Claudio Tozzi que estão no nosso acervo.

As xilogravuras de Emanoel Araújo merecem atenção e interesse entre colecionadores de artes por conta de sua trajetória, aptidão, evolução de técnicas levando suas obras a outro patamar criando gravuras originais. Continue lendo e entenda.

Xilogravuras de Emanoel Araújo

A relação de xilogravuras com Emanoel Araújo começou cedo. Testava técnicas com uso indireto de guache nos primórdios quando usava desenho lavado para recriar o efeito da xilogravura de Albrecht Durer, vistas por Emanoel em ilustrações do livro de Sancho Pança.

O livro emprestado da biblioteca de Santo Amaro o inspiraram. Pintava um desenho em branco e depois passava nanquim por cima. Depois lavava.

Isso resultava em traços com linhas brancas e transformavam em uma espécie de negativo. O desenho era apenas revelado após a lavagem.

Esta técnica de estudo de xilogravura no papel reflete bem os resultados da matriz gravada no papel.

Ainda criança adquiriu experiências como entalhador quando trabalhou dos 9 aos 11 com marcenaria e dos 11 aos 14 com gráfica na Imprensa Oficial com experiência em matrizes.

Além disso, seu gosto pelo desenho era uma facilidade. Depois passou a frequentar o ateliê de gravura de Henrique Oswald. Neste momento já tinha aptidões para as gravuras acumuladas com seus trabalhos, já testava técnicas com guache e por isso chamou a atenção.

Traços livres e emocionais

As xilogravuras de Emanoel Araújo tinham como características uso de elementos geométricos com muita figuração com formas livres, sem uso racional, mas extremamente emocional.

Linhas de memórias afetivas da Bahia

As linhas vinham de memórias afetivas da arquitetura dos sobrados da Bahia com barroquismo comumente visto na composição das casas.

Influências africanas

Além das influências nativas do Brasil, foi impactado por uma viagem para a África com cultura e religiosidade refletida na geometrização da arte de lá. Uma geometria gestual e orgânica.

Identidade étnica e uso de cores

As xilogravuras de Emanoel Araújo passaram a ter identidade étnica com padronagens. As formas geométricas surgidas com uso de matemática para processo e não um fim. Passou a usar cores em variedade.

Influências do tangram

Sua técnica consistia em encaixar matrizes recortadas com impressões múltiplas pensando em todas as etapas quanto disposição, composição e processo.

Os encaixes para a estruturação dos espaços funcionam como quebra-cabeças com 7 peças geométricas para formar figuras sem sobreposições. Estas regras são do tangram.

Ancestralidade

Na hora de escolher as cores usava tons terrosos evocando sua ancestralidade africana. Seu pensamento continuava em formas.

Evolução da xilogravura para tridimensionalidade

Suas questões poéticas e subjetivas permanecem traçando um percurso coerente usando elementos da xilogravura mesmo quando passou a fazer esculturas.

Afinal, Emanoel Araújo continuou usando madeira, matrizes, relevos em sulcos e projeção. Os sulcos passaram a ser desdobrados brincando com luz e sombras projetados em direções invertidas.

Mesmo suas esculturas têm muito da xilogravura de Emanoel Araújo, sendo uma evolução das técnicas com espaços que se assemelham muito ao resultado das goivas na madeira. Mesmo quando trabalhou em aço esse efeito é característico.

Também teve influências do kirigami quando passou a usar curvas, que eram difíceis de serem obtidas pelas goivas na madeira, transportando-as para esculturas.

Alfredo Volpi é um artista consagrado no Brasil por conta de técnica própria de pintura desenvolvida em sua jornada autodidata. Com pinceladas constantes leves e ritmadas, fabricação das próprias tintas usando pigmentos naturais a base de têmpera e de todos os elementos que usava, criou uma assinatura que não pode ser replicada. Suas obras são originais e únicas.

Genialidade, dedicação e originalidade

Para saber se uma obra é de Volpi, basta apenas olhar e reconhecer suas formas mais usadas, a maestria no uso de cores com rigor técnico e elaboração artesanal de todos os materiais, desde pigmentos, emulsificantes e telas.

Muita gente não sabe, mas ele fabricava suas telas em processo artesanal usando linho em suporte de madeira. Também usava outras bases.

Dominando as técnicas artísticas, bem como os materiais sob aspecto físico-químico. Suas obras em suportes têm muito mais camadas (chegavam a 7 ou 8) e demandava muito tempo de Volpi mostrando sua dedicação com a arte.

Com cores vibrantes e luminosidade, mas sem interferência da refração da luz davam como resultado um brilho fosco. Além disso, são muito mais resistentes a ação do tempo com conservação sem reações a atmosfera, se mantendo com aspecto novo como se Volpi tivesse recém-pintado a tela.

Desenhava as formas em grafite ou carvão em papel como parte do estudo. Depois riscava as telas com curvas a mão livre e uso de réguas ocasionais.

Alfredo Volpi: fachadas, madonas e bandeirinhas

Alfredo Volpi usava diferentes temas para composição de suas telas, mas se destacam as fachadas, madonas e bandeirinhas.

Fachadas de Alfredo Volpi

As fachadas compostas de portas e janelas representam uma estética comum do interior do Brasil. Usando geometria beirando a abstração, mas com signos conhecidos por todos, seus retângulos e quadrados representavam as fachadas.

As fachadas e casas tinham início a partir da memória de Volpi com reinterpretação da sua memória usando pictografias que se tornaram signos abstratos por não delinear mais a forma das casas.

Usando módulos que se encaixam, mas colocados arbitrariamente.

O uso da tinta têmpera com origem italiana dá uma opacidade e saturação cromática criando tons vibrantes que saltam aos olhos.

Bandeirinhas de Alfredo Volpi

As bandeirinhas de Alfredo Volpi são uma das composições artísticas mais famosas, causando muitas dúvidas dos motivos de serem retratadas.

As formas geométricas das bandeirinhas decoram casas, ruas, fachadas, comércio e locais de evento no período das festas juninas, tão famosas no Brasil.

Na hora de pintar, Volpi afirmava que o seu problema inicial surgia da cor e depois ia repetindo os temas.

As bandeirinhas coloridas criam um efeito aos olhos com explosão cromática traduzindo a brasilidade e o espírito das festas populares de forma magistral, que tanto encantavam o artista.

Madonas de Alfredo Volpi

Com temática religiosa ajudando a retratar a cultura do interior aonde predominava a fé cristã, pintou Madonas: a virgem com o menino Jesus.

Estas imagens eram mais uma retratação história de uma parte da cultura vibrante nacional da iconografia popular das imagens de santos.

Tanto as fachadas, madonas e bandeirinhas mostravam aspectos culturais que influenciaram o artista, que mostravam como objetos e elementos do cotidiano eram transformados em obras de valor consagradas, premiadas e icônicas.

Gostou? Então confira algumas das gravuras de Alfredo Volpi que estão no nosso acervo. 

Carlos Cruz Díez foi um artista venezuelano especialista em fenomenologia da cor com formação acadêmica e atuação em diferentes áreas artísticas. Dentre elas, suas gravuras refletem suas técnicas de forma maestral. Continue lendo e saiba mais.

Gravuras e cores de Carlos Cruz Díez

Carlos Cruz Díez contou em entrevista ao canal Louisiana em 2017, que sua fascinação por cores começou muito cedo quando se indagava o motivo das pessoas usarem cores dos mesmos jeitos sempre.

Em sua vida acadêmica começou uma intensa pesquisa sobre uso de cores em diversas áreas: filosofia, artístico, científico. Desta forma, conseguiu descobrir possibilidades do mundo cromático.

O artista usando combinações de cores conseguiu fazer a multiplicação da imagem. Usando teoria e saindo do senso comum, Díez criou uma aplicação nova: cores no espaço, formação de novas possibilidades e perspectivas com a fisiocromia.

Cores no espaço

Uma das formas de uso de cores é o de uso no espaço. Não está sob a tela, mas induzida e envolui de acordo com o espaço. Desta forma, ela sai do campo da certeza e vai para a circunstância.

Presente perpétuo

Elas ressoam o presente perpétuo. Nem no passado ou futuro. Ela se faz ali de forma instantânea diante dos olhos.

Mutação de cores constante

O que ocorrem com as gravuras de Carlos Cruz Díez é uma mutação constante das cores diante da observação se transformando sempre. Isso foi alcançado depois de muitas pesquisas, estudos e tentativas de acertos e erros.

Novas cores são criadas

A partir disso, a forma é destruída ou dividida, fracionada e transformada em tramas. Portanto, em vez de fazer uma justaposição, ele fazia uma sobreposição dos planos, misturando linhas gerando cores que não estão ali no suporte.

Fisiocromia

Ao colocar as cores no espaço dentro de uma trama de luz, ele criou uma fisiocromia resolvendo o problema de reflexão e transparência.

Então, ele criou cores físicas, aditivos e substrações. As cores se formam constantemente. A participação dos expectadores se torna fundamental nesta arte cinética, não sendo uma contemplação passiva, mas ativa para materialização da obra.

O sistema dialético do trabalho de Díez é completo pelas pessoas que a observam aonde existem descobertas e prazer.

Ele conseguiu criar uma forma de expressão nova, colaborativa e uma nova maneira de enxergar as cores e este mundo de outra perspectiva.

Cromosaturação

Outra técnica inovadora do artista envolvia usar vermelho, verde e azul como as cores da luz. Já amarelo, azul e verde são os suportes opacos. Elas permitem que as pessoas tenham uma experiência vital através de exposições usando o jogo de cores de forma física causando sensações diversas.

Gravuras de Carlos Cruz Díez

As gravuras de Carlos Cruz Díez surpreendem, maravilham e causam descobertas contínuas baseadas em muitos estudos e um senso de investigação, que permitiu o artista a criação de novas possibilidades de cores e obras que interagem aos olhos.

Para transformar os espaços, entreter, inspirar, fazer olhar por novas perspectivas, ser terapêutico, tirar do senso comum, dar vida, confortar, alegrar, ser poético, transformadoras com muitas surpresas constantes. Um artista que vale a pena conhecer e adicionará valores a coleções de arte e a gallery walls.

Fulvio Pennachi foi um artista italiano que fixou residência no Brasil como imigrante aonde fez uma carreira de sucesso estabelecendo uma vida e desenvolvendo suas habilidades artísticas. As gravuras de Fulvio Pennachi são eruditas mostram grande domínio do desenho, das cores e refletem sua estética classista contemporânea com olhar humanista e bucólica. Continue lendo e saiba mais sobre o artista, detalhes de suas composições, retratações e diferenciais.

Gravuras de Fulvio Pennacchi

Com relação espacial e volumétrica criava gravuras, desenhos e pinturas que iam desde paisagens chegando até o figurativo.

Retratava o cotidiano com olhar humano

Com olhar apurado para retratar o cotidiano capturava a essência humana ao retratá-las de forma simples, mas com grande talento.

Cristão e humanista, as gravuras de Fulvio Pennacchi retratam muitas cenas comuns do Brasil, assim como artes religiosas.

O que retratava

Cenas como entardecer, pessoas voltando da colheita, paisagens do cotidiano dos pescadores, praças, pessoas, festas caipiras, igrejas, aldeias, litoral, violeiros, animais, de tradições, da terra, casamentos, celebrações, paisagens rurais, famílias caipiras, iconografia religiosa, santos, de fé, do evangelho com temas bíblicos.

Vida popular e criação divina

A vida encantava o artista e são mote de suas representações artísticas mostrando a vida popular, que era aonde se sentia confortável. Com sua arte fazia alusão a criação divina com grande representação da espiritualidade através da vida comum.

Contemplação e encantamento

A realidade simples, mas em harmonia e sintonia mostrava contemplação e felicidade com grande encantamento. As gravuras de Fulvio Pennacchi são belas no simplório com grande sofisticação de técnicas, levam a uma paz de espírito, um sentimento de familiaridade e conforto.

Significados profundos e olhar poético

A vida espontânea é vista nas obras de Fulvio Pennacchi com muita fraternidade sendo profundas em significados. Seus olhos captaram a brasilidade com grande função social ao retratar a vida das pessoas.

Talento e composições equilibradas para narrativas completas

Suas retratações mostram as pessoas em contentamento e olhar poético levando a reflexões internas. Suas composições são equilibradas e contam uma narrativa mostrando costumes e vivências de sua época mostrando religiosidades, costumes e tradições.

Domínio do desenho

Dominava o desenho usava perspectiva, volume e profundidade. Adicionava muitos detalhes e enriqueciam as cenas. Capturando momentos únicos as imortalizou no tempo sempre com olhos otimistas, mas realistas.

Essência poética

Sem intenções de revoltar ou denunciar, captava uma essência poética da vida como ela é com firmeza de espírito e resiliência.

De forma icônica, simétrica e simbólica as gravuras de Fulvio Pennacchi adicionam a beleza da vida, além de darem grandes contribuições a coleções de artes, gallery walls e a decorações estéticas.

Fulvio Pennacchi foi um artista com formação clássica na Itália em artes, que trabalhou muito em vida no Brasil, tendo sido acolhido e abraçado o país, contribuindo para a cena artística brasileira com reconhecimento e premiações. Fazia gravuras, pinturas, afrescos, esculturas terrosas, cerâmicas, desenhos em papel, deixou um legado para deleite dos apreciadores de arte. Estudioso e com grande bagagem cultural era um artista erudita com grande sensibilidade.

Considerado o mestre das técnicas sobre o papel com uso de xilogravura, litografia, calcografia, gravura em metal, pochoir, monotipia, filigrafia e plastigrafia.

Xilogravuras de Odetto Guersoni

As xilogravuras de Odetto Guersoni transportam sua criatividade através de linhas para criar formas geométricas.

Dentre de todas as técnicas que sabia aplicar, usou mais a xilogravura como técnica de expressão artística.

Evolução de suas formas

Odetto Guersoni fazia muitos trabalhos com ideogramas como reflexo de seu subconsciente criando imagens gráficas únicas em criatividade e com grandes expressões. Já a partir de 68 até 78 começou a usar linhas para ter resultados abstratos e geométricos com bidimensionalidade e tridimensionalidade.

Formas originais

Sua criatividade combinada com sua técnica resultou em uma grande combinação de formas originais.

Criou mandalas, linhas justapostas, usou formas, recriou, juntou, redimensionou, gradou, desdobrou, multiplicou. Como na natureza tudo é criado a partir da geometria e da repetição de padrões, não é exagero dizer que Odetto criava natureza com suas xilogravuras.

Criam ilusões ópticas

Estas repetições se colocadas sob forma tridimensional ganharia dimensões, texturas e formatos. Outro aspecto interessante das xilogravuras de Odetto Guersoni são seu aspecto de transmutação da óptica. Elas se movimentam, criam ilusões e dão novas perspectivas que podem ser transformadas em reflexão ou ajudar a ver coisas por outros ângulos.

Portanto, estas obras possuem um efeito de ilusão com grande inovação de cores e formas recriando a natureza.

Gravuras concisas e incisivas

Suas obras são concisas e incisivas, ou seja, criam um impacto exato de forma precisa e clara, além de dar uma sensação de vividez causando sensações intensas nos expectadores.

Mestre da xilogravura

Dominava as técnicas e ensinava na escola Senai de Artes Gráficas, que ajudou a fundar sendo mestre aonde idealizou os cursos e encaminhou profissionalmente milhares de alunos em gravuras e produções de arte gráfica.

Como mestre se realizava aonde passava seus conhecimentos obtidos pela formação na França, Genebra e no Brasil, além de ter participado de coletivos de artistas e ter feito parte do conselho da Pinacoteca.

Grande diversidade de formas

Nas gravuras de Odetto Guersoni poderão ser vistas além das mandalas e das criações de formas e linhas, pinturas rupestres e formas vegetais.

Os módulos gráficos trabalham cores preto com sobreposições, assim como uso de outras cores. Com grande rigor técnico usava poucas matizes combinando módulos.

As gravuras de Odetto adicionam a coleções de obra de arte grande valor com grandes contribuições artísticas e técnicas. O artista plástico além da formação excelente foi premiado em bienais. Vale a pena conhecer e ter no acervo.

Para quem busca fazer uma gallery wall, a grande diversidade de imagens gráficas combinarão com diferentes estilos para combinar com a estética desejada. Nas paredes transformam ambientes criando uma atmosfera vibrante e cheia de vida.

Realizou diversas exposições individuais e fora do país disseminou a gravura contemporânea brasileira. É um nome consagrado e valorizado para coleções de arte com suas xilogravuras.

Neste artigo conheça mais sobre as gravuras de Luiz Hermano com sua construção e influências para se aprofundar em um dos artistas contemporâneos brasileiros de relevância. Suas obras dão pontos de vista cinéticos e fazem refletir. Confira.

Gravuras de Luiz Hermano

As gravuras de Luiz Hermano surgiram no começo de uma vocação natural quando o artista aprendeu a arte de gravura em metal de forma autodidata enquanto estudava filosofia para depois ter uma formação formal com Carlos Martins em 1946.

Se inspirando no universo de cultura popular e do cordel, Luiz Hermano usava técnicas artesanais para dar início a seus trabalhos explorando possibilidades artísticas que se expandiam.

Desafios e desdobramentos das formas geométricas

Com o decorrer de sua evolução artística passou a desafiar formas geométricas, além de adicionar movimento e fluidez.

Geometria orgânica

De forma orgânica ele organiza as formas geométricas com repetição e expansão. Desafiando limites para criar obras únicas.

Visão cinética das formas

O artista transporta para as suas gravuras aonde as pessoas poderão observar várias formas conforme o ponto de vista de forma cinética.

Da racionalização para a subjetividade

Ao usar estas formas geométricas em suas gravuras, Luiz Hermano mostra que antes da racionalização matemática estas formas já estavam presentes na natureza inspirando uma reflexão filosófica.

Segundo Luiz Hermano as formas geométricas indicam um raciocínio lógico sendo base. Deles se desdobram e se juntam para formar outras figuras. Em uma delas partiu da forma de trapézios para resultar em criações novas.

Algumas das gravuras também foram transportadas para estruturas de metal a exemplo da série de 2017 chamada Teoremas como a série Perfis de 2011 a 2013.

A série Perfis tinha inspiração em canteiros de obras e observação dos materiais utilizados.

Entre pensamento, sincronia, meditação

Segundo Luiz Hermano contou para a revista Bravo de 2021, suas criações partem de um estado meditativo aonde existe sincronia entre pensamento e a ação. Usa seu imaginário com influências futuristas inspirado por uma sensação de paz e plenitude.

Mundos imaginários e materialização

Imaginando mundos que não existem e um lado poeta seus trabalhos são vivos. De dentro de sua cabeça surgem desenhos e das mãos elas se transportam com linhas para serem transformadas em esculturas com fios de arame e depois são feitas gravuras.

Esta materialização da sua criatividade invade espaços. Elas vão se expandindo e se desdobrando entre várias outras criando formas e trabalhos derivados mostrando uma expansão.

Refletem a vida

Elas se autoalimentam e se transformam refletindo a vida e sua grandiosidade. O artista experimenta e não se limita criando formas e mais formas com inúmeras possibilidades de geometria articulada.

De um mesmo desenho ele vai tecendo e tecendo. Levando as técnicas de artesanato para um lado conceitual. Usando diferentes materiais ele ainda usa técnicas manuais imprimindo sua energia dando vida.

As gravuras de Luiz Hermano são únicas por conta de seu processo com obras criativas e artesanais que adicionam a coleções de arte um valor imensurável. Vale a pena conhecer e ter no acervo.

É um nome forte do concretismo, neo concretismo, esculturas figurativas, corte e dobra, abstração, rigor matemático, formas puras e da geometria maleável. Neste artigo conhecerá mais sobre as gravuras de Amilcar de Castro.

Ganhou grande reconhecimento com suas esculturas em ferro partindo de um plano de formas geométricas em que são cortadas e dobradas dando um senso de novas perspectivas. Não usava solda e suas peças tinham um aspecto inteiro.

O resultado são criações tridimensionais com diálogo com espaço e natureza com integração. A partir dos anos 90 passou a fazer litografias com características de rastros de pinceladas.

Gravuras de Amilcar de Castro

Todo sábado Amilcar de Castro se dedicava a litografias de uma forma não rigorosa. O fundamento começava pelo desenho em pedra para impressão.

Sua criatividade aflorava, mas com sua assinatura visual das formas geométricas, mas sem o rigor matemático. Fazendo o desenho sem plano apenas procurando organizar o espaço deixando cada gravura de Amicar de Castro única, com grande expressão e liberdade artística.

Intuitivo e aventureiro

Usando um tema livre, Amilcar de Castro era intuitivo e aventureiro criando os desenhos fazendo experimentações variadas para suas gravuras.

Os resultados eram formas subjetivas, experimentativas com trajetórias independentes e irrefreadas. Segundo contou ao final da década de 90, às vezes, começava um desenho com a mão esquerda se provocando e desenrolando depois de acordo com sua vontade.

Associações automáticas e incoscientes

A arte abstrata era quase como uma caligrafia com articulações por associações automáticas e inconscientes.

Subjetividade

Com capacidade de articulação livre e inesperada com significados para serem descobertos depois com subjetividade ao seu máximo, mas sem ser surrealista ou expressionista, coisa que Amilcar rejeitava.

Cores pretas, uso negativo e cores preenchendo espaços

Seu uso é construtivista livre sobre plano e corte. Usando sempre cores pretas com pinceladas grossas usando o papel como tema com estética opaca e desenho negativo com uso de cores estratégicas ocupando espaços com formas geométricas, mas sem representatividade.

Recortes tensionados

Usando cores primárias nas suas litografias em meio ao preto como amarelo, vermelho, azul como prata, dourado e verde com efeito de recorte.

Além de preencher os vazios estabelecem tensões. No entanto, as formas básicas são feitas em preto sendo a cor inicial e estrutural.

A tensão com superposições de planos criam uma ressonância luminosa com proximidade ilusória sem interação de campos de cor, mas destacando o negativo e positivo usada como recurso.

O que é litografia

A litografia é um processo de impressão usando repulsão de óleo e água após fazer marcações de desenho em pedra.

Amilcar de Castro é um dos grandes nomes das artes plásticas nacionais para compor coleções de arte reconhecido como um dos maiores do Brasil, mestre do corte e da dobra com suas esculturas e com grande acervo de gravuras e pinturas com grande valor de mercado.

Tomie Ohtake, conhecida informalmente como a dama das artes plásticas era uma artista multi-talentosa e além das conhecidas esculturas e pinturas, suas gravuras iniciadas na década de 70 são uma primazia de sua arte abstracional geométrica emotiva. Continue lendo e entenda sobre suas composições e mais detalhes de suas obras em litogravura.

Gravuras de Tomie Ohtake

Pouco comentadas em relação a suas esculturas, ou mesmo que criaram uma assinatura relacionada a seu nome e carreira, as gravuras de Tomie Ohtake faziam parte de sua expressão artística e valem a pena ter no acervo e conhecer.

Usando colagens como matriz, a artista definia um campo cromático dando ênfase em formas geométricas. Um dos focos eram as texturas aplicadas pelo seu método manual de rasgar e colar, além de usar manchas e marcas decorrentes.

Além de usar essa imprevisibilidade manual, também aplicava recortes de papeis com tesoura que acabavam replicadas nas gravuras tornando as formas mais regulares.

Essa rigidez aos poucos foi sendo transformada para construção de formas geométricas imprecisas com mais fluidez e arredondadas com formas não representativas.

Sem título

Uma das características das gravuras de Tomie Ohtake como suas outras obras de pintura e esculturas era não nomeá-las. Isso era feito de propósito para não limitar ou definir a interpretação das pessoas quando as vissem.

Para serem sentidas

Cada pessoa enxergará e interpretará algo de suas gravuras de forma proposital dando espaço para a imaginação e liberdade. Segundo Ohtake as obras não deveriam ser analisadas, mas sentidas.

Além do uso de elementos geométricos à sua maneira, pois não seguia a construção de formas retas como é de senso comum, usou muita abstração e gestualidades manuais.

Depois as transformou em formas orgânicas e passaram a ficar mais arredondadas, indo de círculos a elipses com muita iluminação. O uso de cores monocromáticas sob as formas tinham textura e suas padronagens inspiram diferentes sensações.

Na gravura começou usando a técnica da serigrafia e passou a litogravura usando cores vibrantes e combinações inusitadas com sobreposições de formas.

Formas livres

Suas formas livres expressavam sensações diferentes usando cores primárias mostrando um abstracionismo informal, pontuando um movimento artístico único de Tomie Ohtake.

As gravuras de Tomie Ohtake fazem parte importante do modernismo brasileiro com assinatura única valorizando coleções de arte. Seu nome é reconhecido nacional e internacionalmente tendo figurado em diversas bienais e exposições, ajudou a firmar a cena artística brasileira.

Naturalizada brasileira na década de 60, promovia a conexão que independia da origem conseguindo criar um vínculo entre oriente e ocidente.

Com olhar poético sintetizante, gestualidades e construção de obras sob base de trabalho duro, estudos, paciência e resiliência, teve uma trajetória brilhante durante sua carreira de 60 anos iniciada apenas aos 40 anos de idade por ter priorizado a família reacendendo sua paixão pelo desenho e pintura.

Usando emoções transformou para sempre o uso de formas geométricas saindo do construtivismo racional e fugindo do pictorismo usando intuição, além de rigor técnico fazendo um mix interessante e não replicável. Nome forte para quem aprecia arquitetura, design, decoração e artes plásticas.

Athos Bulcão é um nome proeminente em Brasília por conta de seus trabalhos em azulejo, paineis e murais presentes em locais importantes. Neste artigo aprenderá sobre as gravuras de Athos Bulcão e refletem toda a padronagem e trabalho com cores e formas masterizada por Bulcão e aplicadas em projetos arquitetônicos e pode fazer parte de coleções de arte e gallery walls.

Gravuras de Athos Bulcão

As gravuras de Athos Bulcão de arte contemporânea brasileira são uma primazia para quem aprecia trabalhos de arquitetura com expressão e sensibilidade.

Com grande sensibilidade cromática sabia muito bem usar cores, assim como tirar proveito de superfícies diferentes.

Linhas, modulação e campos cromáticos

Usando contornos, relevos e formas geométricas para compor uma abstração de formas para serem encaixadas de forma modular brincando com linhas e campos cromáticos.

Uma das mais famosas foi aplicada na parede da Igreja Nossa Senhora de Fátima e podem ser conferidas em gravuras de Athos Bulcão é o da estrela preta e da pomba branca.

Integração

As formas de pomba e estrela foram colocadas em um fundo de mesma tonalidade azul. Mostra uma alternância rítmica entre as duas cores principais. Estas padronagens quando aplicadas na parede se integram na estrutura sem atrapalhar a composição, seja qual for. Esta era a mágica de Athos Bulcão a integração de suas formas.

A construção abstrata das combinações de formas alternam cores fazendo um contraponto entre figura e fundo. Muitas vezes é usado uma mesma forma sendo repetidas em diferentes fundos.

Desenhos alternados em fundos para criação de figuras

Outra gravura vinda de um projeto arquitetônico é o que está no Brasília Palace Hotel. Um mesmo desenho em forma de arcos abstratos colocados nas bordas se alternam em fundos de cores branco e azul.

Quando colocadas juntas de forma modular criam figuras de plano ativado e formação de figura elíptica.

Estimulam os olhos

Elas estimulam as pessoas com suas permutações que podem ser encaixadas em paredes criando efeitos aos olhos.

Caleidoscópicos a explosões

Na Fundação Getúlio Vargas no Rio de Janeiro está uma composição com dois desenhos metade branco e metade preto. Outro com um terço branco e dois terços em preto com quadrado branco são combinados sem ordem fazendo uma ativação do plano tornando a parede um caleidoscópio que se move conforme se anda e observa.

Este efeito foi bastante explorado na arquitetura e podem ser vistos nas gravuras de Athos Bulcão. Outro projeto famoso é o da Escola Classe de Brasília aonde três tipos de formas aplicadas em azulejos: branco, preto e branco com um terço preto davam um caráter explosivo na parede.

Gravuras únicas e originais

Como as formas eram combinadas sem ordem elas deixavam além da espacialidade marcada, tempos diferentes e caracterizavam as obras como únicas sem fórmula pronta com originalidade e criatividade que não pode ser repetida.

As gravuras de Athos Bulcão adicionam em paredes estes elementos valorizando coleções ou compondo um visual estético com técnicas arquitetônicas consagradas pelo artista e valem a pena conhecer e incluir no acervo.

Odetto Guersoni foi um habilidoso artista com multi-talentos e dedicou sua vida a estudar técnicas de gravuras com excelência em intercâmbios culturais que fizeram sua bagagem. Suas gravuras contemporâneas são únicas e valorizam coleções de artes.

Para conhecer mais sobre Odetto Guersoni confira neste artigo informações e curiosidades sobre suas obras.

Técnicas de gravura de Odetto Guersoni

Estudou na França, Estados, Alemanha, Áustria e no Japão técnicas de gravura e já foi eleito melhor gravador pela Associação Paulista de Críticos de Arte.

Trabalhava com metal, serigrafia, plastigrafia, litografia, xilogravura e filigrafia.

Usava abstrações e formas geométricas

Formas geométricas construídas como abstrações para expressões artísticas e ilusórias faziam as obras de Odetto únicas e especiais, pois mostrava total domínio do construtivismo.

Inventou plastigrafia

Usando gesso, alvaiade, secante, óleo e terebintina fazia moldes para impressões em uma técnica  inventada por ele nos anos 60 mostrando domínio completo de sua arte com criatividade.

Nela a matriz possui uma textura pastosa contrária a rigidez da madeira com resultados lisos muito semelhantes a estamparia japonesa. Aliás, Odetto estudou em Osaka mostrando influências.

Usava símbolos e combinações

Para criar partia de um único elemento ou de múltiplos com grande variedade de caminhos para seguir.

Tanto que a partir de apenas um módulo conseguia tirar até 20 gravuras mostrando domínio das formas e suas combinações. Isso confere a gravuras de Odetto Guersoni um caráter especial e muito amplo de resultados com reflexo do subconsciente, tanto que algumas gravuras nomeava fazendo referência.

Do subconsciente para o consciente, suas imagens perdem o caráter figurativo para alcançar outro patamar.

Processo de combinações fascinantes

No processo de justaposições e sobreposições usando formas geométricas, Odetto ficava fascinado com as possibilidades infinitas de suas obras e era refletido no resultado final.

Seu rigor técnico se apresentava de forma dinâmica usando não apenas justaposições, mas gradações, desdobramentos e multiplicação. Suas estruturas são sempre organizadas acabava criando escalas de valores e cores.

Brincadeira entre emocional x racional

Trabalhando de forma totalmente racional, mas trazendo a tona subconsciente, Odetto fazia uma brincadeira entre seu emocional e o lado lógico.

Cada gravura de Odetto Guersoni é única e especial para compor coleções de arte de um artista nacional com bagagem acadêmica, mas também com grande expertise experimental pelas suas tentativas e ousadias em sua carreira de mais de 60 anos.

Trabalhou com diversos temas e ainda masterizava a arte do desenho, pintura, ilustração e escultura. Vale a pena conhecer mais sobre sua biografia e seu extenso trabalho, pois foi bem ativo no Brasil e internacionalmente.

Sejam suas gravuras ou pinturas, Odetto fará sua coleção ou Gallery Wall com obras refinadas contemporâneas de um dos mestres da arte brasileira com abstrações que evocam emoções, pensamentos e reflexões, além de ter primor técnico e de imagem. 

Pouca gente sabe, mas Roberto Burle Marx era multi-talentoso com habilidades artísticas diversas sendo artista plástico. Além de toda a beleza com a arquitetura e paisagismo, deixou obras, pinturas e gravuras. Saiba mais.

Burle Marx e suas pinturas

Estudou com Cândido Portinari em 1935 e Di Cavalcanti, frequentou a escola de Belas Artes e era um ótimo desenhista. Em suas obras usava de expressionismo para retratar a natureza tropical com uso de técnicas e uso de cores.

Versátil

Experimentou diversas técnicas indo desde litografia até pinturas. Durante a década de 30 se dedicou pintando natureza morta usando cubismo retratando cenas do cotidiano e pessoas do povo.

Usava geometria na construção de linhas retratando cidades. Também se dedicou aos desenhos em nanquim usando diversas tonalidades. Ainda trabalhou com desenhos em carvão, grafite, lápis, guache.

Nos seus trabalhos artísticos nota-se sua expertise botânica e jardinista usando a flora como motivo de suas expressões emocionais.

Segundo suas próprias explicações, a sua vida como artista plástico usou o jardim em desenhos e pinturas como sedimentação de circunstâncias.

Aplicando a natureza os fundamentos da composição usando sentimento estético da época e materiais menos convencionais.

Se inspirou na natureza, mas construía

Usava a topografia natural como superfície como composição e os elementos naturais como materiais. Mas, não se limitava a fazer sua arte apenas nascer da natureza, dominando a construção.

Meio de expressão aonde natureza é um pretexto

Suas pinturas, desenhos e gravuras são um meio de expressão dando continuidade ao amor pela natureza visto em seu trabalho com arquitetura e paisagismo, mas também pelas pessoas.

Transpor a realidade

Além disso, sua paixão por retratar as figuras do povo dão um toque pessoal com senso de representação dos problemas comuns de sua época transpondo a realidade.

Ele ordenava as cores e construía formas e ritmos usando-os como princípios de forma sensível e sofisticada. Um homem com princípios e detestava fórmulas.

Temas atuais

Os temas de Roberto Burle Marx nunca estiveram tão atuais com o mundo se preocupando com ecologia e natureza para alcançar sustentabilidade global. O artista valorizava a flora brasileira e as diversidades nativas mostrando a relação do homem com a natureza com humanidade.

Tenha em sua coleção de arte

Portanto, quem admira os trabalhos de Burle Marx na arquitetura e paisagismo deve conhecer também seu lado como artista plástico, podendo ter em sua coleção de arte valor adicionado de um nome importante do modernismo brasileiro e da pluralidade artística nacional.

Suas obras transportam para dentro de ambientes toda a beleza da natureza representada pelo artista Burle Marx de forma pictográfica, mas não só, já que ele tinha habilidades para retratar pessoas e cidades.

Alfredo Volpi é um artista que ficou famoso por sua arte com bandeirinhas e Madonas. Confira neste artigo sobre estes dois elementos e sua adição de valor e prestígio para colecionadores de arte.

Alfredo Volpi e suas bandeirinhas

As bandeirinhas são símbolos reconhecidos intrinsecamente dentro da cultura popular brasileira por conta das festas religiosas comuns do país do dia de São João ocorridas na temporada do inverno.

O formato enfeita as cidades do interior como os grandes centros urbanos em locais de festa. Alfredo Volpi ficava encantado com o colorido e o formato delas penduradas de forma decorativa quando ia passar uma temporada em Mogi das Cruzes.

Como fazia estudos de desenhos com formatos geométricos, elas se encaixaram muito bem em suas retratações artísticas e começaram a aparecer de forma tímida no começo nos quadros de fachadas.

Depois, passou a fazer parte dos temas centrais ganhando destaque e fazendo sua assinatura estética. Hoje em dia, quando se vê uma obra com bandeirinhas se pensa imediatamente em Alfredo Volpi.

Esta associação de bandeirinhas com festas populares é um signo que precisa do conhecimento da cultura popular brasileira de festa junina para ser decodificado.

No Brasil elas são ligadas a religiosidade, festa, comidas de barraquinhas deliciosas, celebração, fogueiras, descontração, alegria, união, comunidade e fé.

Fora do país é um elemento não popular, mas ainda assim causa fascínio pela construção de formas e cores que contagiam independente do seus conhecimentos contagiando os olhos com o colorido e sua disposição harmônica.

Alfredo Volpi e as Madonas

Alfredo Volpi tinha expertise em retratar a cultura popular brasileira e seu fascínio por temas religiosos. Por isso, as suas Madonas também ficaram muito famosas.

No interior a figura da Virgem Maria é muito apreciada e segundo o artista já contou em entrevistas, os temas religiosos vendiam bem.

Além do estímulo econômico, elas representavam um poder muito grande como uma manifestação de fé e mote para representar a força de uma figura religiosa considerada como a maior depois de Cristo com representação da Igreja Católica.

Além disso, elas ajudam a contar hábitos religiosos e culturais em um zeitgeist eternizado pelas mãos habilidosas de Alfredo Volpi, que dominava as técnicas de desenho, de pinceladas uniformes em um mesmo sentido e com desenvolvimento de tinta de origem ítalo de qualidade e com duração superior.

As tintas de Volpi feitas com clara de ovo (têmperas) mantém sua cor ao longo dos anos, não mofam e não perdem sua qualidade com o clima.

Isso resultou em obras de cores sólidas, vívidas que dão uma outra atmosfera aos seus quadros de temática religiosa como as Madonas e representação das festas de cultura popular a exemplo de suas bandeirinhas.

Estes dois tipos são símbolos muito fortes da arte de Alfredo Volpi e continuam sendo muito valorizadas em coleções de arte, tendo sido eternizadas. Saber seus significados adiciona valor aos seus quadros.

Apesar de ser estrangeiro no Brasil, Volpi considerava sua arte brasileira, assim como ele mesmo. Prestigie os artistas nacionais e tenha em sua coleção um recorte importante da história artística com as bandeirinhas e Madonas, reconhecidas e valorizadas no cenário artístico. 

Anna Maria Maiolino terá um grande reconhecimento em sua carreira com a homenagem na Bienal de Veneza ao receber um Leão de Ouro pela carreira, além de apresentar uma exposição de esculturas e instalações em argila.

Leão de Ouro para Anna Maria Maiolino

Anna Maria Maiolino receberá um dos prêmios mais importantes da Bienal de Veneza ao ganhar o Leão de Ouro pelo conjunto de sua obra e será entregue em abril. Além de receber o prêmio, fará uma exposição de obras inéditas.

Está previsto um trabalho em grande escala em argila e continuará sua série de esculturas e instalações. Será sua primeira participação no evento representando seu grande reconhecimento internacional.

É uma honra receber Leão de Ouro por conjunto da vida na Bienal de Veneza, prêmio concedido diretamente pelo diretor artístico.

Bienal de Veneza 2024

A Bienal de Veneza é realizada desde 1895 na Itália. É considerada a bienal de arte mais importante, antiga e prestigiosa do mundo. As edições ocorrem de dois em dois anos entre abril e novembro.

Estrangeiros em Todos os Lugares

A edição que homenageará Anna Maria Maiolino é a de 2024 chamada de Stranieri Ovunque (Estrangeiros em Todos os Lugares) com curadoria de Adriano Pedrosa, atual diretor do Masp, brasileiro e o primeiro diretor artístico sul-americano na história da Bienal.

A abertura oficial acontecerá dia 20 de abril e a edição mostrará arte contemporânea com reinterpretação de diferentes culturas.

É a celebração a arte e o combate a xenofobia, pois a edição foca em artistas migrantes. Maiolino nasceu na Itália, migrou e foi radicada no Brasil após uma passagem pela Venezuela. Morou no Rio de Janeiro, em Nova Iorque e atualmente vive na capital de São Paulo.

Em uma de suas exposições, podia-se ler na parede: Italiana de nascimento, educada na Venezuela, brasileira na vivência, carioca, portenha, nova-iorquina e agora paulistana.

A arte de Anna Maria Maiolino

Em sua carreira Anna Maria Maiolino desenhou, pintou, fez poesia, usou fotografia, fez filmes, xilogravura, faz performances, instalações, mas é nas esculturas em argila iniciada na década de 90, que ela continua trabalhando até os dias atuais.

Alguns trabalhos de Anna Maria Maiolino marcantes são o filme Super -8 gravado em uma 8 mm lançado na época de ditadura militar no Brasil. Neste trabalho evocou diferentes emoções e fazia uma crítica a censura, segunda explica em entrevista ao MIS em 2023.

Segundo explica em entrevista ao Sesc TV de 2014, o seu processo de criação e vontades nas esculturas em argila se misturam quando existe intimidade com o material.

Vida é movimento

Segundo a artista, a vida é movimento e quando se sente engessada muda de foco nas suas criações, que embasam sua experiência acumulada ao longo de sua carreira e faz experimentações contínuas.

Autodidata explica que a arte foi uma forma de curar suas feridas e se expressar. Usando metáforas e subjetividade consegue abordar questões delicadas sempre mostrando suas verdades. Com a argila seu foco é a expressão gestual com foco no relacionamento com materiais elementares.

Suas obras são brasileiras

Anna Maria Maiolino define sua arte como brasileira, já que teve influências e desenvolveu seu trabalho no Brasil.

Emanoel Araújo é um artista brasileiro de grande renome nacional e internacional. Neste artigo conhecerá mais sobre aspectos de suas xilogravuras e esculturas, segundo suas próprias explicações. Continue lendo e confira sobre algumas técnicas, criações e composições.

Xilogravuras de Emanoel Araújo

Emanoel Araújo pensava antes de forma preliminar nos seus trabalhos se ajustando ao material. Começou fazendo gravuras em preto e branco e depois foi evoluindo usando cores, incluindo imagens da cultura europeia.

Teve uma fase de suas gravuras onde fez temas eróticos. A próxima fase usou abstrações geométricas com influência africana e afrobrasileira inspirada na arquitetura baiana.

A partir de uma reflexão em que uma gravura começa de forma tridimensional e quando é aplicada em papel se transforma em 2D, passou a fazer experimentações de aplicar o 3D nas chamadas de gravuras de armar da década de 70.

Esculturas de Emanoel Araújo

Das xilogravuras transitou para as esculturas, pois já fazia paineis em concreto e paineis arquitetônicos em Salvador na Bahia.

Os paineis de concreto foram os primeiros. De tamanhos grandiosos com 14 metros decorando fachadas.

Um dos seus paineis mais famosos é o da creche do Itamaraty juntando concreto, xaxim e água. Ela era um painel vivo, pois umidificada deixava propício para nascer vegetações e plantas fazendo uma obra viva e mutante.

No parque Ibirapuera Emanoel Araújo contribuiu com esculturas diversas durante sua carreira. Uma delas possui inspiração em uma aranha na parte externa. Usando metalúrgica e algumas vezes fazendo matrizes em maquete.

Esculturas viscerais

No entanto, o artista explica em vídeo de 2019 para a revista Bravo, que suas esculturas são viscerais e gestuais. Então, ultrapassando o senso matemático das linhas geométricas perfeitas.

Aplicava ponto e contra ponto usando cores vermelho e preto harmonizando com a arquitetura. Depois, passou a se dedicar a fazer apenas esculturas na cor branca.

O motivo era um interesse na luz que os planos produziam. Usando os planos baixos e altos direcionou a luz apenas em uma direção ou invertendo para desencontrar em um fluxo definido pelo artista.

Brincava com as formas

Se dedicou a série de movimentos curvos e retos brincando com as formas. Além disso, utilizava vazados fazendo jogo entre verticalidades com influência barroca.

Também usou madeira natural em paineis e biombos em ipê roxo e pinho de riga. Experimentou com linhas e formas fechadas.

Entre suas técnicas utilizadas está o sutamento quando juntava linhas em lâmina com ângulos. Suas esculturas são todas tridimensionais adicionando espaço, formas e movimento com suas obras.

Esculturas com influência religiosa

Em uma de suas séries juntou as esculturas geométricas com procedimentos religiosos da Bahia iorubá dos santos e orixás africanos com junção de planos, recortes, vazados, luzes e formas.

Emanoel Araújo foi um artista generoso, criativo, competente e dominava técnicas. É um nome fundamental da arte brasileira tendo contribuído muito em vida. Seus trabalhos adicionam valor para coleções de arte e suas xilogravuras e esculturas tendem a ser valorizadas com o seu crescente reconhecimento internacional.

Hércules Barsotti (1914-2010) é um dos nomes de destaque do neoconcretismo com suas obras sendo valorizadas dentro do Brasil e internacionalmente.

Usava geometria rigorosa usando matemática com linhas perfeitas calculadas, mas com abstração e liberdade criativa, sem seguir uma racionalidade em um movimento batizado de neoconcretismo.

Abstração, criatividade e interação marcaram o movimento surgido nos anos 50. Hércules Barsotti se relacionava com os artistas do grupo do manifesto como Lygia Clark, Ferreira Gullar e Hélio Oiticica. Também conviveu com Alfredo Volpi que visitava seu atelier com Willys de Castro.

Neste artigo entenderá 12 pontos cruciais para entender mais sobre seu trabalho. Confira.

1. Uso de nanquim

No começo usava nanquim e não explorava uso de cores. No entanto, isso mudou ao longo de sua carreira onde passou a fazer experimentações com tons diversos.

2. Imagens tensas e quebradiças

Suas telas possuem imagens tensas e não seguem uma lógica.

3. Formas impessoais

As formas usadas são descritas como impessoais por críticos, assim como é inusitado no uso de formatos de telas.

4. Curvatura e volume

Usando curvas, seus desenhos ganham volume sendo um destaque na composição quando usada de decoração em qualquer ambiente.

5. Densidade

Ao mesmo tempo em que usa linhas rígidas, curvatura, volume e um espaço criativo, seus trabalhos são densos mostrando profundidade, tanto no visual, quanto na expressão poética.

6. Uso de cores e formatos incomuns

Este é uma das características mais atrativas, a não obviedade e a criatividade fluída. Usou elipses, losangos, hexágonos, pentágonos.

7. Desequilíbrio dos campos de cor

Se no começo não usava cores, em determinada fase de sua carreira proporcionava um desequilíbrio dos campos de cor.

8. As formas flutuam

Muitos de seus trabalhos parecem flutuar da parede, bagunçando o ponto de vista do expectador levando interatividade, dependendo do lugar de observação.

9. Uso da tridimensionalidade

Suas formas geométricas dão uma ilusão de tridimensionalidade a suas obras, transformando em portais criativos.

10. Relação ambígua entre a forma e o fundo

A forma e o fundo fazem uma relação ambígua, pois elas parecem não conversar, ainda sim sem causar desconforto, pois existe harmonia estética.

11. Inclusão de poetismo em suas obras

Carregadas de emoções, as linhas, cores e densidade dos trabalhos de Hércules Barsotti fazem um ar poético. As pessoas se sentem de diferentes formas com uso da abstração das formas com suas linhas claras da geometria calculada, mas não racional.

Hélio Barsotti para sua coleção de arte

Hélio Barsotti é um artista para se ter em sua coleção de arte e um nome valorizado no movimento neoconcretista tendo exposto no Brasil e fora. Em vida produziu bastante, mas parou os trabalhos por volta de 2004, conforme conta em entrevista na época para o lançamento do livro de Willys, que foi seu parceiro de atelier.

Hélio Barsotti para decoração

Para quem busca uma decoração artística da casa ou escritório, seus trabalhos transformam o ambiente e hipnotizam, se integrando com os espaços e os valorizando de forma única e especial.

Aldemir Martins abordou extensas temáticas com foco na brasilidade com especial atenção ao Nordeste em suas gravuras. Ele também abordou temas da natureza, pessoas, entre outros que representam paixões nacionais e importantes por aqui. Continue lendo e saiba mais.

Temáticas das gravuras de Aldemir Martins

Aldemir era um talentoso gravador usando diferentes técnicas como serigrafia. Nela uma matriz para reprodução de imagens são gravadas a partir de um desenho. Confira algumas temáticas famosas abaixo.

Sol do Nordeste

A representatividade do Nordeste de Aldemir Martins através da figura do sol é recorrente nas suas gravuras.

O artista depois de muitos anos de experiência conseguia fazer o sol em seu formato redondo sem recorrer a marcações e utensílios, segundo o seu filho e atual curador de suas obras, Pedro Martins, conta no documentário Os Cearences.

Cangaceiros

Segundo Aldemir Martins contou em uma de suas entrevistas, ele passou a usar a figura de cangaceiros quando foi viver na capital de São Paulo.

Esta figura forte era representativa dos homens do Ceará, local de onde veio e nasceu. Mas, não só, pois representava todo o povo do Nordeste. Uma figura forte e o inspirava em sua luta para ser reconhecido e conseguir trabalhar como artista.

Por ser um homem nordestino em sua essência, ele sentia sua representatividade validada para usar esta figura em suas gravuras. Se replicando e replicando o Nordeste.

Os cangaceiros povoam o imaginário popular brasileiro sobre a região, sendo de fácil reconhecimento. Bravura, força e coragem estão entre as principais características.

Galos

Como observador e replicador do que via, os galos foram muito recorrentes nas gravuras de Aldemir Martins com muitas opções e carregam sua assinatura estética. Um galo do artista é facilmente reconhecido e valorizado.

Aldemir Martins contou em uma conversa abaixo disponível no Youtube (link abaixo) de forma bem-humorada que galos são mais fáceis desenhar em comparação com galinhas.

Brincadeiras à parte, o animal representa uma figura forte do Brasil, principalmente no interior e sertões onde é comum ter criações domésticas.

https://www.youtube.com/watch?v=IGinX7JWBJw&ab_channel=ArthurBandeira

Futebol

A paixão nacional do povo brasileiro é o futebol. Por isso, o artista escolhia esse tema em suas gravuras mostrando diferentes representações. Popular e um tema que sempre será core da brasilidade. Fez gravuras de times e jogos deixando a camisa amarela da seleção oficial em evidência.

Pessoas

As pessoas são a alma de uma nação e o artista sabia representar diferentes figuras, principalmente as femininas de uma forma única e expressiva.

Flores

A replicação da flora é usada com uso de imagens de flores, buquês, vasos e em paisagens. Sempre escolhia as belas flores do Nordeste.

Frutas tropicais

As frutas tropicais são temas frequentes com destaque para o fruto caju, nativo do Brasil e muito apreciada no Ceará.

Peixes

A fauna brasileira não poderia ser deixada de fora nas temáticas de gravura de Aldemir Martins. Os peixes possuem importância na alimentação de comunidades pequenas com muitas espécies endêmicas.

Apenas no Ceará são 102 espécies, segundo informações do site governamental da Secretaria do Meio Ambiente.

Aldemir Martins usou muitas temáticas brasileiras com atenção ao Ceará e ao Nordeste em si, tendo feito gravuras de marinha, caranguejo, formigas.

As obras do artista Alfredo Volpi tiveram passagem pela natureza, uso figurativo e de formas, mas não só. Explorou com sua visão interpretativa e criatividade a cultura popular brasileira colocando sua impressão sobre o imaginário.

Usou muitos planos. Criou temas, trabalhou com elaboração de formas e composição de cores, buscou harmonia e fez muitos contrastes. Confira os principais elementos de sua arte renomada e reconhecida nacional e internacionalmente.

• Uso de figura e fundo
• Simetria
• Arte figurativa
• Arte abstrata
• Uso de têmpera (toque artesanal que faz a diferença nas cores e conservação)
• Movimento com planos
• Tensão entre forma e cor
• Experiência poética entre linhas, cor, forma e espaço
• Sem previsibilidade
• Fornecem uma nova experiência
• Caráter pessoal
• Relação entre vida e arte
• Formas mostram a experiência da pintura
• Olhar de coisas banais transformados
• Imagens refletem uma cultura popular rica sem cair em clichês
• Interpretação própria dos costumes

Uso de cores de Alfredo Volpi

Cores que se projetam em outras para aparecer. Por exemplo, azul refletido em verde esmeralda (sem cores puras). Cor sempre é relação em suas obras com influências de Matisse.

Relação de formas contextualizadas

Formas ganham significados no contexto próprio. Uma pessoa que nasce fora do Brasil e vê os formatos das bandeirinhas pode não associar com as festas populares juninas, por exemplo.

Portanto, cores e formas são mutáveis de acordo com o conhecimento do expectador. Ver retângulos e remeter a fachadas é algo de Volpi que ficou marcado também. A partir da década de 50 passou a sintetizar suas formas. Veja mais características em relação a formas e cores de Volpi:

• Campos cromáticos delimitados e depois mais limitados
• Campos cromáticos justapostos
• Contornos irregulares
• Fez muitas experimentações
• Uso da cor intensa (saturação cromática)
• Textura áspera da têmpera

Principais temáticas de Alfredo Volpi

Festas populares
Temas religiosos
Casario Vernacular e colonial
Retratos
Lúdicos
Fachadas
Bandeirinhas
Mastros e faixas
 

Santas e Santos

Na década de 30 passou a se dedicar a temáticas religiosas para monetizar seus trabalhos com muitas imagens católicas.

Os santos mais retratados são a Virgem Maria, o menino Jesus, assim como São Francisco, São Benedito, São Sebastião.

Marinhas – Náuticos

Em uma época de sua vida frequentou muito o litoral onde passou a pintar os temas de marinhas e náuticos.

Cenas urbanas e rurais

Parte da década de 30 pintou muito a região de Mogi das Cruzes onde depois comprou uma chácara.

Natureza e paisagens

No início de sua carreira pintava paisagens, de acordo com o seu entorno e com o que via.

Cultura popular brasileira

Foi na década de 40 que o artista passou a ter foco neste tema.

Grandes influências

Matisse e Giorgio Morandi, Margaritoni D’Arezzo, Gioto e Piero della Francesca.

Alfredo Volpi é um artista renomado no Brasil e fora, trabalhou de forma extensiva durante sua vida e um dos grandes nomes para ter em sua coleção de arte que apenas se valoriza com o passar do tempo.

Aldemir Martins usava cores intensas, densas e alegres em suas gravuras dando uma característica marcante com luminosidade e vida. Continue lendo e saiba mais sobre este aspecto de suas obras que são marcantes e vale a pena conhecer.

Cores de Aldemir Martins

Aldemir Martins usava com técnica e ousadia as cores primárias e secundárias em suas gravuras. Vermelho, azul e amarelo são as chamadas cores puras. Delas se originam outras como as secundárias verde, laranja e roxo também em vários tons em suas representações idílicas vindas da imaginação, como de paisagens.

Muito mais que uso de técnicas, o artista eternizou o uso de cores para ir além em suas composições artísticas.

Contagiava com sua alegria

Usada como ferramenta da linguagem emocional, o artista conseguia se expressar e contagiar a todos de uma forma que ultrapassa barreiras racionais. Muitas de suas gravuras com azul passam uma sensação de paz, enquanto as cores quentes como vermelho e laranja davam um toque caloroso e acolhedor, a exemplo de seus muitos gatos coloridos. Mas, ele não se limitava a usar a teoria das cores.

Um de seus gatos de 68 é de diferentes tons de azul de olhos verdes com fundo vermelho e laranja, por exemplo.

É possível encontrá-los em diferentes cores, desde vermelho, amarelo, branco, azul, preto, vermelho, entre outros. O que mais impressiona é a sua intensidade, característica marcante de suas gravuras densas e harmoniosas.

Densidade transporta e quase dá vida a seus personagens, paisagens e animais. Enchendo os olhos, usava com técnica primorosa usando matizes com tons e intensidades diferentes. Desta forma, despertava emoções diversas e dava contrastes variados. Aldemir Martins já declarou que o uso de suas cores celebrava a vida em 2002.

Não tinha medo de misturar cores

Além disso, não tinha medo de ousar e misturar vermelho com verde ou azul com amarelo, por exemplo para mostrar alegria e riqueza de alma, segundo seu canal oficial no YouTube. Um de seus cangaceiros tinha os dedos dos pés e mãos coloridos, por exemplo.

Uso livre das cores

O uso das cores de Aldemir Martins é algo que chama a atenção, já que ele não seguia uma regra ou lógica para retratar a fauna, flora, objetos e pessoas.

Em suas gravuras as representações ganhavam a sua interpretação quanto formas e cores dando asas a sua criatividade colocando gravuras únicas com a cara do Brasil, mostrando muito mais do que a alegria, mas paixão e calor tão comuns da atmosfera do país dando vida, mas também profundidade, movimento, densidade e texturas variadas.

Inusitadas as suas composições seguiam técnicas e uso de sua experiência acumulada durante os anos, mas com assinaturas próprias colocando suas impressões que ficaram eternizadas e que são valorizadas nacionalmente e internacionalmente até os dias atuais.

Infundindo vida com as cores, Aldemir Martins também dava tons de lirismo e poetismo com profundidade e brasilidade. Grande desenhista e pintor, suas gravuras são um espetáculo que vale a pena ter em sua coleção de arte.

Claudio Tozzi é um artista brasileiro que teve fases muito interessantes. Uma delas foi a arte pop nos anos 60 com obras valorizadas, pois foi um período que teve começo, meio e fim (salvo a releitura de 2018), fazendo um recorte histórico do que ocorria naquela época estilo Zeitgeist.

O pop-art é um movimento que começou nos anos 60 com Andy Warholl nos Estados Unidos e teve influência no Brasil em vários artistas que adotaram linguagens próprias criando uma arte pop nacional e muito interessante. Continue lendo e entenda.

Como é a arte pop de Claudio Tozzi

Claudio Tozzi usou uma estética em artes gráficas no estilo HQ usando serigrafia. A linguagem é a adotada pelos meios de comunicação de massa e também usou imagens de propagandas usadas nas cidades. Inclusive, os quadros receberam as mesmas tintas usadas naquela época pelas empresas.

Ao descontextualizar estas imagens subvertendo seus significados iniciais, ele chamava a atenção para as questões sociais relevantes de sua época com preocupação com o coletivo levando a reflexão e ao debate. Desta forma, despertando nas pessoas uma conscientização crítica.

Diferenças entre nossa arte pop e pop-art dos EUA

Se por um lado, nos Estados Unidos, as imagens do pop-art eram glamorizadas usando celebridades e produtos como uma espécie de prateleira, aqui a arte pop ganhou nova figuração através das habilidades e talento de Claudio Tozzi.

Com conotação específica tomando a pintura como um ato de resistência com engajamentos ideológicos propondo novas mensagens subvertendo e propondo novas sintaxes. Desta forma, criando novos objetos.

Se você se interessa por arte pop, um dos grandes destaques são sua série Os Astronautas.

Os astronautas

Por volta de 2018, Claudio Tozzi produziu obras mais atuais fazendo uma reimpressão de Os Astronautas para mostrar como o processo de pintura evoluiu.

Originalmente foram criadas a partir de 69 indo até 72 quando saiu desta fase com mais amplitude de formas e estudo de cores.

Uma delas mostra a face o capacete de um astronauta com uso das cores branco, preto, amarelo e vermelho. Assinado como 1969-2018 mostra o espaço temporal passado desde aquela época em uma reimpressão de uma gravura já concebida.

Na década de 60, Tozzi havia feito uma impressão daquela mesma gravura, mas usando uma técnica diferente usando liquitex sobre a tela.

O passar do tempo possibilitou que ele usasse tintas que surgiram depois, segundo conta em uma entrevista para a TV USP. Isso faz refletir sobre como os recursos disponíveis são importantes nos processos e o significado disso para a produção de uma gravura.

Já na exposição Emblemas da Cultura Brasileira realizada em 2018, Tozzi afirma que ele buscava mostrar a importância da técnica gravura para a arte brasileira colocando-a em uma situação mais familiar, ou seja, conhecida.

As imagens de astronautas são ligadas ao avanço tecnológico máximo de um país, representando ciência, mas também exploração espacial. Vale a pena refletir sobre os significados que estas imagens evocam e que tipo de pensamento crítico surge.

Gallery Wall é uma forma de adicionar arte dentro de casa de uma forma intimista, criativa, que expressará seus gostos pessoais, inspirará, acionará memórias ao fazer uma curadoria e deixar em destaque em uma parede elementos em forma de quadros, pinturas, fotos, obras, gravuras, etc.

Também fará parte do décor de uma maneira casual adicionando texturas, imagens e símbolos afetivos em um determinado cômodo.

Como montar uma Gallery Wall

Se já aderiu a ideia de montar uma Gallery Wall daremos dicas para fazer a curadoria e montar a sua galeria de arte pessoal. Confira!

Planejamento e curadoria

Tudo pode começar com uma ideia ou conceito que reflita seu lado pessoal. Será algo que estará na parede da sua casa por um tempo, por isso deve ser algo planejado ou temático.

Não é muito recomendado ir pendurando de forma indiscriminada. Se planejar e pensar antes terá um resultado harmônico e que fará parte do seu décor de forma integrada.

Se já gosta e coleciona arte, qual seria a peça mais significativa, que represente algo que goste, que foi importante na sua vida, representou um marco ou que apenas agrade. Escolha dois principais que serão os destaques da composição e flutue o resto de forma complementar ou significativa.

Estética e significados

Pense nestas duas coisas na hora de fazer sua curadoria, como ficará esteticamente e os significados para os moradores da casa. Nesta hora, além de imagens, intercalar frases importantes que inspirem ou reflitam seus valores é uma forma de dar significado a sua gallery wall sem interferir na curadoria das obras de arte mantendo sua estética planejada.

Crie uma palheta de cores

Agora será a hora de pensar de forma harmônica na paleta de cores com tons e intensidades. Por exemplo, para um resultado vintage o dourado predominará.

Monte tudo no chão

Antes de sair furando a parede, faça uma prévia no chão com as peças de arteque escolheu. O que nos leva para o próximo tópico.

Formas geométricas e simetria

Dispor as artes montando formas geométricas é uma das melhores maneiras de começar. Você pode criar linhas angulares, brincar com tamanhos diferentes, deixar elas verticais ou horizontais.

Usar peças que tenham quase o mesmo tamanho dará um senso visual de coesão. Deixar em forma de prateleira alinhadas com diferentes tamanhos é uma indicação para os iniciantes que não se sentem confiantes em brincar com layouts.

Dê senso de perspectiva na disposição levando em consideração que elas fiquem de forma confortável para olhar. Então, nem muito alto ou baixo.

Adicione formas e texturas

Para variar nas formas retangulares e quadradas, adicione peças que tem formatos diferentes para adicionar diversidade. Por exemplo, algo têxtil, bandeiras, de formato arredondado, oval, que se conectem entre si.

Atenção nas molduras

Deixar as molduras da mesma cor confere coesão, usar apenas de cor preta dará uma atmosfera contemporânea, tudo branco será clássico. Optar pelas metálicas dão um toque de luxo, se for pelo dourado será vintage, paleta pastel é delicada.

Pense na impressão que gostaria de passar. Possui uma personalidade eclética e vibrante, pode brincar com diferentes molduras que dialoguem e façam sentido estético dentro do tema que escolheu.

Julio Le Parc é um dos grandes nomes do modernismo onde desenvolveu obras sensoriais usando arte óptica e cinética. Para quem coleciona arte terá em seu acervo obras valorizadas, reconhecidas de um artista ativo que já foi chamado de ícone e um dos grandes, senão maior nome da arte Argentina. Le Parc ainda trabalha de seu estúdio em Cachan, local afastado de Paris onde vive desde os anos 70.

Formas geométricas estabelecendo relacionamentos

Trabalhando intensamente desde 1958, o artista dedicou seu tempo e recursos na tentativa de extrair algo que ele pudesse sentir e sempre estava prestes a emergir. A falta de materiais não o impediu de criar. Com influência do construtivismo com possibilidades para trabalho de figuras geométricas,  usou textos e trabalhos do pintor construtivista Piet Mondrian no começo de sua carreira.

Então, ele e outros artistas começaram a trabalhar examinando o relacionamento entre as formas ou até expandindo. Muitas de suas obras possuem origem a partir da reflexão acima com estudos, experimentos e tentativas de manifestar este conceito.

De um lado a experiência, do outro o espectador

De um lado estava a experiência em superfície e do outro lado os espectadores. Ainda existia um terceiro lugar que era o relacionamento entre olho e a superfície. Tudo baseado na prática sem uso de teorias científicas.

Obras com desdobramentos e variações

Portanto, cada pessoa teria a capacidade de ver, observar, interagir com capacidade de estabelecer um relacionamento com a experiência. Isso possibilitou que os trabalhos tivessem muitas possibilidades de desdobramentos tendo um grande número de variações.

Efemeridade da instabilidade

Ao incorporar movimento se estabelece esse relacionamento com noção de instabilidade. Algo que é e deixa de ser no próximo momento. Depois vem a ser novamente outra coisa. Tudo em tempo real.

Experiência com interação

Segundo contou para uma entrevista de 2013 para a Cultura, quando as pessoas são convidadas nas interações, elas são muito receptivas com grandes capacidades de observação, de ver e comparar.

Em muitos casos quando elas escrevem ou descrevem o que viram, acabam tendo concepções, tão boas ou melhores, que a dos críticos.

Energizar e dar outros olhares

Em 2017, Julio Le Parc deu uma entrevista para a revista Apollo onde contou que tinha fé na possibilidade de que alguém que tenha baixa renda, com uma ocupação ou de posição subordinada em termos de vida social, trabalho e família, conseguisse se sentir energizado depois de visitar suas exibições para conseguir ter otimismo e proceder de uma forma diferente em suas vidas.

Ainda complementa contando que a arte é um conduíte para estimular mudanças na sociedade, além de criar consciência e atenção. Além disso, com otimismo as pessoas conseguem superar situações tremendas.

Portanto, as pessoas além de serem parte fundamental das obras criadas por Julio Le Parc, existe um lado que propõe mudanças interiores, além de serem inspiradoras. O lado humano do espectador interage, cria e reflete, sendo importante em vários aspectos mudando de percepção, assim como ocorre com as obras de Julio Le Parc.

Conheça abaixo informações sobre algumas obras famosas e interessantes do arquiteto e artista gráfico brasileiro Claudio Tozzi.

Pop art com mensagem política

Os trabalhos de Tozzi nos anos 60 representavam o dia a dia, como de passeatas do movimento estudantil da qual fez parte. Segundo contou em entrevista para a TV USP de 2018, ele fotografava o protesto, levava para o ateliê e transformava em arte gráfica.

Usando a linguagem do pop art, pegando elementos da publicidade e das histórias em quadrinho fez composições únicas e com mensagens fortes sobre a situação política da época nacional e mundial.

Mensagens de Claudio Tozzi

Claudio Tozzi explica que a arte é sempre uma atitude política, que resulta em uma ação e um reflexo. Quando é construída de forma estruturada e organizada, os quadros se tornam uma mensagem.

Apesar da influência gráfica de suas obras nos anos 60 do pop art, ao contrário do que acontecia nos Estados Unidos, com a mensagem a crítica ao consumismo em massa, por aqui Tozzi destacava as mensagens de cunho político fundamentado em crítica usando serigrafia.

Com a obra Guevara, Tozzi imprimia a arte em papeis simples de cartão para distribuir em locais específicos, ampliando a exposição com grandes públicos e aumentando o alcance de sua mensagem.

Obras públicas

Pensando em fazer arte para impactar um número grande de pessoas, Tozzi fez intervenções em prédios da cidade de São Paulo. Preparando a parede, lixando e depois finalizando com reboco, com aplicação da resina acrílica especial, massa acrílica e tinta acrílica. O artista aplicou stêncils, usou máscara com fitas, com as mesmas técnicas usadas no grafitti.

A Paisagem

Usou imagens figurativas como no quadro A Paisagem de 1976, que está em uma sala do Palácio da Alvorada, para criar paisagens com elementos da natureza. A obra mostra como a natureza deveria ser se estivesse preservada com as manifestações e suas formas espontâneas.

Já a obra do Palácio dos Bandeirantes mostra a importância da diversidade construída na cidade de São Paulo com ajuda do trabalho dos imigrantes. As formas acabam construindo pessoas, mas que não são identificáveis como indivíduos, mas formam uma massa, um coletivo.

Das mensagens diretas a subjetividade

Após sua fase de protestos com artes de mensagens diretas, passou a subjetividade com formas geométricas, texturas, cores, objetos, espaços, formas. Suas obras são representativas e dão uma visão sobre diferentes movimentos modernistas ocorridos no país.

Paz

Mostra uma mensagem de resistência usando um tema atual dos anos 60: a guerra do Vietnã. Enquanto no Brasil ocorria a ditadura, Tozzi representava o estado de espírito mundial após anos de arrastamento deste conflito internacional.

A Zebra

A pintura de 1972 que está exposta na praça da República foi feita em poliuretano sobre zinco com escala urbana. Época das loterias esportivas, representou uma mensagem irônica, pois as pessoas ficaram confusas se era uma obra de arte ou propaganda.

Claudio Tozzi para colecionadores de arte

Quem coleciona obras de arte, Claudio Tozzi é um artista nacional reconhecido e que será apenas valorizada, de acordo com passar dos anos.

Aldemir Martins é um dos artistas mais importantes do cenário nacional. As cores de Aldemir Martins são uma das características marcantes das suas obras, além de seus traços. Masterizou técnicas de pinceladas e uso de luz. Inspirando alegria, suas formas são assimiláveis e de entendimento fácil.

A qualidade técnica é mostrada com coerência no desenvolvimento temático, como na evolução técnica com fidelização ao apego visual. Veja abaixo algumas de suas temáticas famosas e que valem conhecer e ter em sua coleção de arte. Além disso, aprenda aspectos de suas composições e qualidades.

Os cangaceiros

Retratava temas relacionados ao Nordeste e a fase do colorismo em que o artista Aldemir Martins retratava cangaceiros mostrava domínio de técnicas de pinceladas, uso de luz e cores na década de 80.

Retratava aspectos do sertão com uso de verde e outras cores alegres como vermelho, azul e branco. Usou pinceladas curtas para dar uma imagem leve e efeito de cores mescladas.

Futebol

Segundo conta em uma filmagem do canal do Aldemir Martins, um registro o mostra falando sobre a mitificação dos elementos do esporte por grandes jogadores, como Pelé que transcendiam línguas.

O futebol é um esporte que permeia nações e uma das marcas registradas do Brasil. A importância do esporte é mostrada de forma bem-humorada quando ele cita que todo brasileiro é excelente jogador, técnico e especialista para escalar e jogar.

Usou estas temáticas para fazer obras dando valor a elementos simples, mas que representavam a  popularidade e o espírito brasileiro, que é movido através desta paixão.

Flores

Outro destaque entre suas obras estão as representações de flores, sempre com uso de cores vivas e fortes. Além disso, a composição mostra diferentes suportes e elementos.

Animais

Todo mundo sabe do uso da figura de gatos nas obras de Aldemir Martins, mas o artista explorou muitas outros animais em sua carreira, tendo representado galos, cavalos e peixes.

Falsificações

O artista Aldemir Martins é muito valorizado e por isso alvo de falsificações. Um dos mais escolhidos são peças com os gatos, que acabam sendo vendidos a preços muito mais baratos.

O preço é um dos maiores indicativos de que uma obra do artista seja falsificada. Apesar de parecer um bom negócio, nada valerá no acervo, por isso busque referências e o certificado de autenticidade.

O uso de técnica de alta qualidade de Aldemir mostra cores vivas, com uso de iluminação e pinceladas perfeitas que as falsificações não conseguem reproduzir. Apesar de parecerem cores chapadas, elas ganham uma suavidade, resultado de muito estudo e dedicação do artista. 

Alfredo Volpi foi um artista brilhante autodidata que viveu e atuou em território brasileiro com amplo reconhecimento internacional. Suas obras são uma excelente escolha para quem deseja ter em seu acervo peças que ganham mais valor com o tempo.

Inclusive, houve uma valorização recente em que quadros de Volpi foram comprados por altos preços em leilão realizado em 2022. Uma gravura das bandeirinhas foi arrematada por R$ 97,000, segundo reportagem do Diário do Rio.

Apesar de ter passado por várias fases em sua carreira artística, tendo se iniciado na pintura desde muito novo, Volpi é automaticamente ligado por seus quadros de bandeirinhas de São João. Por isso, abordaremos este tópico neste artigo. Confira.

Por que Volpi pintava bandeirinhas?

Indo na linha do tempo evolutiva do trabalho de Alfredo Volpi, será preciso olhar para a vida pessoal do pintor e seus rumos pelo Brasil.

O pintor foi morar uma época na cidade do interior paulistano em área de Mogi das Cruzes e depois em Itanhaém aos finais de semana para visitar sua esposa em dois momentos distintos.

Nestas experiências passou a retratar o que observava onde começava a fazer suas versões de fachadas usando composições com perspectivas, pontos de fuga, técnicas de cores e soluções de problemas que começavam com figuras geométricas, além de elementos distintos com estilos de pinceladas diversos, indo do emocional ao metódico.

Elementos das fachadas e retratação dos festejos

As famosas bandeirinhas eram apenas um dos elementos destas fachadas nos anos 50, até começarem a ter um destaque maior e chegar ao protagonismo quando o pintor passou a abandonar perspectivas, proporções e começou a fazer efeitos planos simplificando suas linhas.

Inicialmente eram pintadas juntos a mastros, como de formas complementares de imagens das festas religiosas, danças, decorações e festejos.

Todas as suas pinturas com bandeirinhas foram feitas com uma tinta antiga chamada têmpora, usando pigmentos em pó, ovo e óleo de canela. Portanto, teremos uso de recursos milenares, retratação do cotidiano e da cultura das festas juninas comuns pelo interior do país e uso de técnicas de cores superiores usando campos cromáticos, ritmo, experimentação e subjetividade nas linhas.

Em vida foi conhecido entre os curadores e especialistas como um dos grandes nomes do modernismo, mas suas famosas bandeirinhas caracterizam apenas uma fase de sua carreira e evolução.

Isso não tira sua relevância e o apreço das pessoas por estes quadros, acabam sendo os mais visados inicialmente. Mas, se você gosta das obras de Volpi, convidamos a conhecer mais sobre seus trabalhos em suas várias fases.

Estes quadros terão um valor grande em sua coleção de arte, Volpi é um dos nomes consagrados, que apenas melhoram com o passar dos tempos.

Rubens Ianelli é um artista plástico que carrega em seu sobrenome o legado de artistas proeminentes do modernismo brasileiro. Continue lendo e entenda seu processo criativo, uso de técnicas, desdobramentos e uma prévia do que é encontrado nas suas exposições.

Rubens Ianelli

Para quem coleciona arte, as obras de Rubens Ianelli possuem prestígio, além de qualidade artística e técnica que apenas valorizará conforme os anos passarem. Além disso, possui bons preços de compra para investimentos.

Em colaboração do Museu Afro e a Imprensa Oficial do Estado de São Paulo, Rubens Ianelli lançou um livro em 2013 com pinturas coletadas de seu acervo dos últimos seis anos a partir da data de publicação.

Quem gosta de sua arte encontrará uma espécie de catálogo, que será muito útil para colecionadores, como ter uma impressão de qualidade de seu trabalho para prestigiá-lo e fomentar o artista nacional.

Uso de figuras geométricas

Rubens Ianelli usa predominantemente figuras geométricas com percurso artístico usando técnicas, além de um rigor e trabalho minucioso. Possui referências modernistas, construtivistas com influência indígena.

As formas são calculadas a rigor com medidas e cálculos precisos que se transformam em pintura em guache como uma espécie de matriz, que podem ser aplicadas em projetos com aço usando técnica de corte e desdobramento ou madeira para criação de esculturas.

Também faz trabalhos em azulejo com murais. Com uso de estudo e aquarelas pintadas a mão que vão ao forno e depois transformados em placa para serem expostos com durabilidade e primor.

A geometria usada por Rubens Ianelli liberta da representação fiel da imagem para partir a outras linguagens com abstração, que podem ser vistas nas obras do artista.

Olhando para as figuras é possível ter sua interpretação pessoal remetendo a lembranças ou mesmo a arquitetura. Um de seus últimos trabalhos, Rubens usou restos de madeira comidas por cupim, que foram pintados depois e lembram a estrutura de cidades.

Mar e montanhas

O mar e montanhas foram inspirações para algumas de suas pinturas com repetição de padronagens que remetem a paisagens que acalmam e inspiram reflexão e meditação.

Alef 

O Alef é uma palavra que quer dizer o início ou primeiro. É uma pintura a óleo sobre tela, que foi desdobrada em esculturas em ferro, como em papel paraná, bambu e pvc para dar aspectos tridimensionais. Alguns foram expostos no Museu Afro, como em outras instalações recentes.

O artista ainda transforma suas ideias para instalações maiores e que as pessoas possam se sentir imersas. Este é apenas um exemplo de suas obras que não acabam na pintura, mas que se transformam em outras peças mostrando sua versatilidade.

Processo criativo

Seu processo criativo envolve primeiro o desenho, que evolui para estandartes que são transformados em pinturas e esculturas.

Rubens Ianelli explicou para a Fundação Pró-Memória de São Caetano, que o desenho é fundamental, sendo considerado peça-chave de suas composições. Ele explica que desenhos bem desenvolvidos podem ser transformados em pintura com uso de matéria e de cores.

Leda Catunda é uma artista plástica brasileira proeminente importante do circuito de arte moderna.

Ela faz muitas gravuras com colagem que possa dar a sensação de alternabilidade da imagem.

A colagem dá um aspecto inusitado para a gravura que por padrão deve se repetir. Usa imagens com bordas arredondadas e são sua marca.

Síntese e construção

A gravura tem um trabalho de síntese de forma essencial. Leda faz um tipo de pintura objeto, que possui relevos e um raciocínio de construção que parte de desenhos, como de encontros de materiais. Faz uma soma dos materiais e a artista faz uma pintura por cima para criar uma linguagem que tira vantagem da ideia da colagem.

Críticas da sociedade hiperconsumista

Já fez uma série de imagens com colagens demonstrando gostos variados para refletir o sentido de uma sociedade hiperconsumista, que justifica seu consumo através de seus amores. Por exemplo, surfe, futebol ou um estilo musical, que aspiram um consumo afetivo onde essa imagem traz um visual em que acaba dissipando o bom gosto pessoal tirando o senso crítico das pessoas.

O resultado disso é algo emblemático que reflete na construção dos ídolos, que pôde ser visto na exposição I Love You Baby de 2016.

Processo de criação

A artista tem uma parede de aquarelas onde Leda investiga objetos testando formas e possibilidades. Alguns se transformam em obras, como servem de especulações, que se transformam em paisagens e abstrações.

Segundo Leda, o artista deve absorver o seu tempo e demonstrá-lo através de sua arte. Confira abaixo as principais características com informações coletadas de vídeos e entrevistas:

• O que era rígido e plano ganha volume e movimento;
• Uso de formas orgânicas;
• Materiais com recortes, tecidos com pinturas em acrílico e costura;
• A artista não produz imagens e usa as que já estão disponíveis;
• As inspirações possuem origem em seu cotidiano;
• Objetos caseiros dão uma sensação de aconchegamento em que eles ganham nova dimensão e textura.
• Usa objetos moles – colchão, tapete e toalha, cortina de banheiro, etc;
• Exagero do aspecto artesanal;

Motivos de não criar imagens e desenhos novos

Existe uma negação, pois com tantos à disposição, seja a nível industrial das embalagens, como de estampas de roupas, Leda se aproveita do que já foi criado ressignificando tudo.

O que suas obras refletem

• Xeque do gosto onde não existe exatamente um critério;
• Reflexão em relação a gosto x valor;
• A arte cria uma metáfora que fala de mitos em que as imagens de embalagens levam a um conforto mental ilusório;
• Romance que as pessoas têm com a vida projetando seus desejos em atos, quando na verdade a vida se faz nas coisas cotidianas;
• Evoca imagens pela memória relacionando a elementos que tenham marcado a vida das pessoas. Um veludo que lembra uma cortina de teatro, por exemplo.

Obras volumosas

Se dedicou a obras que projetam volume que fazem a superfície macia ter dramatização (tecidos moles. Se aproveita das pinturas feitas por partes, como da incapacidade do tecido cobrir a tela onde usou recortes e entrelaçamentos. Por exemplo, gotas que vão grudando umas nas outras.

Obras mais recentes explicadas

Copa Family – fala sobre afetividade e a importância dos outros. O tecido imita o piso de copacabana com uso de cores que refletem o lado carnavalesco e fantástico do bairro do Rio de Janeiro.

Três –  São 40 gravuras com colagens. A artista faz parte do conselho do grupo Aurora e produziu imagens de três partes que se fundem. Elas têm pequenas partes comcolagens com uma parte central que muda de cor, de acordo com a preferência das pessoas, além de uma borda com franjas como acabamento ou mudança do assunto.

A obra tem cores laranja, fundo rosa, amarelo, azul escuro e turquesa sobrepostos. O interessante é que cada pessoa enxerga algo na imagem subjetiva.

Andy Warhol é um artista americano que ficou conhecido pelas suas obras usando elementos do pop para criar arte. Usando figuras famosas do mundo da música e entretenimento, como os rostos da atriz Marilyn Monroe, da cantora Madonna, do artista Basquiat e mais pessoas que se destacaram em suas áreas, além da estética de marcas de consumo em massa, acabou criando um novo movimento artístico. Saiba mais.

1. Celebrava o way of life americano

Sua arte celebrava o consumismo e a cultura das celebridades que estava em seu auge entre os anos 60 a 80. Além disso, deixava evidente a cultura popular, entre outras características da sociedade transformando artistas em ícones.

Suas ilustrações impressas retratam a beleza idealizada aliada ao fato delas serem comerciáveis mostrando o estilo de vida americano, que praticamente inventou as celebridades de um mundo de aparências ilusórias sustentadas pela aparência.

As celebridades mostravam um padrão de beleza e as pessoas eram alçadas a patamares inalcançáveis, além de ditarem padrões de comportamento e lançar tendências.

2. Teve uma carreira produtiva

Andy Warhol criou cerca de 10,000 trabalhos entre 1961 até 1987. Sua arte ainda é uma das mais valorizadas e procuradas entre os colecionadores.

3. Usava técnica de repetição com serigrafia

O artista explorava o tema de identidade com suas repetições mostrando que as celebridades acabavam perdendo sua individualidade com a fama, já que suas imagens viravam produto de consumo em massa.

4. Imortalizou ícones

Andy Warhol começou a pintar o rosto da atriz Marilyn Monroe no dia de sua morte em 1962 e Jack Kennedy dias após o assassinato de seu marido o presidente John Kennedy em 1963. Desta forma, suas figuras se transformaram em ícones imortalizando suas imagens.

Além da esposa do político e da atriz de Hollywood, retratou o cantor Michael Jackson, o líder chinês Mao Tsé-Tung, além de marcas famosas como a marca de enlatados Campbell e a bebida gaseificada Coca-Cola.

Uma das suas obras mais famosas são o Golden Marilyn, Campbell Can Soup, Brillo Box, Mickey Mouse, Che Gevara, Pelé, Lenin, entre outros que substituíram a tendência do abstrato que dominava os anos 50.

5. É o pai do pop art

O pop art é um movimento que se caracteriza pelas cores vibrantes com variações, retratos de personalidades e técnica de repetição caracterizando a crítica do consumo em massa.

Era um artista plástico, mas tinha a veia comercial, pois trabalhou no meio publicitário, além de ter trabalhado com ilustração com revistas de moda, sabia as tendências estéticas que dominavam o mundo em que vivia.

Suas tintas acrílicas, de alto-contraste e uso de serigrafia marcaram o pop art e definiram uma estética seguida até os dias atuais.

Anita Malfatti é um dos nomes de destaque do circuito brasileiro de arte. Pintora, desenhista e ilustradora, seu nome é um dos mais importantes a serem estudados e suas obras integram coleções valorizadas. Continue lendo e saiba mais sobre sua vida e obras.

1. Anita Malfatti fez parte do grupo dos cinco

Anita Malfatti fez parte de um grupo seleto de artistas brasileiros de sua época, com Tarsila do Amaral, Menoti del Picchia, Oswald de Andrade e Mário de Andrade.

Juntos desafiaram as regras tradicionais impostas e criaram uma vertente com base em seu nacionalismo e desafiando o senso estético admirado na época, o modernismo.

2. Lecionou desenho e pintura no Brasil

Após morar e estudar em Paris em 1923, Malfatti voltou ao Brasil em 1928 para ensinar desenho e pintura. O ato de educar é algo que Anita aprendeu com sua mãe, que também ensinava pintura como forma de sustento e ensinou o básico para a artista quando ela era criança.

Além de dar aulas, fazia exposições e participou de grupos importantes da Família Artística Paulista e Sindicato de Artistas Brasileiros.

3. Foi do expressionismo ao fauvismo

A estética de suas obras é influenciado pelo expressionismo sem usar o naturalismo ao pintar contornos grossos com temáticas nacionalistas.

Em sua carreira acabou afastando-se do modernismo para se aproximar do fauvismo com uso de cores mais intensas com temáticas regionalistas. Terminou sua vida retratando temas da cultura popular.

4. O homem amarelo é uma de suas principais obras

O quadro O homem amarelo de 1916 é uma de suas obras mais importantes e foi exposta na Semana de Arte Moderna de 1922 feito em comemoração ao centenário da independência.

5. Era amiga de Di Calvacanti

Di Calvacanti quem lhe motivou a fazer sua primeira exposição com cerca de 50 obras. Os dois faziam parte dos mesmos círculos e eram amigos.

6. Suas obras tinham denúncias sociais

Anita Malfatti retratava cenas do cotidiano de centros urbanos onde evidenciava situações de desigualdade e de pessoas marginalizadas.

7. Monteiro Lobato fez uma crítica e impulsionou o modernismo

Os quadros de Anita com influência do expressionismo tinham a estética contrária do que o circuito de arte brasileiro apreciava com pinturas acadêmicas para a elite conservadora na época.

Por isso, sua exposição recebeu uma forte crítica negativa do escritor Monteiro Lobato publicado no jornal O Estado De São Paulo, que acabou impulsionando o modernismo no país com Anita encabeçando e puxando esse movimento.

Sem formas exatas

Suas obras desafiavam o senso estético proposto pelas vertentes tradicionais, que eram apreciadas naquela época. Buscando a renovação, o modernismo não se apegava a formas exatas.

Desta forma, desafiava as normas impostas pelo tradicionalismo onde as formas e figuras ficavam livres para o desenvolvimento dos artistas.

O modernismo tinha como tema recorrente o nacionalismo com artistas que buscavam criar uma arte brasileira com tendências próprias, ao contrário das vertentes que eram influenciadas pelos movimentos europeus.

A importância das pequenas galerias de arte foi medida pela Art Industry, que é uma empresa que fez uma avaliação com pequenas galerias dos Estados Unidos para criar uma lista de tendências para 2023. Foram mais de 600 correspondentes com até seis funcionários. Confira.

Crescimento e alcance por marketplace

A maioria dos compradores que fizeram compras online são novos no negócio de colecionar arte. De acordo com a pesquisa existem muitos novatos vindos dos marketplaces sem pouco ou nenhum conhecimento, mas que mostra uma abertura que pode ser explorada.

Galerias pequenas trabalhando com poucos artistas

Além disso, as pequenas galerias de arte não estavam investindo tanto em artistas novos, com um ou dois ao máximo ficando na média dos últimos dois anos. Esta desaceleração se dá pelas incertezas causadas pela inflação e conflitos faz com que as galerias arrisquem menos.

Híbrido online e offline

A pandemia criou um ambiente híbrido em que o físico e o online se misturam com as galerias usando newsletters por e-mail, atualizando o site, social media, como fazendo eventos e deixando plataformas online preparadas.

Estas ações online acabam sendo de forma paralela com as offline com organização de eventos, funciona em um modelo que está sendo cada vez mais adotado.

Obras subiram de preço

Uma coisa que aconteceu por conta dos conflitos políticos mundiais foi o aumento do preço de algumas obras, por conta da inflação. Os colecionadores estão encontrando preços mais caros e isso afetou a quantidade de artes que eles adicionam seguindo as tendências.

Arte abstrata lideraram as vendas

Uma das últimas tendências é o do apreço pela arte abstrata, que está liderando as vendas. Seguido das artes figurativas expressivas, realísticas, de paisagem, conceituais, surrealismo contemporâneo, minimalismo, street art, neo-expressionismo abstrato e fotografia de paisagem.

Pessoas estão dispostas a comprar online

As vendas onlines dispararam mesmo com a volta das exposições, mostrando que o público está mais aberto a comprar pelo digital.

Galerias novas baseadas em mídias sociais emergem

Galerias novas de três ou quatro anos estão surgindo pautadas pelo movimento de redes sociais mirando os colecionadores mais novos.

Curadores conhecem artistas através de outros

As galerias de arte pequenas da pesquisa estão descobrindo novos artistas através de outros artistas, no Instagram, através de outros profissionais e curadoria, em exposições, outros colecionadores.

Isso mostra que fazer um networking é importante, assim como divulgar outros artistas é uma das formas de maior alcance em chegar ao conhecimento de galerias a nível internacional.

Grupos etários para galerias diferentes

O grupo que mais gastou ao colecionar arte é o de faixa etária entre 35 a 54 anos pelas galerias tradicionais, enquanto as novas vindas das redes sociais têm alcançado públicos mais novos de 18 a 34 anos.

Os dois grupos têm gostos e agem de formas diferentes, com os mais jovens estando mais abertos a conhecer artistas online e os grupos mais velhos tendo preferência por uma busca física.

Começar a jornada em colecionar arte pode ser um processo intimidador, mas que ao final das contas é uma atividade prazerosa, que não precisa ser envolta de ansiedade.

Existem alguns pontos que podem ser seguidos que guiarão uma mentalidade e ajudará no processo de descobertas e aprendizado. Confira nossas dicas.

1. Esteja disposto a ver arte

É interessante que os colecionadores estejam dispostos a ver todo tipo de arte e não se limitar a apenas ao que lhe agrada.

Por isso, é indicado a frequentar o maior número de galerias, exposições em museus e procure online. De forma contemporânea, uma possibilidade atual é o de procurar por arte nas redes sociais, um bom território para fazer descobertas, já que terá a chance de explorar.

Apesar de o digital dar possibilidades maiores, recomenda-se que não deixe de procurar por arte pessoalmente, observar estilos e ideias para saber avaliar ou reconhecer.

Fazer isso fará com que entenda o mercado quanto aos artistas, como desenvolver um olhar e saber o que procura.

Uma vez que tenha uma base sólida, será mais fácil de reconhecer o que gosta ou não dando mais assertividade para montar uma coleção de arte que agrade e seja rentável.

2. Faça sua pesquisa

Assim que estiver mais confiante quanto a suas preferências, terá uma ideia do que gosta em estilo e até em artistas. O próximo passo será se aprofundar no que pretende colecionar.

Para isso construa relacionamentos com curadores de galerias de arte para ter informações sobre novos artistas e tendências.

3. Não busque apenas tendências

Estar informado das tendências não quer dizer perseguir uma só porque ela está em alta. Antes de comprar uma obra será preciso ter os pés no chão e avaliar bem, além de ter feito uma pesquisa profunda. O foco deve estar no trabalho e não no buzz entorno dos artistas.

4. Se conecte com o que for colecionar

As obras precisam fazer sentido para o colecionador será importante na longa jornada de investimento. Então, no começo é comum escolher arte a nível pessoal de algo que inspire, relembre algo, que ajude a mudar percepções, etc. Além disso, a arte deve gerar uma impressão que dure.

5. Confira o impacto social do artista

Além de conferir as obras é importante pesquisar sobre o artista e suas atitudes e em quais causas ele é engajado. Desta forma, conseguirá apoiar e investir em impactos sociais contribuindo com a comunidade.

6. Aproveite os processos

Apesar de parecer estressante quando não se está acostumado com o mercado de colecionadores de arte, não se sobrecarregue ou se preocupe em seguir um roteiro sem flexibilidade. Faça sua história sem querer apressar processos e coisas, aproveite cada etapa para aprender.

Faça sua primeira compra de forma confortável em seu orçamento. Começar pequeno garantirá que vá aos poucos e permitirá ir progredindo, conforme ganhar mais confiança em suas decisões, mas sem torrar seu orçamento. O processo deve ser agradável e sem muitas regras pré definidas para que ele seja livre de estresse.

A arte realista contemporânea é um movimento que representa pinturas muito bem executadas em mostrar os objetos como eles são usando técnicas avançadas. Saiba mais.

Arte realista contemporânea

O realismo contemporâneo tem subcategorias existentes como hyperealismo, photorealismo, pinturas narrativas, entre outros. Este movimento histórico tem como foco retratar a natureza perfeita com a arte, além de ser engajada com a conformidade e aceitação das coisas como elas são.

As coisas como elas são

Este tipo não tenta reproduzir o que algo poderia ser, dando atenção ao agora ajudando as pessoas a enxergarem a natureza frágil do dia a dia.

O resultado são uma arte que retrata o cotidiano e pessoas com realismo. O termo realista contemporâneo ainda não é oficialmente estabelecido e de consenso aceito pelos artistas do nicho, mas é um termo que existe e está sendo usado.

Portanto, se torna relevante para quem busca se aprofundar e ter mais conhecimento sobre suas obras da coleção de arte.

O moderno é mutável, assim como o realismo

Segundo a revista americana Realism Today, podemos ver muitos trabalhos representativos que podem ser reconhecidos como realista ou moderno.

O realismo costuma mudar, conforme o passar dos tempos, desde as cenas diárias retratadas pelo Gustave Coubert no meio do século 19, até as visões de John Sloan, Andrey Wyeth e Edward Hopper.

Além disso, o termo moderno também é mutável, com cada geração mostrando uma modernidade em relação aos seu tempo e a geração anterior.

O termo foi usado para definir a coleção de Sara Robyn em um museu de arte americano The Smithsonian em 2014, mostra que o termo é usado pelas pessoas do nicho.

Representação realista

O realismo moderno pode ainda ser descrito como uma pintura ou escultura que tenha nascido da abstração na arte moderna, mas que ainda assim represente coisas de um viés realista.

Este tipo de arte deixa pouco espaço imaginativo, pois representa a figura exata da aparência das coisas retratadas.

Ainda assim podem ser usadas técnicas tradicionais que podem ser consideradas modernas, com apelo representacional do momento.

É um nicho crescente que ainda ajudam a entender modos e costumes de certas épocas, com olhar sem interferências das interpretações pessoais do artista, de forma pouco subjetiva.

Em outras palavras, mostrando aspectos da realidade moderna mostrando o mundo como ele é, aceitando de forma crua e verdadeira as formas e estéticas das pessoas e dos objetos.

É muito comum ter retratos usando diferentes métodos ou cenas cotidianas nas artes de realismo contemporâneo podendo ter vertentes que exploram o uso de hyperealismo fantástico, mostrando que o movimento é diverso e plural para todas as formas de expressão.

É um movimento que fez contraponto com o expressionismo abstrato indo ao contrário do mundo ideal, mas ligado ao real sem uso de sentimentalismo.

É uma forma de arte que ajuda a expressar como o mundo está atualmente, de acordo com a experiência pessoal de cada artista, que enxerga o mundo de pequenos recortes realistas.

Começar a expor obras em galerias de arte é um dos primeiros passos para a profissionalização, reconhecimento e crescimento.

Estes ambientes são ótimos locais para mostrar o trabalho, atingir públicos interessados e conseguir monetizar as obras, mas também fazer uma rede de conexão com curadores, outros artistas e colecionadores. Continue lendo e aprenda.

Dicas para ter suas obras em galerias de arte

As galerias de arte estão acostumadas a ter contato com novos artistas. Em outras palavras, podem existir centenas de contatos todos os meses e nem sempre um retorno será garantido por uma série de motivos.

É preciso pensar que a galeria faz parte de um nicho em que a venda e compra de artes é comum, por isso é preciso ter uma avaliação da arte para saber se ela se encaixa no lado comercial do local. Este pensamento é uma das primeiras etapas para começar a ver a arte como um negócio.

Então, muito mais do que ser excepcional em criar obras incríveis, é preciso desenvolver um lado de negociação e de construção de relacionamentos com contatos com pessoas da área, além dos curadores e demais funcionários da galeria de arte.

Tenha um portfólio consistente

Se a premissa é ter sua obra exposta em galerias de arte, deve ter no mínimo um portfólio consistente para avaliação. Um número bom seria pelo menos umas 30 obras.

Tenha fotos em qualidade

Não será possível andar com suas obras para todos os lados, portanto é importante investir em fotos profissionais de qualidade para mostrar quando a oportunidade surgir.

Invista em um site

Nem sempre será possível ter uma reunião presencial com o curador da galeria de arte, portanto é preciso digitalizar sua arte através de um site básico que tenha as obras e suas informações de contato e biografia.

Fazer isso aumentará a exposição das obras não apenas para quem trabalha em galerias, mas para o público em geral.

Estude as obras das galerias

Saber se a arte se encaixa dentro da seleção dos artistas da galeria que você deseja expor, exigirá muito trabalho de pesquisa em saber quais obras estão em exposição e venda atual. Pesquise sobre os artistas também para aumentar suas chances.

Converse e estabeleça um relacionamento de troca

Entrar em contato será apenas o primeiro passo. Mas, conseguir estabelecer um relacionamento saudável de troca será o ideal.

Isso não quer dizer entrar em contato insistentemente sempre se apresentando da mesma forma ou persistindo mesmo com uma resposta negativa.

Se sua arte não se encaixa na galeria, parta para a próxima da lista e tenha foco em seu trabalho. Você pode aguardar até o momento de sua carreira em que suas obras se equiparem ao modelo de negócios que o local trabalha ou não. Mantenha a cordialidade e as oportunidades podem surgir.

Se encontrar uma abertura, inicie um relacionamento a base de conversas, disposição para trabalho e com os interesses alinhados, transparentes, de forma profissional e consistente em que ambas as partes ganhem.

O mundo da arte e dos colecionadores movimentam altos valores onde um mercado é ávido por obras. Conheça abaixo uma lista com as vendas mais caras da história.

1. Salvator Mundi por US$ 450 milhões

Esta venda foi feita em 2017 quando um quadro de Leonardo Da Vinci foi parar nas mãos de Badr bin Abdullah al-Saud, se tornando a venda mais cara da história.

Esta pintura pertencia ao monarca King Louis XII no ano 1500, mesmo período que o quadro da Mona Lisa foi criado. No entanto, sua história é interessante, pois o Salvador Mundi não foi relacionado ao Leonardo da Vinci antes do século 21, ficando esquecido e perdido pelo mundo.

Ele percorreu grandes distâncias durante a II Guerra Mundial, antes de ir parar em uma audição de New Orleans em 2005, quando Robert Simon e Alexander Parrish a compraram pela bagatela de US$ 1,500.

Foram conduzidos seis anos de pesquisa antes dos historiadores confirmarem sua autenticidade. De acordo com dados da Bloomberg, a pintura pertence a Mohammed bin Salman, príncipe da Arábia Saudita.

2. Interchange por US$ 300 milhões

O quadro Interchange de Willen de Kooning foi comprado em 2015 por Kenneth C Griffin. Esta foi a peça de arte moderna mais cara vendida.

Kooning foi um dos fundadores do expressionismo abstrato e o Interchange foi pouco visto pelo público em geral, fazendo parte de acervos de colecionadores de arte privados.

Suas obras são sempre bem avaliadas, valorizam com o tempo, com grande procura e concorrência, já que o artista já faleceu. Portanto, existe um número de obras limitadas.

Para ter ideia esta obra foi vendida originalmente por US$ 4,000 em 1955 pelo arquiteto Edgar Kaufmann Jr. Depois ela foi negociada em 1986 para o dealer de arte Shigeki Kameyama por US$ 20,7 milhões.

Na década de 90 durante a recessão econômica no Japão foi vendida a David Geffen, penúltimo comprador.

3. The Card Players por US$ 250 milhões

A obra de Paul Cézanne chamada The Card Players (Os Jogadores de Carta) foi a obra mais cara vendida entre os anos de 2011 a 2015.

Ela é um quadro a óleo de uma série de cinco obras pós-impressionista. Todas elas possuem pequenas variações quanto ao número de pessoas na mesa e estilo de jogo.

A última versão foi comprada pelo Estado do Qatar através da família real e outra versão está no Musée d’Orsay em Paris na França.

4. Nafea Faa Ipoipo (When Will You Marry?) por US$ 210 milhões

A obra de Paul Gaugin de 1892 foi vendido em 2014. O quadro retrata a passagem de Gaugin ao Tahiti onde ele se apaixonou pelo povo e ilha. Ele foi amigo de Vincent Van Gogh onde moraram juntos e faziam pinturas juntos dos mesmos objetos sob perspectivas diferentes.

Foi por conta de uma briga com Van Gogh, que o artista se mudou e foi parar no Tahiti onde um ano depois pintou Nafea Faa Ipoipo, vendida inicialmente por 7 francos. É outra obra da família real do Qatar. 

Saiba que a arte pode fazer parte não apenas de galerias de arte, mas também dentro do acervo privado de colecionadores de arte.

Elas costumam pertencer a bilionários, artistas, industrialistas, celebridades, membros de família real, entre outros grupos de grande poder aquisitivo. Confira os mais famosos com acervos com obras famosas e bem valorizadas.

1. Ezra e David Nahmad

O valor da coleção de arte impressionista e de arte moderna desta dupla está estimado em US$ 3 bilhões.

Entre as obras mais icônicas e famosas está um quadro de Picasso Jacqueline de 1955. Os irmãos colecionadores de arte são homens de negócio, vendem e compram obras de arte visando lucro.

2. Madonna

A cantora americana Madonna é uma colecionadora de arte com um acervo de US$ 100 milhões. Ela tem fotografias, Art Deco e outros itens de artistas femininas.

Ela é a dona da Buste de Femme a la Frange de Picasso e Les Deux Bicyclettes, além de peças de Frida Kahlo e Bansky.

3. Justin Sun

O fundador de uma plataforma de criptocurrency é um colecionador de arte com obras de um acervo de US$ 100 milhões.

Tem arte digital e tradicional com obras de Pablo Picasso (Femme Nue Couchée Au Collier) e Andy Warhol são apenas algumas delas.

4. Count Giuseppe Panza di Biumo

Coleciona Pop Art e arte minimalista desde 1956. Ele é conhecido como difusor do Pop Art e sua coleção pessoal de US$ 11 milhões já foi considerada uma das mais importantes do período pós-guerra de arte americana das décadas de 60 e 70.

5. Steve Cohen

A coleção de US$ 1 bilhão de arte pós-impressionista e arte moderna tem peças de Van Gogh’s (Young Peasant Woman) e Gauguin’s (Bathers).

6. Eli Broad e Edythe Broad

Juntos têm uma coleção de mais de 2,000 peças de 200 artistas de arte contemporânea e pós-guerra de valor estimado em US$ 2,2 bilhões.

É deles a icônica peça Two Marilyn’s de Andy Warhol’s, além de peças de artistas renomados como Yayoi Kusuma, Roy Lichtenstein. Grande parte está exposto no museu The Broad em Los Angeles.

7. Paul Allen

O co-fundador da Microsoft era um colecionador de arte apaixonado. Passou 26 anos de sua vida comprando obras de arte e montou um acervo impressionante.

Gostava de arte contemporânea, pontilismo e arte florentina. Fazia de sua coleção Botticelli, Vincent van Gogh e muitos outros que foram vendidos em leilão na Christie’s em novembro de 2022 por US$ 1,6 bilhões.

A obra mais cara de sua coleção foi o Les Poseuses, Ensemble de Seurat’s que foi vendido por US$149,2 milhões.

8. Claribel e Etta Cone

As irmãs são socialites americanas que colecionam arte moderna em acervo de mais de US$ 1 bilhão. Elas são donas de obras de Picasso, Henri Matisse e Gertrude Stein.

Sua coleção é uma das mais famosas dos Estados Unidos e grande parte pode ser vista do Baltimore Museum of Art.

Paulo Whitaker é um artista brasileiro especializado em arte contemporânea bem reconhecido de forma nacional, quanto internacional. Para saber mais sobre seus quadros e desenhos, continue lendo.

1. Paulo Whitaker usa estêncil

Uma das técnicas de Paulo Whitaker é usar uma mistura de tinta spray com óleo usando o estêncil com moldes feitos de papel ou máscaras. Desenhos são recortados deixando a forma da prancha estampada.

Esta técnica envolve colocar os moldes vazados de formatos variados para criar figuras no quadro ou qualquer outra superfície. A aplicação pode ser feita em quadros, como em paredes dando profundidade, textura, camadas, efeitos diferentes.

Paulo Whitaker - Figura

Proveniente da street art, o estêncil possui um apelo forte de forma gráfica, tem o estilo de protesto, além de ter como elementos a rapidez e praticidade.

2. Faz experimentação dinâmica

Ao usar o estêncil de diferentes formatos, Whitaker vai experimentando uma forma na outra, marcado por uma dinâmica fluida que conversará de maneiras diferentes, conforme seu conhecimento empírico acumulado até aquele momento.

Portanto, poderá se guiar através de uma série de pensamentos e sensações, conforme suas vivências, experiências e tudo o que aprendeu até ali para ter uma impressão.

Paulo Whitaker - Formas

3. Seus quadros mostram um histórico de criação

O artista ao sobrepor figuras em seus quadros conta uma história em que as pessoas poderão ver momentos de suas tomadas de decisões, onde mudou o percurso, etc.

É interessante observar como estes processos foram feitos, além da ordem de aplicação acompanhando a mente do artista nos processos de construção do quadro ou desenho.

4. As formas são ressignificadas

As figuras colocadas no estêncil são ressignificadas, conforme o artista experimenta na tela. Desta forma, ele acaba dando formatos novos e formas de se enxergar as formas, curvas, profundidade, cores. Além disso, através de sua abstração, consegue expandir o conceito de espaço e tempo.

Paulo Whitaker - Oratório

Elas dará perspectiva espacial, com estruturas e configurações nada convencionais ou esperadas. Portanto, de forma calculada e espontânea elas tomam caminhos nada óbvios dando um toque de imprevisibilidade.

5. Formas evocam desconforto e plenitude

Em suas próprias palavras, quando cria suas obras, o artista fica em um estado pleno de paz, mas que lhe causa um pouco de desconforto, como uma espécie de estado de suspensão.

Da mesma forma, é possível acalmar ou excitar a mente ao observar os quadros de Paulo Whitaker, pois com foco e observação, vários elementos surgirão na cabeça enquanto observará as decisões feitas, formas e profundidade.

Paulo Whitaker é um artista contemporâneo que vale a pena conhecer e dar olhares mais longos para quadros. Se ficou com alguma dúvida, deixe um comentário ou entre em contato para saber mais do acervo disponível do artista para compra, compor coleção ou saber de exposições.

Reynaldo Fonseca (1925-2019) é um dos grandes artistas do Brasil. Entre os colecionadores de artes é bem conhecido onde seus quadros e ilustrações mostram o domínio de técnicas tendo resultados impecáveis, além de terem sua marca impressa através de algumas características. Em outras palavras, desenvolveu um estilo próprio.

No mercado, suas obras valem muito e quem deseja comprar deve desembolsar em média entre R$15 mil e R$90 mil, preço divulgado pelo Diário de Pernambuco em 2017. Uma gravura de 47cm por 66cm não sai por menos de R$ 2,000 a R$ 3,000, só para ter ideia.

No entanto, de uns anos para cá e segundo relatado no Instagram oficial do artista @reynaldofonsecaoficial, falsificações tem sido vendidas a preços mais baratos e de pouca qualidade.

O que parece ser um bom negócio, acaba sendo uma cilada, pois uma obra falsificada não tem valor algum no mercado. Estas falsificações costumam ter metade do valor original e são vendidas de forma clandestina.

Como reconhecer uma obra verdadeira de Reynaldo Fonseca

As obras verdadeiras de Reynaldo Fonseca possuem certificado de expertise, que é concedido com firma reconhecida em cartório. Este documento é uma garantia do valor da obra de arte, ou seja, é fundamental.

Ela pode ser apresentada de duas formas, com assinatura do autor no anverso e a segunda é o certificado impresso contendo fotografia da obra, descrição detalhada e assinatura com firma reconhecida.

Vá em galerias de arte confiáveis

Além disso, recomenda-se procurar obras de Reynaldo Fonseca em galerias de arte com curadoria especializada, onde poderá ter mais informações sobre sua validação ou na dúvida entrar em contato com a família do artista. As galerias confiáveis têm esta conexão ou poderá ter intermediários com opções de networking.

Quem coleciona arte costuma ter como intermediário galerias de arte, que é um dos locais mais indicados para comprar e vender. Além disso, terá todo o cuidado com os certificados, avaliações de obras e uma noção do valor do mercado, além de poder aprender mais sobre artistas e obras, ter contato com outros colecionadores qualificados tendo acesso a um nicho bem específico.

As obras de Reynaldo Fonseca têm predominância de algumas características com retratação de cenas cotidianas, com figuras humanas com uso de cores voltadas ao amarelo, laranja e marrom, ocre, terracota. Os desenhos possuem traços com técnicas aprimoradas. Além disso, os rostos de suas obras são expressivos com uma luz interna.

O artista teve uma carreira com mais de 75 anos até seu falecimento em 2019 aos 92 anos de idade, continuou pintando e quando não pôde ficar de pé, desenhou todos os dias de sua vida, por isso possui um acervo enorme e nem tudo está à venda. O que está disponível para compra está em galerias, com a família e com colecionadores de arte confiáveis.

Quem admira suas obras pode visitar os principais museus, salões de arte e bienais, como Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Museu de Arte Moderna de São Paulo, como museu do estado de Pernambuco. As galerias também têm exposições, fique de olho nos calendários e programações. 

Zezão é um artista plástico paulistano especializado em grafitti que ganhou o mundo com a sua arte. Devido a sua relevância, confira alguns pontos importantes para entender sua maior criação: os flops.

Zezão e os Flops

O graffitti que lançou Zezão ao mundo ficou conhecido como Flops. Em linguagem técnica significa Floating-point Operations per second é usado para referir ao campo de cálculos científicos com ponto flutuante. Em outras palavras, mede a capacidade de processamento de um computador.

Já como gíria, flops deriva de flopar, que possui significado negativo, dando entendimento de fracasso.

Enquanto seu graffitti parece visualmente futurista e o próprio ter se aproximado deste tipo de referência ao ter lançado em 2014 uma exposição em black tape que lembrava sistemas de computadores, o modo como os graffittis foram colocados pode remeter ao sentido da gíria também.

Zezão 2

Zezão sempre escolheu pintar em locais de degradação e escondidos nas cidades em que as pessoas ignoram ou tentam ficar longe.

São os esgotos, lixões, locais feios de muros sujos com má manutenção, fábricas abandonadas, nas ruas esquecidas das grandes cidades aonde se reúnem as pessoas excluídas da sociedade.

Elas estão ali para ser uma crítica em forma de arte que mostra como a degradação, esquecimento e descaso dos órgãos responsáveis fracassaram em suas políticas públicas mostrando desinteresse nas pessoas marginalizadas pela sociedade.

Transgressão

De forma transgressora, ou seja, ultrapassando as noções humanas que pressupõem a existência de uma norma, mostrando que os limites foram ultrapassados, desrespeitando as condições básicas para a existência humana com o descaso das autoridades.

Através de sua arte de rua, Zezão marcou pontos da cidade de São Paulo em que havia justamente o descaso, a falta de consideração pela condição humana onde as pessoas marginalizadas são além de excluídas, esquecidas e humilhadas.

Zezão 1

Discussão atual: água

Seus flops também lembram a água pela sua cor azul e um movimento fluído lembram a má gestão deste recurso onde o esgoto cai a céu aberto em muitos locais da cidade, sem tratamento ou consideração pelas pessoas em seu entorno.

Na falta de políticas públicas e falta de importância pela sociedade de forma geral, esta situação só piora e não apenas no Brasil, mas mundo. Não à toa, Zezão saiu do Brasil para pintar esgotos e canais países à fora onde este tipo de prática também acontece, comuns de megalópolis.

Violência urbana

A violência urbana acaba sendo consequência do descaso, da afronta com a população que não encontra meios de subsistência dignas, como uma resposta direta dos problemas escondidos que fluem como a água suja dos esgotos para o subterrâneo imoral.

Zezão 3

O artista processa e entrega esta reflexão para as pessoas mostrando que a arte pode permear níveis profundos da consciência, levantando questões e criando debates.

Sérvulo Esmeraldo (1929-2017) foi um dos precursores no Brasil da arte cinética com sua excelência e experimentação de técnicas. Continue lendo e entenda sobre a técnica artística e uma de suas maiores obras: Excitables.

Arte cinética

A palavra cinética significa movimento e foi usada com maestria por Sérvulo Esmeraldo em sua carreira.

Segundo documentário sobre o artista produzido pela Sesi, ele se inspirou muito cedo na ideia de movimento e luz ao observar a natureza e objetos. Durante sua carreira trabalhou estes conceitos e ganhou projeção internacional com a série Excitables.

A ilusão do movimento foi algo que ele incorporou em seu processo criativo e nos resultados. Na arte cinética, existe a introdução do elemento tempo, fazendo refletir sobre a importância das tecnologias no mundo moderno e permite explorar uma visão diferente.

Nela, são usadas formas geométricas que distorcem a percepção das pessoas, criando arte não estática, mas que se move.

Sérvulo Esmeraldo 01

Em outras palavras, tem elementos que se movem ou que requer que o espectador se mova para ter a experiência completa com os efeitos desejados.

É muito comparada com o op-art, mas são estilos diferentes e distintos com suas semelhanças. Enquanto o op-art dá a ideia de movimento sob um ponto estático, a arte cinética contém o elemento movimento.

Ela pode existir de diferentes formas e os artistas costumam ultrapassar barreiras. Pode ser aplicada em esculturas que se movem, por exemplo. Inclusive, com obras que podem ter peças movidas.

Sérvulo Esmeraldo 02

Excitables (Os excitáveis)

Sérvulo Esmeraldo através da obra Excitables, consegue transmitir a poética do movimento. Foi um trabalho elaborado e produzido na França ao longo de mais de uma década.

Mostrava pensamento científico e explicou este trabalho a um artigo publicado na Latin American and Latino Art (ICAA). Contou que sua obra inicialmente parece ser estática, mas de fato são como fenômenos naturais em que tudo está em movimento.

A obra se reúne em um uma série de objetos que reagem a cargas elétricas e a condições atmosféricas, por isso, estão em constante mudança. Ele realizou diversos experimentos com eletroestática do corpo humano e coisas em seu processo criativo.

Sérvulo Esmeraldo 4

A série é composta por caixas envolta de plexiglass contendo certos materiais que podem ser carregados com energia estática e começam a se mover quando entram em contato com o corpo humano, de forma espontânea ou programada.

Segundo suas palavras, tudo na natureza é fervilhante de vida não apenas no nível da matéria. Em sua opinião, as cargas elétricas têm poder infinito dando movimento e mistério.

Com isso, uma série de coisas acontecem a níveis profundos, elas se desprendem, afloram, desaparecem, anulam ou modificam.

Elas se movimentam dependendo das condições atmosféricas, além de reagirem quando as mãos encostam no plexiglass causando uma fluidez.

Sérvulo Esmeraldo 8

Encaixado dentro do campo de arte moderna, a arte cinética de Sérvulo causa fascinação e oferece uma experiência imersiva e que reage de acordo com os movimentos, sendo interventiva e ativa.

Dá uma sensação de tempo e espaço usando mecânicas baseadas na eletroestática valorizando o uso da ciência e transformando em arte para contemplação e reflexão.

Do pensamento crítico as obras de cunho filosófico e político, Regina Silveira, acadêmica e artista contemporânea, é um dos principais nomes brasileiros a se projetar internacionalmente com seu trabalho. Entenda quatro obras importantes de sua carreira.

1. To Be Continued

Esta é uma das obras que mais receberam projeção internacional. É composta por recortes de fotos publicadas em revistas turísticas, de embaixada e da mídia tradicional, de imagens estereotipadas da América Latina.

Estes recortes foram colocados como peças de quebra-cabeça encaixáveis, que não compõem uma ordem ou imagem única.

Regina Silveira coloca em suas criações, críticas políticas denunciando ou colocando a luz reflexões profundas. Ela fala sobre apropriação de elementos de diversas culturas diferentes sendo colocadas em logos de empresas, ilustrando matérias, fazendo parte de propagandas, etc.

Estas imagens e símbolos acabam formando uma imagem pobre, preconceituosa de diferentes povos que compões os países da América Latina.

Estas imagens projetam a imagem internacional dos países latinos, interferindo na sua compreensão e interpretação dos povos e países compostos de diferentes fragmentos, assim como costuma ser a visão de turistas da Europa e América do Norte em relação a América Latina.

A artista explicou em uma entrevista a revista online de arte contemporânea Berlin Art Link, que o nome da obra To Be Continued (A continuar) representa que ela não acaba ali, assim como as telenovelas e seriados. Foi a primeira obra que ela usou impressão digital, composta de 110 peças de 40 x 50 cm cada.

2. Brazilian Birds

Brazilian Birds (Pássaros brasileiros) representa uma forte crítica ao desmatamento permitido na Amazônia para a construção de uma estrada no período da ditadura chamada transamazônica, com influência direta de políticos e militares na década 70.

A artista pegou uma imagem de um cartão-postal turístico e usando linhas mostrou a trajetória de voo de urubus. Segundo Regina Silveira, as linhas mostram trajetórias de voos usando correntes de ar tiradas de uma revista científica Scientific American.

Já a imagem do cartão-postal fazia parte da série Brazil Today de 1977. A ideia era associar a ave de sobrevoando a transamazônica, símbolo de dominação.

3. Plugged

Plugged reúnem três fotogravuras usando placas de metal para produzir uma imagem. De forma simbólica, Regina brinca com jogo de luz em sombra para fazer uma crítica em relação a dominação e poder.

A luz é símbolo de conhecimento na sociedade moderna. Uma das fotogravuras mostra uma sombra de mão acendendo um interruptor mostrando que o poder está nas mãos de poucos e o impacto que isso tem.

Usada como metáfora para mostrar como as pessoas que controlam o poder agem pelas sombras. Outra imagem mostra uma mão com os dedos enfiados na tomada mostrando a suposta carga de energia luminosa que ela receberá.

Já a silhueta da mão com a lâmpada apagada representa a luz, fazendo uma contraposição a seu significado oculto.

4. Executive Destructers

Executive Destructers (Executivos Destrutivos) faz parte de uma série lançada nos anos 70 e 80 que usa linhas geométricas que colocam as pessoas em perspectivas para denunciar estruturas de poder.

Pierre Verger é reconhecido mundialmente por conta de seu trabalho documental, fotojornalístico, acadêmico, antropológico, histórico onde coletou um vasto acervo de imagens ao redor do mundo, além de ter sido um estudioso, etnologista e escritor.

Suas obras e jornada de vida marcaram e continuam deixando suas impressões por gerações. Confira seis curiosidades sobre Pierre Verger para entender um pouco de sua vida e obras.

1. Pierre Verger estudou profundamente a cultura e religião africana

Pierre Verger é um fotógrafo que se encontrou na matriz africana onde se especializou em ritos religiosos, na prática divinatória Ifá onde renasceu na África como Fatumbi, graduação mais alta dos babalaorixás quando esteve em Benim na África.

Estudou as raízes da cultura africana se especializando em antropologia, escreveu livros e estudou etnologia. Terminou um doutorado pela Sorbornne em Paris onde abordou o tráfico de escravos do golfo de Benin até a Bahia.

Pierre Verger - Candomblé Joãozinho da Goméa

Grande parte de seu interesse refletia em suas fotografias, que retratavam a Bahia e África. Se encantou por Salvador onde mudou em 1946, viveu e faleceu aos quase 100 anos de idade. Também se dedicou a pesquisar e estudar a cultura afrobaiana e suas influências na África.

2. Era fluente em iorubá

Sua dedicação era tanta, que além de ter sido adepto do Candomblé, aprendeu a língua iorubá. Inclusive, sua última obra escrita foi um guia medicinal escrito em iorubá reunindo um trabalho que levou décadas de pesquisa.

3. Sua primeira câmera foi uma Rolleiflex

Usava uma Rolleiflex, um clássico da fotografia e ajudou Pierre a captar imagens ao redor do mundo. A máquina é um item visado entre colecionadores e amantes da fotografia, foi a primeira de Verger e a que o ajudou a se profissionalizar.

4. Visitou mais de 60 países

Após uma tragédia familiar, virou repórter fotográfico onde passou por mais 60 países. Foi colaborador dos principais periódicos mundiais onde vendias seus registros.

Verger passou grande parte de sua vida viajando e tirando fotos. Possuía estabilidade financeira proveniente de sua família búlgara burguesa que se estabeleceu na França.

Passava pequenos períodos em Paris onde visitava amigos e familiares, mas logo partia. Contribuiu com um acervo de 62 mil negativos.

5. Morou em Salvador na Bahia

Foi em Salvador que ele se encontrou no mundo, local onde viveu até o fim de seus dias. Apaixonado pela cultura e o modo de vida, criou raízes religiosas e teve uma vida livre e liberta, conforme seus valores e anseios.

6. Livro Jubiabá o fez querer conhecer o Brasil

Leitor ávido, foi por causa do romance de Jorge Amado que se interessou por conhecer a Bahia. Publicado em 1935 tem como personagem principal um babalorixá do Candomblé. Vivia de forma simples em um local com uma vasta coleção de livros, sem luxos e minimalista.

Renina Katz é um grande nome da gravura brasileira, contribuiu em muito com sua arte e todas as suas formas de expressão.

Desenhista nata, passou pela gravura em metal, pela xilogravura, litografia e pintura. Confira algumas curiosidades sobre a vida e obra da artista, retiradas de entrevistas, que ajudarão a compreender um pouco de sua trajetória.

Renina Katz 5

1. Sua série Favela buscava fazer denúncias sociais

Renina Katz foi engajada na militância em sua juventude em uma época do país pós guerra. Se definia contra o fascismo, com simpatia por valores socialistas.

No começo de sua carreira em 1956 lançou uma série de xilogravuras com tema Favela, que buscavam destacar os problemas sociais quanto ao descaso com as pessoas pobres que moravam em aglomerados.

Representava cenários do cotidiano, de pessoas trabalhadoras, de mulheres, crianças, homens em cenários comuns. Durante duas décadas, a de 40 e 50, se engajou as questões sociais com seu trabalho e lançou obras marcantes usando xilogravura.

Renina Katz 4

Também revelou o universo dos retirantes e de pessoas marginalizadas com atmosfera dramática e expressiva.

2. Foi aluna de Axel Lescoschek

Axel Lescoschek lecionou por muitos anos no Brasil antes de voltar para a Áustria. Ilustrador e especialista em xilogravura, ensinou além de técnicas para Renina Katz valores que ela levou em sua docência quando foi professora da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo.

3. Foi instigada a aprender gravura em metal por um amigo

Poty era um amigo de Renina e a instigava a trabalhar com gravura em metal. Em um ateliê do rio de Janeiro pertencente ao jornal O Globo aprendeu muitas técnicas.

Renina Katz 3

Trabalhavam seu amigo Poty, que era assistente de Carlos Osvald, que a ensinou a paixão por este tipo de arte. Lá, aprendeu a imprimir obras usando maquinaria pesada. Colocava a mão na massa e formou uma base que seria acessada anos depois em sua vida artística.

4. Construiu uma carreira acadêmica

Renina Katz, além de artista consagrada, desenvolveu uma carreira acadêmica onde fez mestrado e doutorado na USP, onde também lecionou por 29 anos. Ainda era formada na academia de Belas Artes e na Faculdade Nacional de Filosofia.

Seus diplomas foram o que salvaram seu emprego de docente quando a USP passou a exigir diploma universitário de seus professores. Como artista declarava que o aprimoramento acadêmico e técnico fazia bem ao dar uma visão mais analítica.

Renina Katz 2

5. Se encantou por estampas japonesas em sua juventude

Na Escola Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro se encantou por estampas japonesas feitas por gravadores. Foi então, que passou a se interessar em xilogravuras, pois achou adequado para transmitir as mensagens políticas que desejava.

A arte em preto e branco era adequada e se dedicou a este tipo de técnica por anos até entrar em crise em 1956. Passada a juventude teve vontade de fazer outras coisas, seguir outros rumos quando se dedicou por representação de paisagens com pintura e depois litogravura na década de 70.

Entender se uma obra possui qualidade, dependerá de análise e compreensão de seus elementos. Ao ter alguns parâmetros em mente conseguirá ter uma visão analítica e um outro olhar sobre desenhos, pinturas e esculturas.

Sete elementos da arte

Os sete elementos da arte são a cor, valor, textura, corpo, formato, linha e espaço. Elas podem ser usadas em conjuntura ou isolados para criar uma série de obras de arte indo do naturalista ao abstrato.

Os elementos da arte não se aplicam apenas a pinturas, mas para rascunhos, desenhos, esculturas, gravuras, decoração de interiores, espaços arquitetônicos, estruturas, etc.

Carlos Furtado 7

Regras formais ajudam na análise

Pense nos elementos como regras formais que darão uma definição artística. Existem também os princípios artísticos e trabalham em conjunto com os elementos.

São comumente definidos como organizacionais ou princípios do design. Isso inclui uma análise quanto ao balanço, unidade, harmonia, variedade, proporção, rítmica, movimento, repetição, padronagens e ênfase.

Elas são responsáveis por dar estrutura em como os elementos artísticos serão aplicados ou usados. Por exemplo, uma pintura com cor análoga ou complementar aparecerá harmoniosa e com balanço. Ela será agradável de olhar.

Se a cor estiver ao acaso, a obra parecerá sem sentido ou visualmente nada atrativa. No entanto, atingir variedade é um dos guias de princípios e as cores podem ser aplicadas em vários contrastes.

Um outro exemplo é usar linhas horizontais para dar ideia de movimento, as linhas ainda podem fazer parte de uma padronagem para dar ritmo. Em outras palavras, os princípios da arte determinarão como os elementos da arte serão usados.

Importância das cores

O valor da arte está ligado diretamente a cor, como faz parte e como é aplicado. Nós veremos as cores aplicadas em uma série de variedades em formas e efeitos enfraquecido, embaçado, brilhante, borrado, texturizado, contrastando, mais sério.

Aldemir Martins Flores do Meu Nordeste

Isso causará diferentes emoções, fazendo nos sentir alegria, melancolia, susto, surpresa, etc. Então, o que determina os efeitos diferentes que as cores provocam?

Isso incluirá graus de saturação e intensidade, sua temperatura que criará um humor com tons, sombras com esquemas de cores que incorporará as primárias, secundárias e terciárias.

Existe toda uma ciência das cores, pois elas guiam as ondas de luz que chegam aos nossos olhos, com fotoreceptores específicos que nos permitem ver um espectro de luz visível.

O espectro inclui as cores vermelho, laranja, amarelo, verde, azul, indigo e violeta. Algumas cores são absorvidas ou refletidas.

Agora que você entendeu alguns princípios básicos sobre avaliação de arte quanto a cores, regras e seus elementos poderá se aprofundar nesta análise para aprender a avaliar obras de arte e guiar melhor as escolhas.

Aldemir Martins - Paisagem

Faça um treino e observe sua obra de arte favorita pensando nos quesitos que citamos e escreva uma análise crítica. Não esqueça de pontuar os sentimentos e emoções que elas provocaram em você, as impressões e impactos.

Converse com especialistas e aprenda mais sobre estilos e técnicas aplicadas naquela obra para aprofundar seus conhecimentos e ter outras visões. 

Nos anos 80, a pioneira Sarah Charlesworth fez uma colaboração com o especialista em moldura Yasuo Minagawa. Ao colocar molduras de laca em volta de suas fotografias deu uma impressão de tridimensionalidade ao fundo de suas imagens. O resultado era limpo, monocromático e as fotografias ganhavam vida.

Desde então, diversas parcerias foram feitas com artistas como Elisabeth Murray, Dan Coley e Jennifer Barlet. Nos dias de hoje, os contemporâneos ainda usam o efeito de dupla dimensionalidade incorporando molduras em suas fotografias.

A arte foi feita para ser vista, por isso da mesma forma que a moldura funciona, outros elementos como iluminação efetiva, uma curadoria inteligente e uma escolha de cores, acabam tendo importância central na apresentação do trabalho.

Enquanto as galerias e instituições possuem conhecimento e recursos para fazer estas escolhas, para os colecionadores pode ser uma tarefa difícil.

Importância da moldura

Uma boa moldura deve proteger a obra, enquanto conjura uma sinfonia visual com o trabalho e seu entorno. Tudo dentro do orçamento do colecionador, além de estar suscetíveis a mudanças impostas por tendências.

Será provável que se use molduras diferentes para cada obra, já que elas terão diferentes valores monetários e intelectuais. Por exemplo, achar uma moldura para um desenho em papel delicado é diferente do que achar uma para uma fotografia.

As galerias costuma ter um especialista em moldura com conhecimentos em relação a estes aspectos citados. Então, antes de fazer uma busca nas lojas de departamento, vale falar com alguém com conhecimento que possa guiar os próximos passos ou achar um local especializado.

Proteção é o principal objetivo

Pense no relacionamento da arte com a moldura a longo prazo em termos de proteção. Afinal, será a responsável por deixar longe a poeira, os raios ultravioletas, contato físico e outros fatores externos que poderão danificar a peça de arte.

Deve ser reversível

Além da proteção de fatores externos, a moldura ainda deve ser reversível sem estragar a peça por dentro.

Para proteger a parte da frente e de trás deve-se usar materiais que não liberem ácido com o longo do tempo como acontece com o papelão e plásticos. O melhor é escolher madeira ou tecido de algodão especial.

Um especialista em molduras para obras de arte conseguirá indicar o que usar na hora que for proteger a peça de forma interna, incluindo os métodos para diferentes orçamentos.

Existem materiais bons, mas que tem preços mais elevados como o plexiglass para proteger de forma externa, pois é anti-reflexo e tão delicado que forma uma camada invisível. Costuma ser a escolha de museus e colecionadores de alto escalão.

Apesar de ter opções para todos os orçamentos, é preciso ter em mente que a escolha da moldura deve ser guiada com um pensamento consciente sobre o futuro.

Afinal, ela será a responsável por manter o valor da obra com o passar dos anos e aumentar seu tempo de vida. Portanto, é um aspecto importante. Faça pesquisas e converse com especialistas.

Quando se trata de comprar obras de arte existem uma série de fatores que motivarão as pessoas a procurar por pinturas, desenhos e esculturas. Confira 10 razões que costumam criar identificação e são comuns.

1. Dar suporte

Colecionadores de arte dedicados sabem o valor da arte para a sociedade. Para dar suporte a esta paixão, apoiam exposições, galerias e artistas.

2. Fazer parte de uma comunidade

A comunidade dos colecionadores de arte tem uma forte conexão para discutir assuntos em comum e encontrar mais entusiastas que possam ajudar em sua caminhada de descobertas e aprendizados.

3. Para preservar a história

Ser dono de uma obra de arte é ter um pedaço da história com você. Muitos vão atrás de peças de artistas que tenham uma história de vida parecida, alguns buscam as edições mais bem valorizadas de artistas consagrados, mas que ao final das contas acabam ajudando na preservação e continuidade de peças de valor inestimável sob o ponto de vista histórico.

4. Ter a experiência de provar a excitação da busca

A sensação de descoberta de uma peça de arte envolve uma mistura de adrenalina, satisfação e recompensa. Ninguém pode explicar a sensação de finalmente encontrar uma peça que tanto buscava ou o caminho de descobertas.

5. Para decorar a casa

Decorar espaços com arte é uma das maiores motivações das pessoas comprarem uma obra. Chegar em casa e ver um quadro que agrade pode causar sensações de relaxamento e regojizo que não tem preço.

6. Para revelar a personalidade

As obras de arte são uma fonte poderosa de expressão de personalidade e gosto. Enquanto alguns se atém a certos estilos, outros investem em coleções dinâmicas para expressar seus vários lados.

7. Para contar uma história

De forma histórica, as coleções de arte eram grandes motivadores de conversas em encontros sociais com os gabinetes de curiosidades. Eles conectam e são interessantes, pois dão abertura para falar sobre o artista, sobre o estilo, a história de compra, etc.

8. Expressar emoções

A obra evoca sentimentos e emoções importantes, que podem ser símbolos de algum significado importante na vida da pessoa.

Quando existe a conexão a nível emocional, será muito mais pessoal, com uma profundidade que dará conforto ou euforia. Experienciar isso é algo legal e ajudará a ter uma validação do que sente e na expressão de coisas que não seriam possíveis em palavras ou na racionalidade.

9. Para se conectar com artistas

Muitos colecionadores são fãs de artistas por conta de sua história de vida e estilo de trabalho. Ter suas peças é uma forma de se conectar com a pessoa alvo de admiração. Dá para comprar peças de diferentes estágios da vida do artista e acompanhar a evolução de suas técnicas ao longo dos anos.

10. Para passar um legado

 Comprar arte pode ser uma forma de montar uma herança, assim como tem gente que deixa joias e posses, as obras de arte são itens valiosos que podem ser passados de geração em geração.

Maria Leontina é uma artista brasileira paulistana nascida em 1917 e falecida em 1984 (66 anos), cujo nome é referência com seus quadros, desenhos e gravuras usando técnicas da arte moderna.

Era adepta do expressionismo figurativismo, do abstratismo geométrico e cubismo. Para quem quiser se aprofundar ou conhecer mais sobre seu estilo e trabalho, deixaremos pontos importantes para mergulhar um pouco nas bases de suas expressões artísticas, tão admirada entre colecionadores, pintores e gente da área.

Maria Leontina e o figurativismo de cunho expressionista

O expressionismo é uma arte moderna citada pela primeira vez em 1911 com fortes bases na Alemanha e tem como principal pensamento que a experiência da realidade é subjetiva.

Portanto, a representação artística de figuras da natureza, de objetos, construções, pessoas, entre outros elementos são feitos através de pinturas e desenhos.

Liberdade para explorar

Os artistas que fazem parte do movimento, assim como Maria Leontina primam pela ruptura com uma visão de revolução sob o espírito humano com liberdade para explorar.

Algo que transcende os limites da experiência humana. Geralmente, o expressionismo está ligado ao cotidiano, mas com características de pinceladas sem nuances.

Portanto, em vez de pintar uma retratação realista, se opta por ter uma versão distorcida poética. Uma de suas bases é expressar emoções e experiências pessoais com figuras que representam algo do mundo real.

A natureza era muito celebrada na virada do século XIX para o XX, como forma de contestação a realidade industrial e a vida nas cidades.

Por isso, tem muitas pinturas de paisagens, de formas naturais e panoramas idílicos. O uso de cores intensas faz parte de uma composição desafiadora para subverter ideias tradicionais da moralidade e das convenções sociais. Maria Leontina usou muito as cores em seus trabalhos. A natureza é recriada sob olhar da artista para refletir seu mundo interior e imaginação.

Maria Leontina 1

Cubismo e natureza morta

O cubismo é um movimento surgido no século XX, usa formas geométricas e visa a não valorização das formas perfeitas. Usando figuras em três dimensões, predominam linhas retas, cubos, cilindros e uso de formas simples com jogo de claro e escuro.

Uma abordagem mais criativa e menos realista das coisas com uso de retratação de natureza morta. Maria Leontina fica envolvida com esta vertente entre os anos 50 e 60. Nesta época, trabalha com vitrais e azulejos também.

Abstracionismo geométrico

Dali, se parte para abstração geométrica, que Maria Leontina também explorou em sua vida artística contrapondo a arte figurativa usado no começo da carreira.

Foi uma mudança drástica, já que o abstracionismo visa a valorização de formas e cores. No entanto, existe um objetivo comum de rompimento com antigos valores em todos os movimentos que Leontina passou.

No Brasil foi um movimento forte na década de 40 e o estilo tem como caracterização da racionalização do uso de formas geométricas. No entanto, a artista ficou conhecida por optar não se guiar pelas linhas perfeitas, mas com uso intuitivo, sensível e original, sem deixar seu senso poético.

Os gabinetes de curiosidades tiveram um papel fundamental no hábito de colecionar obras de arte e deu início ao mercado, museus e galerias. Continue lendo e aprenda mais sobre uma parte da história fascinante.

Entender estes aspectos darão uma visão dos mercados contemporâneos e dos colecionadores maiores, assim como pode ajudar a entender melhor os motivos de alguém começar uma coleção ou acender iniciativas.

Como surgiram os primeiros colecionadores de arte

A Itália da época Renascentista era marcada por uma aristocracia que tinha por prazer colecionar coisas interessantes, belas e luxuosas nos chamados gabinetes de curiosidades. Também eram conhecidos como galleria, studiolo, museo.

Existiam gabinetes de todos os tamanhos, desde os mais simples aos mais elaborados com vários compartimentos e andares, que poderiam se esticar e tomar a sala toda. Muitas vezes tomavam mais de um cômodo.

Os objetos que compunham a coleção pessoal de cada pessoa vinha de viagens longas com buscas por novidades.

As peças davam oportunidade para contar histórias sobre uma aventura épica ou como foram fabricados. 

Eles ficavam sob a vista de convidados quando havia uma festa com jantar como uma forma de entretenimento na Europa do século 19 quando não existia muita opção de entretenimento.

Papel social e de status

Como pudemos perceber os gabinetes desempenhavam um papel social importante, além de fazer uma representação da personalidade de seus donos através das posses de objetos glamurosos ou que indicassem riqueza, erudição e bom gosto.

Poder pelos objetos de arte

Eles já tinham entendido que os objetos preciosos exerciam poder sob as pessoas e as associações entre luxo e personalidade davam impressões profundas de alguém.

Eles representavam um símbolo de status social. Quem era colecionador geralmente era rico e poderoso. Os conteúdos refletiam a personalidade do dono e carregava sua identidade.

Urgência existencialista através das coleções de arte

A partir do século 18, eles deixaram de apenas representar a inteligência e riqueza do dono, mas passou a ter necessidade de fazer com que o mundo fizesse sentido em um modo mais objetivo.

Passava a representar uma urgência existencialista para entender a vida. Portanto, os gabinetes de curiosidades era simbólico e apresentava para as pessoas questões essenciais sobre a transitoriedade da vida humana.

Os gabinetes eram um local de imaginação e para colocar as suas impressões do mundo. Os museus e galerias surgiram de coleções pessoais de gabinetes de curiosidades de reis e príncipes da Renascência, segundo o Instituto de Arte Soteby’s.

Gabinetes deram início ao museu do Louvre e do Museu Britânico de Londres. De acordo com seu crescimento em prestígio e tamanho, houve uma necessidade de separação que fez com que a cultura fosse adiante ramificada em várias frentes.

Maria Bonomi é uma artista com extenso curriculum que é referência na área. Nascida em 1935 na Itália, construiu uma carreira sólida no Brasil e contribuiu com a sociedade ao criar obras públicas importantes.

Se especializou em esculturas enormes que integram espaços e se conectam com o local físico, a história do lugar e com os transeuntes. Um dos grandes destaques é o painel Epopeia Paulista, um dos grandes marcos na cidade de São Paulo em dos pontos mais movimentados.

Epopeia Paulista na estação luz do metrô de São Paulo

Maria Bonomi fez um painel para a estação da Luz dedicado aos imigrantes e migrantes que já passaram por ali ao longo de mais de 100 anos de existência. Uma homenagem ao povo de outras cidades e países, que ajudaram no crescimento da cidade.

Todos os dias, cerca de 1 milhão de pessoas passam pela galeria onde fica o painel, local de ligação entre linhas do metrô e trem.

Ao todo o muro ocupa uma área de 73 metros e foi confeccionado em três blocos. As gravuras no estilo cordel contam uma história homenageando e servindo de lembrete cívico.

Povo multiétnico de São Paulo

Mostra que a estação Luz acaba sendo um local de passagem comum a quem chega a maior cidade da América Latina em busca de uma oportunidade. Representa o povo multiétnico, plural e diverso.

Indagação social e objetos perdidos

A artista usou objetos esquecidos nos trens e metrôs na composição da obra. As gravuras fazem uma indagação social, onde questiona as condições e oportunidades, além da desigualdade comum da cidade.

Os objetos recolhidos ao longo dos anos e incorporados no painel representam uma metáfora para representar todos os povos diferentes evocando o conceito de memória. Afinal, são uma prova física das histórias individuais. Eles ficaram presos no tempo e fizeram parte de algo.

Cores

Amarelo Ocre, vermelho-terra e branco foram usados com aplicação de cimento branco estrutural. Inicialmente fazem referência ao café, a indústria e serviços. De forma mais profunda, o amarelo representa o nordeste, o vermelho narra as memórias esquecidas e o branco faz um corte no espaço-tempo, representam uma nova realidade e a visão do passageiro quando chega a estação Luz com um futuro a ser preenchido.

Como o painel foi construído

Como o painel era gigantesco, Bonomi trabalhou em uma galeria dentro do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo no sistema colaborativo, segundo a artista “uma obra de mil mãos”.

Durante quatro anos foi confeccionada e o processo de sua evolução foi colocada a disposição de grupos, estudantes de arte e interessados pelo processo de criação da Epopeia Paulista, encomendada pela Companhia Paulista de Trens Metropolitanos.

A ideia inicial era usar a construção civil e aproveitar um muro no local onde fica a estação quando foi pensada por Maria Bonomi e pelos arquitetos Meire Selli e Rodrigo Velasco. No entanto, o plano se tornou impossível.

Na galeria do museu, as enormes placas de concreto foram transformadas em matrizes desenhadas e escavadas. Foram feitas 980 matrizes ao total. 185 placas foram esculpidas a partir de mais de 700 desenhos. Foi inaugurada no dia 26 de dezembro de 2004.

OSGEMEOS é o nome artístico da dupla de irmãos Gustavo e Otávio Pandolfo. Nascidos em 1974 cresceram no bairro Cambuci, São Paulo.

Foram estimulados pela mãe, que os levava quando crianças a várias exposições de arte, além de incentivá-los a manifestarem sua criatividade. Foi na pinacoteca de São Paulo que eles tiveram o primeiro contato com uma lata de spray quando crianças e onde voltariam anos mais tarde para montar uma exposição própria em 2021.

Começo OSGEMEOS

Um bairro culturalmente rico, diverso e um ambiente familiar acolhedor quanto a expressões artísticas, ajudou no nascimento de uma trajetória que foi evoluindo aos poucos, acompanhando o amadurecimento dos irmãos até chegar a patamares em que é possível ver suas criações em laterais enormes de prédios mundo.

Em contraste, muitas das obras criadas pelos Osgemeos foi apagada e pintada de cinza pelas prefeituras das cidades brasileiras em muros ao longo dos últimos anos.

Década de 80 e influências culturais do bairro

Era a década dos anos 80 e período de infância e juventude de Gustavo e Otávio. No Cambuci foram rodeados por um bairro em que todo tipo de arte se manifestava. Tudo isso ajudou a construir o estilo único dos osgemeos moldado ao longo dos anos.

Inspirados principalmente pelos traços do americano Doze Green, foram influenciados pela música hip hop, no estilo streetstyle, pelas rodas de dança break, rap e grafitti.

Em meio ao cotidiano urbano surgiu a vontade de desenhar, explorar materiais, estudar técnicas e aprimorar um modo de criar em dupla em conexão e harmonia criativa.

Os Gemeos - The Other Side

Exploração de materiais e traço fino de spray

Nas ruas, os dois precisaram explorar muitas superfícies diferentes e improvisaram o que precisavam com os materiais ali disponíveis pelos recursos limitados de dois jovens. Esse também era o modus operandi de quem se manifesta através da arte urbana nas ruas.

Esta prática continuou sendo aplicada em toda a carreira, com uso de materiais diversos, estudos minuciosos de técnicas e muita criatividade.

Uma das características do estilo único dosgemeos é o traço super fino feito com spray, que contorna todas as suas composições. Resultado de anos de prática e treino, hoje é referência.

Um mundo interno compartilhado fantástico

Na exposição da Pinacoteca dos OSGEMEOS, eles compartilharam um pouco de como é o mundo interno onde não existem limites para a imaginação e de onde sai muitas inspirações.

De forma espiritual, os irmãos fizeram uma simbiose de um local não físico fantástico onde os dois se sentem livres e em paz.

Ao longo dos anos, nunca repetiram um sequer personagem sempre criando algo novo dentro do estilo. Além disso, aprenderam a escalonar seus desenhos para planejar pinturas em prédios enormes para dar um alívio artístico em meio a construções de concreto em meio as principais cidades do mundo.

Hoje em dia, fazem parte do seleto grupo de artistas urbanos que conseguiram destaque internacional e são referência. Suas obras com cores fortes e sem limites de criatividade acrescentam uma atmosfera vibrante e inspiracional.

Iniciar uma coleção de arte pode parecer uma ideia distante e indicada apenas para pessoas com muito dinheiro. No entanto, para quem possui este desejo, saiba que a tarefa não é impossível e acessível para diferentes bolsos.

Confira nossas dicas que poderão ajudar nas etapas para iniciar uma coleção e pode ser seguido por todos.

Investigue os motivos

Os motivos para começar uma coleção de arte pode ser diversa e ter isso em mente facilitará os próximos passos.

Pode ser por investimento, apoiar um artista ou apenas querer vários itens decorativos para compor ambientes. Estes costumam ser os mais comuns. De qualquer forma, é uma experiência subjetiva e pessoal que deve se tornar consciente.

Saber seus motivos ajudará a destinar seus esforços no começo com mais probabilidades de ter sucesso. Por exemplo, se a intenção é investir, as escolhas devem ser guiadas com mais cuidado com olhar crítico de artistas que tem mais chances de serem reconhecidos com o passar do tempo.

Afinal, o que se visa é um possível lucro. Para quem deseja apenas ter uma coleção pessoal, já pode ser guiado pelas suas preferências e gostos pessoais, conforme for aprendendo mais sobre arte.

Quem deseja preencher espaços já terá maiores opções sem critérios quanto a nome e valorização no mercado, mas garimpar entre artistas que compõem o estilo pretendido para a decoração.

Faça uma pesquisa sobre o que gostar

Enquanto estiver no caminho de descoberta de novos artistas, é recomendado que separe os nomes que gostar para fazer uma intensa pesquisa depois e aprender.

Comece pequeno

Preferir coleções pequenas de artistas emergentes ou que estão começando a ganhar reconhecimento é uma excelente forma de começar com orçamento limitado.

Faça uma busca online

Os sites de galerias de arte são eficientes para conhecer novos artistas e fazer as pesquisas. Fica mais fácil fazer uma comparação de preços e comparar obras. Usando a internet facilita o contato para conseguir mais informações de forma acessível e transparente.

Mantenha um diário

Se a intenção é começar uma coleção de arte por muitos anos, é recomendado iniciar um diário para registros. Desta forma, conseguirá ver a evolução da coleção e conseguir notar as mudanças de gosto ao longo do processo.

Tenha paciência

Pode levar muitos anos até artistas ganharem reconhecimento, se comprou uma como investimento deverá ter paciência.

Pense na conservação da coleção

A preservação das obras é fundamental para que elas valorizem durante os anos. Além de ter um local adequado, cuide dos aspectos burocráticos e de segurança.

Trabalhe com seu orçamento

É possível começar uma coleção de arte com diferentes orçamentos, trabalhar com a realidade facilita muito a procura e compra de obras.

Direcionando o quanto tem para investir é uma forma de se manter objetivo e evita que postergue demais a primeira compra. Fotografias e desenhos geralmente são mais acessíveis. Fique de olho nos segmentos e acompanhe seus artistas favoritos acompanhando sua evolução.

Acumule conhecimento

Pesquisas são fundamentais para acumular conhecimento e experiência. Além disso, estar bem informado protegerá de cair em fraudes.

Procure um especialista para ajudar no processo

Quando visitar galerias, anote as dúvidas que surgirem e não deixe de esclarecê-las não só do ponto de vista técnico, mas quanto a documentações e formas de legitimação com um especialista.

Marcelo Solá é um artista goiano nascido em 1971 que usa diversas técnicas para montar obras com referências de arquitetura, experiências de vida, inspirações do cotidiano da vida moderna com muita criatividade e expressão.

Marcelo Solá

O artista Marcelo Solá faz uma arte inspirada do visual das paredes das megalópoles com grafites, pichações, cartazes lambe-lambe, de publicidade e toda a diversidade cultural que fica impressa ali.

Vida urbana impressa em paredes

Através destas paredes podemos saber tendências, ver a estética urbana, da impressão do tempo, do que passa na cidade, opiniões e críticas do momento, eventos, entre outras expressões da sociedade que ficam eternizadas até serem lavadas por chuvas, desgastadas pelo sol e substituídas por pinturas e cartazes de forma cíclica, que sempre se renova.

Solá consegue transportar de forma artística e conceitual, elementos contemporâneos das cidades para dentro de ambientes em forma de quadros e instalações.

Para compor suas obras, trabalha em seu atelier usando materiais e técnicas diversas para se expressar através de desenhos e pinturas em grandes telas. Usa latas de spray de tinta, tintas a óleo e água, serigrafia, lápis, aquarelas.

Gosta de expressar suas ideias de forma mais naturais não se atendo a convenções ou limites. Faz referências a arquitetura moderna de forma onírica traçando linhas que lembram muito estruturas de casa, prédios e demais instalações.

São portas, escadas, entradas e base de construções misturadas a outros elementos. Nos seus primeiros quadros era bastante comum ver desenhos de aviões em suas obras.

Naquela época, Marcelo Solá representava o atentado com aviões de 11 de setembro nos Estados Unidos onde estava de passagem na época. A imagem forte ficou em sua memória e passou a retratá-la.

Outro elemento que pode ser visto é a forma de um animal de quatro patas em referência ao lobo guará. Conforme conta em um vídeo no YouTube, uma vez estava trabalhando em seu studio que fica em uma chácara e costumava observar lobos na propriedade.

Solá é adepto de uma técnica em que começa vários quadros ao mesmo tempo fazendo esboços de vários desenhos dispostos na parede. Então, conforme as inspirações aparecem ele vai imprimindo o que sente no momento.

Importância do desenho

Marcelo Solá usa desenhos para se expressar desde sua infância e eles fazem parte importante de suas obras. Colocando sua liberdade em prática, mistura desenhos com escritas, que se misturam no meio de outros elementos.

Os escritos são feitos em caligrafia corrida, informal e representam a espontaneidade. Como se alguém tivesse tido uma epifania e com pressa para imprimir sua ideia e inspiração tivesse escrito algo com o que tinha na mão. Também dão uma sensação de pressa, comum das grandes cidades e faz parte da vida moderna.

Marcelo Solá 

Manchas

Uma de suas últimas expressões são as manchas feitas com tinta comumente feitas por artistas de rua em paredes sujas. Estes grandes borrões parecem estar ali ao acaso e feitos sem querer desafiam o senso estético padrão sem limites ou regras. Evocam um senso de rebeldia e do inesperado.

De forma simplificada, uma galeria de arte é um local que faz a ponte entre artistas, colecionadores e admiradores que desejam apreciar, aprender mais ou comprar pinturas, esculturas, gravuras e quaisquer manifestações artísticas, mas não só. Continue lendo e aprenda mais.

Qual a importância de uma galeria de arte

A galeria de arte atua de forma fundamental na relação entre artista e público. Existem vários tipos de empreendimentos comerciais que variarão de acordo com o tipo e modelo. Cada galeria pode funcionar de uma forma e ter diferentes propósitos.

Basicamente, a galeria apoia o artista em vários aspectos, aonde o sucesso de um impulsiona o outro.

Além de expor as obras e disponibilizá-las para o público, os profissionais da galeria atuarão em uma série de trabalhos administrativos, organizacionais, entre outros, que serão úteis e fundamentais no desenvolvimento de uma carreira.

Esta intermediação pode ser feita entre artista e colecionadores/público, como de acervos de colecionadores para outros colecionadores/público também.

Como é o trabalho?

A galeria pode atuar com a curadoria, suporte, monitoramento, venda, promoção, precificação, transportação de obras, organização de exposições e todo o trabalho que envolve divulgação que serão importantes para que o público e eventuais colecionadores tenham acesso ao trabalho do artista.

Dependendo da galeria este trabalho é oferecido em partes ou de forma total dando suporte para crescimento e desenvolvimento, assim como a construção de um portfólio.

Um curador será o responsável por fazer a seleção de artistas e obras, além de aprender teoricamente sobre as técnicas aplicadas para poder passar estas informações aos interessados. Ela pode ter ou não funcionários e assistentes para ajudar.

Em galerias grandes, pessoas são designadas para dar assistência ao que o artista precisar para que ele/a possa focar em criar, por exemplo. Já as menores podem dividir o trabalho, de acordo com a disponibilidade.

Por que o artista não expõe sozinho?

Nem sempre o artista possui conexões, conhece burocracias, sabe precificar, dispõem de tempo para cuidar de certos aspectos de sua carreira, verba para alugar o espaço ou conhecimento deste meio.

Principalmente quem está começando. Já os mais experientes e consolidados, acabam tendo uma forma cômoda, prática e eficiente em continuar fazendo seu trabalho.

A galeria ao trabalhar junto com um artista, estabelece uma relação de confiança e ajuda mútua, aonde a galeria de arte oferece seus serviços, além de dar mais confiança, estabilidade e empresta seu status ao artista para maior confiança do público.

Uma boa analogia é em comparação com a indústria fonográfica, onde a gravadora e selo dão todo o suporte para os músicos que assinam contrato. Sem essa conexão, o caminho pode ser difícil se quiser chegar ao mainstream, fazer sucesso ou tornar a profissão rentável.

Diferenças entre museu e galeria de arte

O museu apenas expõem as obras de arte e não comercializa. Já a galeria vende as obras, além de todo o trabalho de curadoria, divulgação, suporte e demais aspectos para que o artista foque em sua criação.

Visitar uma galeria de arte é uma boa forma de conhecer novos artistas, apreciar obras, aprender sobre arte, passar uma tarde de lazer e agradável, já que não é obrigatório comprar algo para visitar. 

Manoel Novello é um arquiteto carioca formado em artes visuais que usa pintura, fotografia, desenhos e instalações para explorar obras geométricas com senso de arte urbana.

A arte urbana com linhas geométricas de Manoel Novello

Manoel Novello possui um olhar diferenciado quando olha para as formas das cidades e dos espaços urbanos envoltos de caos e ordem. Os prédios, paredes e construções formam linhas e através de seu olhar viram desenhos de onde tira suas inspirações, seja no Rio de Janeiro da Baía de Guanabara, Praia das Pedrinhas ou em qualquer outro local em que esteja de passagem em suas viagens.

Novello pinta em seu ateliê de frente para uma vista ampla com varanda onde usa diagonais, horizontais e verticais sobrepondo linhas que dão sensação de profundidade, além de trabalhar cores.

Nascido em 1961 na cidade maravilhosa, usa seu ponto de observação em que tem um olhar artístico e criativo para compor suas obras. Expressa a parte urbana universal representada através de relações espaciais formadas por traços e linhas.

Manoel Novello

Toque humano em meio a geometria

É aberto a leituras próprias que representam paisagens com influências humanas. Segundo Manoel Novello explica em um vídeo de seu canal, ele acrescenta um toque humano com pequenas imperfeições, com marcas de seu pincel, em borrões e vazamento de cores de um campo para o outro que são únicos.

Contando histórias com arte

Fazendo isso de forma controlada e planejada, o arquiteto artista plástico consegue contar histórias usando linhas diagonais formando vetores que representam fluxos, assim como ocorre nas cidades de formas ordenadas ou cruzadas.

Como é seu processo criativo

Primeiro, ele traça uma malha sob perspectiva isométrica que será a sua base e desenvolverá o restante onde criará um problema trivial que ele tentará resolver com a pintura até atingir uma imagem que o satisfaça.

Seu processo criativo é natural e possui um fluxo constante, mas de pouco em pouco. Usa uma série de elementos que darão corpo com volumes, diagonais, vetores e traços contínuos ou interrompidos.

A cor dará a sustentação da imagem atrelada a cores vizinhas que influenciam umas às outras que resultem em uma comunicação positiva ao final do trabalho com o espectador.

Como dá nome a suas obras

Novello conta que na maioria dos casos dá o nome das obras após estarem prontas e complementa a formação da imagem final.

Explorando a beleza das cidades em meio a banalidade cotidiana

É muito comum passar desatento pelos prédios e construções em meio ao ritmo intenso que a vida moderna proporciona de um fluxo desenfreado. Manoel Novello consegue captar através de seu olhar, a arte e beleza através do aparente caos dando amplitude e sentido, mas sem perder conceitualidade.

O artista é generoso e deixa que o espectador tenha a sua própria interpretação de uma imagem, conforme suas referências, memórias, contexto e afetos em relação ao urbano que a obra representará da beleza da vida cotidiana, que acaba ficando em segundo plano, mas não menos importante.  

Airton Spengler é um artista brasileiro nascido no sul do Brasil em Canoas, formado em design de moda (UNIP), com especialização na Fashion Design na School of Fashion Design em Boston, Estados Unidos.

Foi em Boston nos anos 2000, que Airton Spengler teve seu primeiro contato com uma de suas especialidades, o patchwork.

Depois, começou sua jornada com pós-graduação em docência e começou a ministrar cursos e palestras online e presenciais.

Airton Splenger 1

Divide suas experiências e já participou de programas de televisão com foco em artesanato e difusão de técnicas diversas. Ainda possui experiência na área têxtil com aplicação na confecção de roupas e quadros.

Professor docente, artista, design fashion e artesão de mãos habilidosas, Airton Spengler foi trilhando seu caminho na área de design com especialização no campo das artes onde sua criatividade pode ser aflorada com suas obras sendo expostas em galerias de arte.

Obras de serigrafia de Airton Spengler

Com sua experiência em design e patchwork, acostumado a trabalhar com formas geométricas nos recortes, passou a usar técnica em serigrafia para criar uma arte para inspirar e decorar com uso da técnica op-art.

Airton Splenger 2

Os layouts criados pelo artista possuem alto impacto em preto e branco, com obras interativas tridimensionais.

Influências abstrato geométricas com movimento de espaço-tempo dinamizando as formas quadradas.

Para expressar as modificações da realidade, comuns da vida moderna onde tudo está em contante movimento, assim como as obras de op-art de Airton Spengler.

Airton Splenger 3

Airton Spengler na galeria Livia Doblas

É um dos artistas com obras disponíveis da Galeria Livia Doblas com quadros com dimensões 50x40 de obras originais de Airton Spengler, exclusivas e tiragem limitada. Envio imediato.

O op-art é uma expressão artística com características únicas que ajudam a ter obras que ganham movimentos e profundidade causando uma ilusão de ótica impressionante. Continue lendo e saiba mais.

Op-art

Op-art é caracterizado por uso de técnica que usa a ilusão de ótica para criar um ilusionismo de peças impressas. O uso é de p&b, preto em branco ou de cores que se contrastam e se opõem.

Victor Vasarely

Qual o objetivo da Op Art

Mostrar para as pessoas que a vida está em contante movimento, assim como acontece com as obras do op-art. Um dos objetivos é causar diferentes sensações, de acordo com o ângulo que estiver vendo um quadro que use op-art.

É a inclusão da ciência em obras de arte dando toque moderno.

Principais características da Op Art

Para reconhecer quadros que usem op-art é só conferir algumas características que são obrigatórias para criar resultados.

As obras devem ter um efeito tridimensional usando expressionismo abstrato usando formas e linhas geométricas que criam efeitos ópticos com tons fortes que causem um contraste visual.

Desta forma, a pessoa que observar a obra possuirá uma postura participante, pois dependendo do ângulo se tem um movimento e ilusão diferente.

São empregados cromáticas ou acromáticas de alto contraste, com uso de espaço negativo e positivo.

Quando surge a Op Art?

Surgiu na década de 60 de forma paralela nos Estados Unidos e Europa com vários artistas representantes com Victor Vasarely sendo um dos principais.

Outros nomes renomados e reconhecidos são Richard Anuszkiewics, Jeffrey Steele, Brigdet Riley e Larry Poons.

Eles estavam interessados em criar arte que mexesse com as percepções e criar efeitos visuais com muito resultado conceitual e experimental da junção da arte com ciência.

Preto e branco em oposição e justaoposição

O preto e branco em oposição causa contrastes na visão criando ilusões dinâmicas com expressão abstrata. É ambíguo e contraditório.

Com linhas, formas geométricas colocadas de forma estratégica criará efeitos tridimensionais que podem ganhar movimentos circulares.

Além da perspectiva ilusória, também é possível criar uma tensão cromática. Será possível ver vibrações ou pulsões, por exemplo.

Iluminação interativa

Também é possível alterar movimentos ou criar certos tipos de impressões ao usar iluminações diferentes que criem sombras e feixes.

Arte sendo experienciada

Vasarely costumava dizer que a experiência da presença de uma obra de arte é mais importante que tentar entendê-la.

A op-art cria exatamente isso, uma experiência que não precisa estar atrelada a interpretações do observador.

Victor Vasarely

Dicas para quem pretende comprar uma op-art

Como a obra interage, conforme a iluminação com nossas respostas perceptivas, pense nestes fatores na hora de escolher sua obra de op-art.

Teste alguns pontos de iluminação que possam interagir com a obra e diferentes tons e nuances para criar diferentes efeitos.

Dependendo da op-art pode criar uma sensação de profundidade, sendo excelente escolha para sensação de amplitude em espaços pequenos.

O quadro op-art pode criar efeitos interessantes e adicionar um clima de modernidade em espaços, pois possui influência com a ciência e tecnologia.

A obra também pode ser colocada em conjunto com esculturas ou fazer parte ativa de um todo.

Japonês da cidade de Kobe, Kazuo Wakabayashi nasceu no ano de 1931 e foi um dos grandes nomes da arte ligada ao abstracionismo dentro e fora do Brasil. Kazuo começa a se relacionar com a arte por sentir que tinha obrigação de propor alguma forma de linguagem que manifestasse paz para as pessoas e então, ainda jovem, quis iniciar sua formação artística, partindo para os estudos na Escola Técnica de Hikone, em Shiga, ainda no Japão.

Mais tarde, depois de terminar os estudos em Shiga, decide iniciar um curso de arquitetura no qual acaba não se formando, sendo a pintura então o seu foco a partir daquele momento. Até o final da década de 50, Kazuo participa de grupos de pintura, realiza trabalhos de ilustração para revistas e chega a receber prêmios em exposições importantes do Japão.

Sua relação com o Brasil se inicia apenas aos seus 30 anos de idade, quando Wakabayashi chega ao solo canarinho em 1961. Naquele momento, já tinha um trabalho reconhecido no exterior e uma carreira consolidada como artista abstrato, principalmente em seu país natal.

Kazuo Wakabayashi 3

O Brasil de Kazuo Wakabayashi

Quando chega ao Brasil, Kazuo se integra ao Grupo Seibi de Artes Plásticas, principalmente pela influência de suas amigas artistas Manabu Mabe e Tomie Ohtake. Então, nos primeiros anos de sua estadia, participa de exposições, de algumas Bienais de São Paulo e chega a receber alguns prêmios.

Podemos dizer que a partir do momento que fixa sua residência no Brasil, vive um período de implementações de técnicas, de repertórios artísticos e de diferentes formas de se manifestar artisticamente. É aí que o relevo, o contorno e as formas começam a “dar as caras” em suas obras.

Kazuo Wakabayashi 9

A evolução de sua obra

Dentre as características citadas no parágrafo anterior, as que mais evoluíram com sua chegada ao Brasil e com o enriquecimento constante de suas técnicas artísticas com certeza foram a ampliação do uso do relevo e da textura. Algumas obras chegam a parecer tela esculpidas com suas tintas, em outras, o relevo é trabalhado como uma textura constante e regular.

Os trabalhos de colagens também aparecem em suas obras e, mais tarde, seu trabalho com a gravura começa a ser mais constante, o que permitiu que ele pudesse escalar a sua produção, aumentar a finalização de suas obras e, consequentemente, a experimentação de suas técnicas.

Kazuo Wakabayashi – Origami

Os temas de seu trabalho Até o momento de sua chegada ao Brasil, o trabalho de Kazuo praticamente se resume a obras abstratas, o que com o passar dos anos vai evoluindo. A partir dos anos 70, insere em suas obras figuras humanas e a natureza. Com as colagens, também começam a aparecer muitas figuras da cultura japonesa estampadas em suas obras.

Kazuo Wakabayashi – Serigrafia

Kazuo Wakabayashi faleceu recentemente, em 2021, e suas obras continuarão sendo expostas em importantes encontros artísticos e comercializadas em importantes galerias dentro e fora do Brasil.

Paulista da pequena cidade de Sales de Oliveira, José Antonio da Silva nasceu no ano de 1909 e foi um artista plástico autodidata que se difundiu nacional e internacionalmente principalmente por suas pinturas, gravuras, desenhos e por seus repentes.

Antes de se tornar artista e de ter a possibilidade de viver da arte, Silva realizou os mais diversos trabalhos, como o trabalho rural. E foi aí que começaram seus primeiros desenhos, em folhas secas de café. Mas mesmo sendo repreendido por seus chefes no início, não deixou seu gosto de lado.

Sua carreira como artista começa de fato em 1946, aos 37 anos de idade, quando seus trabalhos são vistos e admirados na exposição na Casa de Cultura de São José do Rio Preto, interior de São Paulo. Naquele momento, o interesse dos críticos se deu pela frieza de suas cores e pelo tom escuro de suas obras, algo que evoluiria com o passar dos anos.

José Antonio da Silva - Moça na Janela

A evolução de sua obra

Dois anos após a exposição em Rio Preto, José Antonio já transformava seu repertório. As cores frias e escuras já davam lugar a paisagens com tonalidades mais vivas e ambientes onde a claridade era mais valorizada. Nesse momento de sua carreira, começa a participar de exposições de peso da arte brasileira, participando, dentre outras exposições, de algumas edições consecutivas da Bienal de São Paulo.

O trabalho na roça não serviria apenas para instigar seus primeiros desenhos em folhas secas de café e na verdade talvez seja o espaço mais importante para a construção de suas obras. A paisagem rural, o campo, plantações e ambientes de cultivo agrário tomam conta de seus temas, assim como o lazer que por lá costuma existir, algo que também despertou outros interesses nele.

José Antonio da Silva - Festa

Evolução rápida assim como a descoberta de suas obras, Silva teve reconhecimento e sucesso rapidamente com a inserção de outras manifestações artísticas em sua carreira. O repente, os causos e a obra falada começaram a ser exploradas por ele. Logo, o trabalhador da roça passou a ser um importante nome da arte brasileira.

José Antonio da Silva - Algodoal

Silva foi o criador do Museu de Arte Contemporânea de Rio Preto. Realizou inúmeras formas de expressão artística e chegou a trabalhar com o pontilhismo em suas construções, além de realizar obras com abordagens irônicas sobre o cotidiano do interior paulista.

José Antonio da Silva 

José Antonio da Silva faleceu em São Paulo no ano de 1996.

Manabu Mabe

Manabu Mabe, japonês de Kumamoto que nasceu no ano de 1924 e foi um pintor, ilustrador e gravador que, mesmo vindo de solos orientais, teve muito sucesso por aqui. Seu interesse pela pintura se dá já no Brasil, onde chegou ainda criança aos 10 anos de idade. Sua família se dedicava ao trabalho em lavouras de café no interior de São Paulo.

Por aqui, Manabu percebe seu interesse pelo meio artístico nos dias de chuva, quando não precisava ajudar seus pais na lavoura e ficava a pesquisar obras e trabalhos orientais em revistas e impressos trazidos do Japão por sua família. Aos 21 anos é que tem sua primeira oportunidade de trabalho no meio, preparando e fazendo fundos para as telas do artista Teisuke Kumasaka.

Do início até o amadurecimento de sua carreira, se transformou em um dos mais importantes abstracionistas da história da arte de nosso país, além de ser um dos pioneiros do movimento.

Manabu Mabe – Agonia

A mudança para São Paulo e a transição de seu trabalho

Ainda no interior, Manabu realiza uma viagem a capital, onde se identifica com o estilo de vida e acaba conhecendo o também pintor Tomoo Handa. Com o contato, Mabe intensifica seus trabalhos com temáticas ligadas à natureza, algo que mudaria com o passar dos anos.

Manabu Mabe

Em 1957, Manabu decide migrar do trabalho do campo e caminha para São Paulo para se fixar como artista. Naquela época já participava de importantes exposições com trabalhos essencialmente figurativos. Com a mudança, é nítida a transição em seu trabalho, partindo das figurações para o abstracionismo de seus traços, formas e cores.

Sem uma formação artística formal, Mabe considera sua obra como dona de um estilo próprio, por ele denominada Mabismo. Em algumas obras, é possível perceber que muitos dos traços lembram a caligrafia japonesa

Manabu Mabe 

Os prêmios e o reconhecimento

Manabu é premiado como o Melhor Pintor Nacional na 5ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1959. Nessa exposição, apresentou trabalhos como “Composição Móvel” e “Pedaço de Luz”. Neste momento, seu trabalho é caracterizado por manchas de cor e luz, e por seus traços espessos e como se fossem produzidos com pressa e por quem ligasse mais para o resultado do que para o cuidado com as pinceladas.

Além dos prêmios nacionais, Mabe recebe importantes reconhecimentos internacionais. A revista “Time” o homenageia como o artista do ano, ou como denominado pelo periódico, “The year of Manabu Mabe”. Tudo isso o consolida como um dos maiores nomes da abstração brasileira, mesmo sem ser natural daqui.

Manabu Mabe - 2

Manabu Mabe falece em setembro de 1997 e é até hoje um dos maiores nomes da arte brasileira. Suas obras continuam sendo expostas e comercializadas, além de serem realizadas exposições póstumas em sua homenagem.

Paulista da capital, Leda Catunda nasceu em 1961 e é uma das artistas plásticas de maior sucesso na história da arte brasileira recente, principalmente com obras ligadas à cultura popular. Além de suas produções artísticas, Leda trabalha como professora e como pesquisadora.

Sua relação profissional com a arte começou quando se formou em Artes Plásticas no ano de 1984 na Fundação Armando Alvares Penteado, a FAAP, em São Paulo. Lá se interessou pelo ensino e decidiu se dedicar também ao seu lado professora, ensinando pintura e desenho na mesma faculdade onde se formou, na Faculdade Santa Marcelina e até mesmo em seus aposentos próprios.

Seus primeiros reconhecimentos como artistas aconteceram após a importante exposição “Pintura como Meio”, onde mostrou talento e se diferenciou de outros artistas da época. De lá para cá, as produções artísticas de Catunda se deram principalmente dentro das técnicas da gravura e da pintura.

Leda Catunda – Rio

Os temas de Leda

Quando começou a ter reconhecimento, suas obras levavam um ar cômico e caricato aos críticos e admiradores de seu trabalho. Para falar de seu trabalho, Leda se inspira muito na cultura americana de consumo e obras como as latas de sopa e as ligadas a arte pop.

Foi a partir dessas obras que Catunda percebeu que não precisava mais desenhar e construir suas imagens, por considerar o mundo já muito entupido de ilustrações em tudo, desde produtos domésticos até outros objetos supérfluos.

Leda Catunda - Camisetas

As técnicas e a evolução

Assim, Catunda construiu seu trabalho a partir de objetos do dia a dia e do uso doméstico, como panos, toalhas, pedaços de espuma, de colchõe, lençóis e cobertores, mas não deixou de chamar suas produções de pintura, por falta de ter a percepção de como seria melhor chamá-los e pela pintura ter uma relação e ser a técnica mais importante para a construção de sua carreira, talvez, juntamente com a gravura.

Leda Catunda - Línguas Douradas II

A relação com a gravura

Para ela, a gravura é um trabalho de síntese e de escolhas subjetivas ainda mais do que a pintura, por ser um desafio de encaixe entre os elementos que deseja integrar em suas imagens.

Leda Catunda – Itacaré

Ivan Serpa

O carioca Ivan Serpa nasceu em 1923 e foi um pintor, ilustrador e gravador muito conhecido por suas abstrações e obras construtivistas. Sua relação com o meio artístico é iniciada ao final de sua adolescência e início da vida adulta, naquele momento ainda sem nenhum aprendizado teórico sobre a arte em si e suas inúmeras técnicas, algo que foi implementado pouco tempo depois, quando decide estudar pintura, desenho e gravura com o artista austríaco Axl Leskoschek.

Do meio para o final da década de 1940, decide se dedicar aos estudos com o austríaco e, ao final da década, já começa a lecionar no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, o MAM. Por lá, se dedica também ao ensino infantil nos anos posteriores.

A partir do início da década de 1950, cria um livro sobre sua experiência com o ensinamento das crianças do MAM e, logo depois, participa da criação do Grupo Frente, que era predominado por concretistas e que contava com outros importantes artistas da época como: Lygia Pape, Lygia Clark, Mário Pedrosa, Ferreira Gullar e Hélio Oiticica. O grupo acabou se desintegrando anos mais tarde, em 1956.

Ivan Serpa - Eles e Elas

A evolução de sua obra

No primeiro ano de seu trabalho, assim como se dá o início da grande maioria dos artistas, Ivan Serpa se dedica a produção de telas ligadas ao figurativismo, nas quais a principal preocupação estava longe de ser determinado movimento ou determinada visão de mundo a ser passada, mas que se concentrava àquilo que seria apresentado tecnicamente através do conhecimento obtido no aprendizado teórico. Mas isso mudaria drasticamente com o passar dos anos.

Ivan Serpa - Faixas Ritmadas

No ano seguinte já começa a tomar gosto pelas cores e pelas formas geométricas e produz seus primeiros trabalhos abstratos, o que seria sua dedicação a partir daquele momento. Com o passar dos anos, começa a implementar mais características às abstrações, conectando-as ao figurativismo com a utilização de representações de objetos através de cores e figuras geométricas.

Ivan Serpa - Composição

O construtivismo e a evolução

Com a evolução constante de seu trabalho com as figuras geométricas, críticos consideram que com a participação no Grupo Frente, a partir do ano de 1954, seu trabalho começa a ser um perfeito exemplo do construtivismo e assim caminha até o final da década de 50. A partir daí, Ivan se permite sair um pouco do básico construtivista e começa a inserir alguns elementos em suas telas, que começam a possuir mais detalhes fora do padrão das formas geométricas perfeitas e das cores lisas.

Ivan Serpa - Hiroshima

Do início dos anos 60 até o final de suas carreira, Serpa acaba tendo de volta o interesse pela figuração, quando realiza as séries “Bichos”, “Negra” e “Mulheres” e acaba ainda voltando para as obras construtivas, como na série Op Erótica.

Ivan Serpa - Série Negra

Ivan Serpa falece em 1973, por complicações cardíacas após um derrame cerebral, nos deixando apenas aos 49 anos de idade. Suas obras são lembradas até os dias de hoje em homenagens recorrentes ao seu trabalho e sua carreira.

Inos Corradin

Italiano de Vogna, Inos Corradin nasceu no ano de 1929 e foi um artista plástico de grande reconhecimento no Brasil e no mundo, principalmente pelas suas ilustrações e pinturas, caracterizadas por seus traços marcantes e formas caricatas com um DNA único.

Começou a pintar sem nenhuma formação acadêmica, pois para ele a pintura é algo sensorial e não aprendido. Como dizia: “O pintor se forma na escola, o artista nasce artista”. Desde o início de sua carreira pintou em quase todos os dias, de domingo a domingo, fazendo um desenho durante o dia e o pintando durante a noite.

Sua chegada ao Brasil aconteceu ao final da Segunda Guerra Mundial, em 1950. Primeiro passando por São Paulo com seu pai, depois fixando residência em Jundiaí, interior do estado de São Paulo. Sua chegada até os solos canarinhos mudaria drasticamente sua vida profissional. Segundo ele, um milagre, já que seu futuro na Itália estaria fadado a profissões comuns e que não lhe despertavam nenhum desejo.

Inos Corradin - Gato e peixe

O início da arte

Inos começou seus trabalhos e sua trajetória na arte em São Paulo, no bairro da Vila Mariana, no começo instruído por argentinos no Ateliê Politône. Pouco tempo depois já fazia suas primeiras exposições e começava a ter o reconhecimento que gostaria, sendo premiado no Segundo Salão Paulista de Arte Moderna em São Paulo.

Inos Corradin - Menino com barquinho

Para ele, “O artista traduz o sentimento que ele vê, e aquilo que ele sente, a arte é a estética do DNA do artista, toda arte é uma arma, uma arma jogada na tinta!”

Os políticos e a crítica política e social

Corradin também levou a crítica política e social até seus trabalhos. Uma das séries mais famosas de seu trabalho é a “Os Equilibristas”, que foram inspirados na bagunça da política internacional. Inos os representava através de figuras caricatas que levavam e equilibram bolas com as cores de suas nações, como se fossem agentes instauradores do caos que brincavam de cuidar de seus países.

Inos também retratou naturezas mortas, paisagens, flores e o lúdico, mas tinha como elemento básico preferido o mar.

Inos Corradin - Equilibrista na Corda

O amadurecimento e seu trabalho

Ao longo de sua carreira e com seu amadurecimento, Inos fez a inserção de técnicas em seu repertório, se dedicou às esculturas e também trabalhou com outras vertentes da arte, escrevendo livros como “La Visone Incantata”, mas não deixou sua raíz de lado e continuou se dedicando aos desenhos. Além disso foi homenageado pela X9 Paulistana, vencedora do Carnaval de 2017, algo que foi motivo de muito orgulho para ele.

Inos Corradin - Equilibrista Escultura

Seu dom, talento e sua visão artística diferenciada foi passada como uma herança genética para seu filho que também é artista e possui carreira na arte. Inos Corradin continua produzindo, expondo e comercializando suas obras até os dias de hoje.

Gonçalo Ivo

Nascido no Rio de Janeiro em 1958, Gonçalo Ivo foi um artista plástico brasileiro e arquiteto muito reconhecido dentro da história da arte nacional. Suas ambições artísticas começaram logo cedo devido a clara influência de seu ambiente familiar e pelos amigos de seu pai que era poeta, escritor e jornalista, e de sua mãe que era professora. Juntos, seus pais o influenciaram positivamente ao meio da cultura, principalmente ligado a arte o levando a conhecer importantes artistas, como Iberê Camargo.

Esse ambiente o instigou a conhecer mais sobre o meio artístico e, ainda na adolescência, resolve iniciar um curso de pintura no Museu de Arte Moderna no Rio de Janeiro, o MAM/RJ. Mais tarde inicia na Universidade Federal Fluminense o curso superior de arquitetura, mas é na arte que tem sua primeira oportunidade profissional, trabalhando como ilustrador para editoras da capital paulista.

Caminhando para o final da década de 1980, fixa o seu trabalho em um ateliê no Rio de Janeiro, sua cidade natal, e começa a levar suas obras à exposição, iniciando a sua carreira e estampando o seu nome no cenário da arte brasileira.

Gonçalo Ivo 3

A obra de Ivo

Como dito nos parágrafos anteriores, seu ambiente de infância era dominado pelos amigos artistas de seus pais e, logicamente, isso também acaba influenciando em sua naturalidade construtiva.

Dentre os artistas presentes em sua infância estavam nomes como Lygia Clark e Alfredo Volpi, que eram ligados à geometria e à cor e tinham esses dois elementos, essencialmente como prioridade dentro de suas produções. Gonçalo “herdou” essas características e uniu essas experiências a sua formação em arquitetura, que também valoriza a geometria e a utilização das formas.

Gonçalo Ivo - Os Navegantes

A tecnica, os materiais e a forma de produzir

Não foi só a escolha das formas que foi influenciada por sua infância. A têmpera das obras de Alfredo Volpi também foi explorada por Ivo, sendo utilizada em um blend com aquarelas e tintas a óleo.

Para ele, o conhecimento dos materiais utilizados na construção de sua obras deveria ser algo natural como a utilização de talheres para uma refeição, ou seja, os materiais deveriam ser estudados, testados e treinados até que o conhecimento de como utilizá-los fosse instintivo e pudesse ser parte da produção de suas obras.

Gonçalo Ivo 15

A carreira e o reconhecimento

Com o amadurecimento de sua carreira, Ivo incluiu técnicas e materiais em suas produções e pregos e madeiras estão entre os objetos que começou a utilizar. Sua principal mudança de ares aconteceu no período prévio a essas inserções, com sua viagem ao território europeu. A partir de sua ida, consegue dar um ar mais comercial a suas obras, o que permite uma dedicação plena e mais tranquila à arte.

Gonçalo Ivo 25

Gonçalo Ivo continua produzindo e expondo suas telas em importantes exposições pelo Brasil. Com a construção de suas gravuras, suas obras podem ser encontradas nas principais galerias do Brasil.

Daniel Senise

Nascido no Rio de Janeiro em 1955, Daniel Senise é um artista plástico brasileiro que se mantém ativo na carreira de artista e que atua principalmente como pintor e gravador, mesmo que para a construção de suas obras ele não use pincel e muito menos tinta. Seu início na arte aconteceu quando tinha 25 anos de idade, o que é uma curiosidade, já que muitos outros profissionais da arte iniciam sua jornada ainda muito cedo, antes do período de sua adolescência.

A jornada de Daniel na arte se dá após sua formação em engenharia, em 1980, quando inicia seus estudos na Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Curiosamente, em uma das primeiras vezes que foi produzir uma obra, imprimiu acidentalmente o chão do ateliê. Essa ação mudou sua trajetória na arte.

A partir daí, começa a visitar locais abandonados e produzir uma extensa coleção de impressões de chãos de diferentes lugares, uma espécie de gravura obtida tendo o chão como matriz e com a utilização de materiais como a cola e o cimento. Essas impressões estão presentes na maior parte de suas obras.

Daniel Senise 

O início fundeiro

No início de sua carreira, ainda utilizava pincéis e tintas realizando obras abstratas, mas naquele momento começa a ser considerado um fundeiro, ou seja, alguém que apenas constrói o fundo de suas obras e que, após seu trabalho, é necessário que algum outro artista dê prosseguimento à produção. Esse rótulo, naquela época, foi aceito até mesmo por ele, por considerar que suas técnicas ainda estavam muito cruas e que ainda deveria inserir muita experiência em seu repertório.

Daniel Senise - Sudário

O amadurecimento de sua carreira com o passar dos anos, percebeu que pintar com o pincel já não dava mais nem o resultado nem a satisfação pessoal que desejava, foi quando decidiu abandoná-los de uma vez por todas e focou em suas impressões de chão e as utilizou como palhetas.

Daniel Senise 1

A temática e a motivação

Daniel não iniciou seu trabalho pelo tema que queria abordar, pelo contrário, iniciou produzindo e com o amadurecimento e com as milhares de aplicações e experimentações entendeu que o seu entorno e as paisagens da cidade onde ele se situa são os fatores mais importantes para a construção de suas obras, mesmo que não seja claro para quem vê suas produções.

Nesse período, Senise inclui diferentes materiais em suas obras como peças de metal, tachinhas e pregos que parecem estar corroídos pela ação do tempo, assim como suas telas.

Daniel Senise

O trabalho de Daniel Senise é um resultado de dúvidas internas e do contexto no qual suas ideias estão inseridas, são a moldura pela qual ele vê o mundo. O artista continua produzindo e expondo suas obras dentro e fora do Brasil.

Carlos Vergara

Gaúcho de Santa Maria, Carlos Vergara nasceu em 1941 e foi um dos grandes artistas plásticos da história da arte brasileira, ligado principalmente à pintura, à gravura e à fotografia. Toda sua relação com a arte começa com trabalhos artesanais, produzindo cerâmicas e jóias após a sua ida para o Rio de Janeiro no início da década de 1950.

Daí já é possível afirmar que sua carreira começou como uma avalanche. Suas primeiras produções artísticas com a cerâmica e com as joias já foram expostas em 1963 na 7ª Bienal Internacional de São Paulo. No mesmo ano, decide dar os primeiros passos no aprendizado técnico e teórico para o andamento de sua carreira artística, dessa vez, além do artesanato, inserindo o lápis e o pincel através de um curso com o também artista Iberê Camargo.

A partir do primeiro curso Vergara já começa a produzir suas primeiras pinturas figurativas, caracterizadas por um estilo próprio, já com uma personalidade aparente em suas pinceladas características e marcadas nas telas, levando o figurativo ao caricato, algo próximo ao que era visto no movimento expressionista.

Carlos Vergara - Traço Pop da nova figuração

Da adolescência à maturidade de sua carreira

Com o passar dos anos é possível perceber que a arte de Vergara inicia um caminho do expressionismo ao PopArt. Ele começa a produção de murais e diversifica a utilização de materiais e de linguagens em suas manifestações artísticas. Além disso, começa a utilizar tintas naturais em suas telas.

Carlos Vergara - Auto-Retrato com Índios Carajás

A medida que seu repertório artístico e de materiais aumentava, ficava mais nítido que suas inspirações vinham de locais, culturas e identidades locais e brasileiras, tanto dentro de suas cores, que muitas vezes faziam referência a nossa bandeira, como às cores presentes em nosso dia a dia e em nossas paisagens. A partir daí se pode perceber um trabalho mais conceitual e mais liberto de entendimentos e aplicações já vistos naquele momento da história da arte brasileira, principalmente dos movimentos construtivos que abrangiam grande parte dos artistas brasileiros na época.

Carlos Vergara - Duas Figuras

A Fotografia de Carlos Vergara

Carlos começa seus trabalhos fotográficos no início da década de 1970. A princípio, sua ideia era sair do ambiente calmo e tranquilo do seu ateliê e caminhar para as ruas, sentir e observar como era o dia a dia das pessoas, o que depois se transformou em seu foco até o final de 80.

Já no início dos trabalhos era possível perceber seu talento e dom natural para a produção e, durante esse período, paira em fotos jornalísticas de movimentos culturais e populares, o que é possível observar em uma de suas capturas no carnaval de 1972, quando retrata três jovens negros durante a ditadura militar nas ruas do Rio.

Carlos Vergara - Bloco de Carnaval Cacique de Ramos

Aos 80 anos, Carlos Vergara está no período final de sua carreira mas continua produzindo, expondo e vivendo intensamente.

Carlos Cruz-Díez

Como já abordamos em outro artigo aqui do blog: As obras de um louco pela cor e as características de Carlos Cruz-Díez. Carlos Cruz-Díez foi um artista plástico venezuelano que viveu durante a maior parte de sua vida em Paris e que teve expressão mundial pela forma diferente que encontrou de utilizar as cores artisticamente, levando aos admiradores de arte os conceitos da op art, desde a ilusão de ótica até a imersão, que juntas eram responsáveis por sensações curiosas e únicas aos espectadores.

Carlos Cruz-Díez - Chromosaturations

O porquê e o uso das cores

Carlos Cruz-Díez é um pintor com formação teórica e se considera um acadêmico. As cores e a sua forma de pintar vieram de uma curiosidade da infância, quando se perguntava o motivo de todos os seus colegas pintarem da mesma maneira. Foi esse questionamento que levou Díez aos estudos, recorreu a livros de filósofos, de cientistas e de artistas com o propósito de encontrar outras maneiras de pintar.

Após muitos anos de estudos e de conhecimento buscado, Carlos enxergou formas de trabalhar as cores completamente diferentes das usuais, muitas vezes onde as cores visualizadas não eram as cores que realmente eram as empregadas por ele, mas que eram o resultado por elas projetado: “As cores são passadas de pai para filho como algo certo, mas elas não são, as cores são uma circunstância.”

Carlos Cruz-Díez – Chromosaturations 2

As fisicromias de Díez

Ao desdobramento da construção de seus trabalhos, Cruz-Díez se deu conta de que para obter os resultados desejados com as cores e a ilusão de ótica causada por elas, ele deveria de alguma maneira destruir ou reconstruir as formas pelas quais as cores seriam empregadas.

Daí surgiram as fisicromias em suas obras, trabalhos considerados por ele como algo extremamente complicado e demorado, já que todas as partes artesanais da obra exigiam um nível de detalhes exorbitante e, ao mesmo tempo que fazia as obras, tinha ideias que eram repreendidas pelo cuidado que tinha com suas cores.

As evoluções das fisicromias no repertório de Díez permitiram e o instigaram a levar seu trabalho das telas aos eventos, idealizando, construindo e expondo cenários nos quais as pessoas poderiam entrar, experimentar e fazer parte de suas obras, as conhecendo através de outra ótica, de outra maneira, observando uma obra que habita o mesmo espaço que ela.

Carlos Cruz-Díez - Transchromie

Um trabalho diferente

Outra preocupação de Carlos foi fugir da pintura em si, isso fez com que seu trabalho fugisse do comum, partisse para algo mais escalável, saindo da aba da pintura e pairando ao design. Para isso, modernizou seus processos e utilizou computadores para fazer suas obras, que começaram a partir para ambientações de luz e ganharam muito mais espaço em exposições.

Carlos Cruz-Díez - Chromointerferent Environment

Carlos Cruz-Díez foi um dos maiores nomes da arte mundial recente. Ele trabalhou até seus últimos anos de vida e modificou a maneira de produzir, de sentir, de enxergar e de admirar uma arte. Suas obras ainda são e serão muito expostas de forma póstuma.

Arthur Luiz Piza

Nascido em São Paulo em 1928, Arthur Luiz Piza foi um dos grandes artistas plásticos da história da arte brasileira, se difundindo principalmente nas técnicas da pintura, gravura, da ilustração e da escultura. Mesmo sendo multifacetário, ele é considerado até hoje como um dos maiores nomes da gravura brasileira.

Os primeiros aprendizados de Piza na arte aconteceram quando o artista tinha apenas 15 anos de idade, quando iniciou seus estudos de pintura com o também artista Antonio Gomide. Esses estudos foram responsáveis pela inserção de Arthur na arte e, alguns anos mais tarde, Piza aprende algumas vertentes das técnicas da gravura após participar da Bienal de São Paulo, quando caminha a Paris, cidade muito importante em sua trajetória pessoal e profissional.

Já em 1953, dois anos após sua ida ao território francês, Piza volta ao Brasil para participar da Bienal de São Paulo daquele ano e lá ganha o primeiro prêmio de melhor gravura. Assim iniciaria a carreira de um dos maiores artistas do cenário da arte brasileira.

Arthur Luiz Piza - L'Ombre Pyramidale

A evolução de sua obra

Após o aperfeiçoamento das técnicas da gravura, Arthur começa a inserir seus trabalhos pouco a pouco no que hoje entendemos como o movimento construtivo, ligado a um cuidado maior com a geometrização dos elementos e suas respectivas cores. A partir da inserção das formas geométricas, seu trabalho começa a caminhar para o relevo e para as texturas, isso acontece ao final da década de 50, quando ainda mora na França.

Arthur Luiz Piza - Rouge Sur Noir

E assim, o artista caminha ao longo de sua carreira focado nas técnicas da gravura e em obras relacionadas ao concretismo, inserindo diferentes materiais e até utilizando objetos do dia a dia, como vasos e louças.

Arthur Luiz Piza 2

Paris, sua arte e o pouco reconhecimento no Brasil

O reconhecimento e a valorização do trabalho de Arthur Luiz Piza é significativamente maior na Europa do que em seu continente. Por lá, críticos franceses, por exemplo, consideram que o requinte de suas obras, principalmente de suas gravuras, poucas vezes foi igualado por outros artistas da história da arte mundial.

Mas não foi esse o motivo de sua preferência por Paris. Mesmo antes de seu reconhecimento e após um prêmio ganhado em território brasileiro, o artista resolveu mudar de ares e fixar residência por lá. Na época sua escolha se deu muito por sentir falta do aroma artístico que a capital francesa exalava, pelo maior conhecimento disponível para ser obtido e, em uma época de difícil acesso a outros conteúdos, estar mais perto de suas referências.

Arthur Luiz Piza - Rectangle em Désordre

Arthur Luiz Piza faleceu em 2017 na França, passando a maior parte de sua vida em Paris.

Arcangelo Ianelli

Paulista da capital, Arcangelo Ianelli nasceu em um dos anos mais simbólicos para a história da arte brasileira, 1922, e foi um artista plástico multifacetário, se difundindo principalmente nas técnicas da pintura e da escultura, também passando pelas técnicas da gravura e da ilustração. Durante sua carreira foi reconhecido por suas cores intensas e por suas fases onde partiu da figuração, passou pelo abstracionismo até chegar a geometria.

Ianelli foi um artista autodidata, iniciando no desenho sem qualquer aula ou curso, mas também teve o cuidado de aprimorar seu repertório teórico e seus primeiros aprendizados acadêmicos na arte vieram aos seus 18 anos, quando estudou perspectiva na Associação Paulista de Belas Artes. Quando foi inserido na pintura, contou com a ajuda de outros importantes artistas do cenário brasileiro como Lothar Charoux e Waldemar da Costa, além de realizar um curso com Colette Pujol.

“O que eu quero dizer com a minha pintura, é a minha própria pintura. Eu não tenho a intenção de representar uma cena, um estado de espírito, seja ele alegre ou triste, apenas expressar a própria pintura em seus valores reais.”

Arcangelo Ianelli - Barcos a Vela

A primeira fase de sua carreira

Em um primeiro momento, Ianelli opta por realizar obras mais figurativas, beirando o realismo, algo comum no cenário paulistano da época e é possível dizer que naquele instante os valores reais de suas obras, como colocado por ele, seriam mais o aprendizado e o enriquecimento de técnica do que qualquer expressão ou movimento artístico.

Naquele tempo manteve amizade com críticos de arte, que eram muito importantes até um passado recente para o cenário artístico brasileiro e a maioria de suas pinturas eram realizadas com tinta a óleo. Ao longo dos anos, caminha em uma trajetória retilínea e vai demonstrando seu interesse a outros tipos e movimentos da arte, até que chega mais perto da vertente construtiva.

Arcangelo Ianelli - Estaleiro

As linhas cores e formas

Após sua fase figurativa que durou entre 16 e 17 anos, chega em suas obras uma fase mais ligada ao construtivismo, onde a figuração deu lugar ao abstracionismo e o real foi dando espaço ao cuidado com as cores, as linhas e as formas. Dentro desse campo passa por algo que podemos considerar subfases de seu trabalho, onde caminha pela fase da matéria, do grafismo e uma fase denominada por seu amigo e também artista Paulo Mendes de Almeida como “Balé das Formas”, que dá início ao seu processo de geometrização de suas obras, por onde se mantém durante 10 anos.

Arcangelo Ianelli - Vibrações

Nesta fase, que ocorreu em 1970, começa a utilizar a têmpera por muitos anos devido a um problema de saúde causado pelo chumbo da tinta a óleo. Com ela conseguiu desenvolver aspectos translúcidos em suas obras, época na qual surgem obras como “Transparências” e “Superposições”.

Arcangelo Ianelli - Superposições em Vermelho

Arcangelo Ianelli faleceu em 2009 e foi um artista reconhecido em vida, tendo o primeiro prêmio em duas Bienais e tendo retrospectivas de seus trabalhos também em vida, algo que foi muito importante para o reconhecimento de seu trabalho.

Imagem de uma matriz litográfica

Como já abordamos em artigo anterior, a gravura é uma técnica artística pela qual se obtém uma imagem por meio de uma impressão, normalmente construída em bases duras, como madeiras, pedras e metais. A partir do material usado como base é diferenciado o tipo da gravura, como por exemplo, a Litografia ou litogravura, Xilografia ou xilogravura, Lineogravura e outras.

Hoje falaremos sobre a litografia e sobre os artistas que são reconhecidos como os precursores da técnica, ou que ao longo de suas carreiras fizeram um exímio trabalho através dela.

A litografia ou litogravura em si

A litografia se refere a técnica de impressão de uma imagem por uma matriz feita em pedra preparada previamente através soluções químicas. Com a utilização de outros materiais como a água e a tinta, são realizadas as impressões em uma espécie de carimbo (no caso a pedra) responsáveis por fixar o desenho sobre a superfície ou tela desejada. Para saber mais sobre a litografia, confira o nosso artigo completo sobre todos os tipos de gravuras.

A história da técnica e os artistas

A litogravura foi muito trabalhada e explorada por renomados artistas do passado e até hoje existem artistas no cenário que são focados na técnica.

Francisco Goya

Historicamente, críticos tem a ideia comum de que o primeiro artista plástico a usar a litografia foi Francisco Goya, quando realizou uma das obras da série "Touros em Bordeaux". A briga de touros era um entretenimento muito comum antigamente e logo também era um tema comumente retratado por artistas na época. As técnicas aplicadas por Goya nessa série foram água-forte e água-tinta, utilizadas para ilustrar as cenas de movimentos violentos dos touros. Goya foi chamado de repórter por apresentar uma arte que por sua perfeição parecia uma foto do evento, o que mostra que seu domínio da técnica era irretocável.

Francisco Goya - Touros em Bordeaux

Vieira da Silva

Com o passar do tempo essa técnica se popularizou e muitos outros artistas passaram a trabalhar também com a litografia, como Maria Helena Vieira da Silva, que abandonou o início da carreira como escultora para se dedicar à pintura e à gravura, principalmente à litografia. Entre os famosos trabalhos dela na técnica estão "Plombs", produzido em 1971 e "Lisbonne du Retour" de 1993.

Vieira da Silva – Plombs

Vincent Van Gogh

A litografia também fez parte da carreira de um dos mais importantes artistas da história da arte mundial. A obra "Tristeza", tradução do nome original "Sorrow", é uma litografia do artista realizada em 1882 com desenho feito com lápis pelo pintor em Paris e depois passada para uma matriz em pedra. Além dessa, Van Gogh criou também a “Sorrow Woman", em 1887, feita com giz preto sobre papel e que também foi replicada inúmeras vezes, o que foi permitido pela técnica.

Vincent Van Gogh - Sorrowing

Regina Silveira

Nascida em Porto Alegre em 18 de janeiro de 1939, Regina Scalzilli Silveira, ou apenas Regina Silveira, é uma artista brasileira difundida em diversas vertentes das artes, mas, principalmente, gravadora, pintora e professora, sendo uma das artistas plásticas mais influentes de sua geração.

Regina se graduou como pintora em 1959 pelo Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul e lá foi aluna dos famosos pintores Aldo Locatelli e Ado Malagoli.

Sua carreira como pintora se iniciou ainda em Porto Alegre e no fim da década de 60 começou a representar o movimento geométrico-construtivista através de esculturas e serigrafias. Nesse início Regina teve aulas de pintura com Iberê Camargo. Críticos do cenário consideram que a artista absorveu forte influência de sua arte, como a maneira de utilizar a técnica como um meio artístico e não apenas a técnica por ela mesma. A partir daí Regina passa a pintar diferentes representações da arte.

As características de suas obras

Uma de suas características é a reinvenção. Com diferentes linguagens, sua obra explora temas que passam pela composição da imagem, pela reinvenção da representação, pelo poder e pela política.

A partir do tom questionador da pintura tradicional, Regina se torna uma das referências no estímulo da revitalização da arte com suas perspectivas ilusionistas quebrando espaços arquitetônicos e com desenhos e pinturas que distorcem o espaço original.

Regina Silveira 2

A serie “Desaparências” entra nesse contexto, mostrando sua visão em perspectiva com a técnica de colagem de adesivos em vinil formando linhas interrompidas que representam um ateliê de pintura distorcido. Um estúdio com cavaletes, móveis e instrumentos tradicionais de pintura, mas fugindo totalmente do linear.

Regina Silveira – Desaparência

Além disso, segundo ela a série “Desaparências” é também uma peça bibliográfica, uma vez que o estúdio criado em sua obra pode ser o seu antigo ateliê.

Regina Silveira 3

Além das telas

Apesar de ser definida como distorcida, essa arte contemporânea foi uma busca de tornar a pintura como um objeto do cenário além do quadro. A utilização de imagens na trajetória da artista se inicia com a série de serigrafias “Middle Class & Co”, em que tem como tema a dilaceração do cidadão contemporâneo e tem como métodos intervenções de fotografias com recortes, diagramações etc.

Regina Silveira - Middle Class & Co

Após ganhar uma bolsa em um curso de Filosofia em Madri e ficar 6 anos por lá, Regina decide voltar ao Brasil e assume o comando da área de gravura da Faculdade de Artes Plásticas da Fundação Armando Álvares Penteado, a FAAP.

Regina também deu aulas na Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, a ECA, na USP, onde obteve o título de doutora anos mais tarde. Regina continua realizando suas obras e realizando mostras individuais ou participando de importantes exposições no Brasil e no mundo.

Adriana Varejão

Nascida na cidade do Rio de Janeiro em 1964, Adriana Varejão é uma artista plástica contemporânea e uma das que ainda em atividade possui mais reconhecimento. Ela é conhecida principalmente por suas obras na pintura, mas ainda trabalha outras vertentes da arte, seja incluindo-as em suas telas ou trabalhando-as individualmente.

Adriana teve seus primeiros contatos com o meio artístico ainda jovem, no início de sua fase adulta, após abandonar o curso de Engenharia da PUC. Fez cursos de arte na Escola de Artes Visuais do Parque Lage e realizou sua primeira exposição individual aos 24 anos, na Galeria Thomas Cohn. Antes mesmo de sua primeira exposição individual a carioca recebia o Prêmio Aquisição do Nono Salão Nacional de Artes Plásticas, da Fundação Nacional de Artes do Rio de Janeiro.

Adriana Varejão - Abóbada

Entre o prêmio e a primeira exposição

Entre o prêmio e sua primeira exposição individual, Adriana Varejão teve a inclusão de um importante movimento em seus conhecimentos artísticos. Após uma viagem a cidade histórica de Ouro Preto, o barroco foi inserido em seu repertório, que até o momento era caracterizado por uma maioria de obras figurativas.

Obras com pinceladas características das azulejarias das igrejas começam a se tornar uma marca das obras daquele momento da artista. As cores e tonalidades barrocas também acabam se tornando frequentes, o que pode ser visto em obras como “Altar I” e “Abóbada”.

Adriana Varejão – Altar I

Arte crítica e mensageira

Para ela, a arte não pode ser algo exclusivamente belo e ou decorativo. É importante que a obra tenha uma linguagem que a aproxime de quem a vê, da mesma forma que tenha uma mensagem, uma razão e que realmente tenha um sentido interno.

Daí podemos entender o peso e o valor de suas artes contemporâneas, que se transformaram com o passar dos anos e que agora acompanham do belo dos azulejos desenhados, com geometria e cor, ao peso da aparência de seu interior, que carrega um olhar mais fúnebre ou denso, como se formasse um corpo dilacerado.

Adriana Varejão – Swimming Pool

Esses trabalhos, em sua maioria, criticam as forma de colonização que dilaceraram algumas culturas para que outras se tornassem mais importantes. Dentre as críticas, Adriana também questiona e simboliza o processo de evangelização da igreja católica e de suas frequentes polêmicas.

Adriana Varejão – Varal

O trabalho e o reconhecimento

Adriana se considera uma pessoa extremamente aficionada pelo trabalho e que acredita que se não trabalhasse tanto com certeza se tornaria maluca.

Apesar de ter recebido seu último prêmio em 2013, quando foi premiada com o Prêmio Mario Pedrosa de Melhor artista de linguagem contemporânea da ABCA, hoje talvez esteja no auge de sua carreira, com exposições individuais ou em grupo por inúmeras partes do mundo e importantes galerias, como a Gagosian em Nova Iorque.

Max Bill

Max Bill foi um artista plástico nascido na Suíça em dezembro de 1908 que, além das telas, teve também o design gráfico e o design de produtos como partes importantes da sua carreira. Na arte, Bill teve um trabalho multifacetário que passou pela pintura, gravura, escultura e pelas salas de aula.

Bill iniciou a carreira aos 16 anos de idade, quando ainda na Suíça começou a participar de cursos de arte. Rodou a Europa no começo de sua fase adulta e aprendeu em uma das escolas mais importantes da arte mundial: a Escola Bauhaus. Com o amadurecimento de sua carreira, o Suíço seria conhecido como um dos maiores nomes da Escola no meio artístico mundial. Os críticos consideram o trabalho de Max essencialmente concretista.

A evolução do concretismo

É comum a percepção dos críticos pelo cuidado com a cor e, principalmente, com a forma nas telas de artistas concretistas. Mas Max Bill foi além. O artista também incluía elementos matemáticos e de lógica, sem perder o cuidado com a estética de suas obras, principalmente naquelas que tinham funcionalidade.

Sim, Bill também foi um artista que se preocupou em realizar obras funcionais, ou seja, que tinha uma utilidade além da estética, da reflexão e dos valores que uma obra de arte carrega consigo.

Max Bill – Geometrie

A escultura também foi uma das partes da arte que foram exploradas por Max Bill. Nelas, o artista trabalhava, em sua maioria, com o metal polido e tem nessa faceta da arte uma de suas obras mais importantes e reconhecidas, a “Endlose Treppe”.

Max Bill - Endlose Treppe

Max Bill e o Brasil

Bill trouxe conhecimento e repertório à arte e à arquitetura brasileiras e trouxe junto do conhecimento algumas críticas, tanto às obras quanto a quem as fazia. Com isso, construiu uma relação polêmica de amor e ódio com os profissionais brasileiros, pois considerava que eles não se atentavam ao social no momento que realizavam seu trabalho. Mesmo assim, é impossível dizer que o Suíço não trouxe evolução ao trabalho artístico e de arquitetura aos brasileiros.

Max Bill faleceu em 1994 e, mesmo tendo sido em vida uma figura polêmica, teve inúmeras homenagens pelo Brasil.

Mira Schendel

Myrrha Dagmar Dub nasceu em Zurique, na Suíça, em 1919 e ficou conhecida no Brasil como Mira Schendel. Mira foi uma artista plástica que teve uma carreira reconhecida internacionalmente e por aqui é compreendida como um ícone da Arte Moderna Brasileira.

Quando era jovem, viveu em inúmeros países. Isso aconteceu porque Mira veio de uma família judaica e os tempos não eram os ideais para os seguidores da religião. Em plena Segunda Guerra Mundial seus pais foram obrigados a fugir constantemente, até que em 1949 chegou em Porto Alegre e, anos depois, mudou-se para a sua “cidade natal” no Brasil, São Paulo.

Mira Schendel - Que Beleza

Mira Schendel pintou até os 17 anos e só retomou a pintura quando chegou ao Brasil. Na época a arte era levada apenas como um meio de viver e sobreviver, mas com o passar dos anos se transformou na melhor maneira que ela tinha de se expressar.

Mira e o Brasil

Quando chegou ao Brasil, Mira permaneceu em Porto Alegre por 10 anos, onde trabalhou com design gráfico, pintou e trabalhou com esculturas em cerâmica. Por lá também trabalhou com uma vertente da arte que a acompanharia durante toda sua carreira: o poema e a literatura. As letras e as palavras acompanharam a arte de Mira até mesmo no interior de suas telas. Através delas a artista procurava a melhor maneira de transmitir o seu pensamento e o seu sentimento para suas obras.

Mira Schendel - A Volta de Aquiles

De 1953 até o final de sua vida reside em São Paulo e é nessa época que cria suas séries de obras e realiza exposições dentro e fora do Brasil.

Uma carreira muito reconhecida e pouco planejada

Assim como seu início na arte, Mira nunca tentou ou fez questão de construir sua carreira de forma planejada. Apenas criou, sentiu e tornou palpáveis suas obras sensitivas e intuitivas, experimentou diferentes técnicas, diferentes materiais e produziu obras melancólicas, irreverentes, delicadas e que por muitas vezes os críticos tratam como algo de outro mundo. A profundidade e o movimento faziam parte das obras de Mira, assim como a filosofia e a teologia, que sempre a acompanhou.

“Cada pessoa vê como pode”

Muitas vezes teve seu trabalho criticado e demorou a ter um reconhecimento fora do Brasil, mas foi uma artista livre e tolerante, que não produzia para os críticos, não aprofundava suas obras para ser reconhecida, mas para expressar o que tinha em seu interior. Daí a frase: “Cada pessoa vê como pode!”, que deixa claro que não menosprezava a crítica de quem não enxergava o que ela queria passar, não se aborrecia por ela não poder enxergar, muito menos mudaria a sua forma de trabalho por isso.

Mira Schendel morreu em 1988 quando residia em São Paulo e, mesmo que tardio, seu reconhecimento internacional fez com que tivesse uma exposição póstuma em uma das mais importantes galerias de Arte Moderna do mundo, a TATE Modern, em Londres.

Amilcar de Castro

Mineiro de Paraisópolis, Amilcar de Castro nasceu em 1920 e foi um artista plástico brasileiro muito reconhecido por ser um artista multifacetário. Seus aprendizados no meio da arte surgiram não muito cedo, quando tinha 24 anos de idade. Amilcar iniciou um curso de Escultura Figurativa na Escola de Belas Artes de Belo Horizonte, após, por influência de sua família, cursar Direito na Faculdade de Direito da Universidade Federal de Minas Gerais, a UFMG.

Aos 30 anos se mudou para o Rio de Janeiro, onde focou na carreira artística. Nesse período obtinha no Jornal do Brasil seu sustento, sendo responsável por toda parte de diagramação. Em alguns anos reformulou totalmente a estrutura gráfica do periódico, trabalho de grande valor para o futuro do artista.

Mesmo sendo multifacetário, foi na escultura onde o artista teve seu maior reconhecimento e valorização. Amilcar teve como um de seus grandes mentores Franz Weissmann, outro grande escultor nascido na Áustria. Futuramente, Amilcar de Castro faria esculturas em importantes locais públicos pelo Brasil.

Amilcar de Castro - Escultura no MuBE - Foto Duda Carvalho

O Movimento Neoconcreto e os prêmios

Com o passar dos anos, as obras figurativas dele começam a dar lugar a peças mais abstratas. A representação do real passa a existir cada vez menos e as formas e objetos tomam seu lugar gradativamente, até que ele se torna um dos idealizadores do movimento neoconcreto, junto com seu mentor Franz Weissmann.

A partir daí se inicia uma das décadas mais importantes para a carreira do artista, a década de 50. Nela, Amilcar recebe importantes prêmios e expõe suas obras em exposições de renomados museus e locais ligados a arte. Dentre esses feitos, a medalha de bronze em Escultura no III Salão Baiano de Belas Artes, em Salvador e Exposições no Museu de Arte Moderna de São Paulo, o MAM-SP, e do Rio de Janeiro, o MAM-RJ.

Amilcar de Castro - Escultura no jardim do TCU

A ida ao exterior e a carreira de professor

Em 1968 Amilcar vai aos Estados Unidos após receber uma bolsa no Memorial Foundation, como prêmio do Salão Nacional de Arte Moderna, o SNAM. Fato é que, além do estudo, outras sementes foram plantadas e o artista resolveu dividir seus aprendizados e partir para a carreira de professor, carreira esta que persistiu por 19 anos, de 1971, quando voltou ao Brasil e se fixou em Belo Horizonte a 1990, quando decidiu voltar o foco de sua carreira a produção de obras.

Amilcar de Castro - Escultura no MAM-RJ

Podemos entender as esculturas de Amilcar muito melhor se as enxergarmos como algo do local onde ela está, muito mais do que do material pelo qual elas foram construídas ou pelas cores que foram colocadas em sua produção. Suas obras, principalmente as monumentais, são algo da natureza e fazem parte do meio que está ao seu redor, assim como a ação do tempo, que para ele é algo que não deve ser entendido como “corpo estranho” em suas esculturas.

Amilcar de Castro - Escultura em Dom Silvério